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miércoles, 29 de febrero de 2012

SWEENEY TOOD: THE DEMON BARBER OF FLEET STREET



SWEENEY TOOD: THE DEMON BARBER OF FLEET STREET
de Tim Burton


Reparto: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall, Sacha Baron Cohen, Jamie Campbell Bower, Laura Michelle Kelly, Jayne Wisener y Ed Sanders.
Año: 2007
País: Reino Unido y EEUU 
Lengua: Inglés
Genero: Musical, Comedia y Crimen
Reconocimiento: 3 niminaciónes a los Oscar ganando en la Mejor Dirección Artística. 4 nominaciónes a los Golden Globes ganando en Mejor Película de Comedia o Musical y en Mejor Actor de Comedia o Musical para Johnny Deep. 8 nominaciónes a los Saturn Awards ganando en Mejor Película de Terror y Mejor Vestuario. Nominada a 2 BAFTA. Nominada a los Grammy. 
Puntuación: «««««


Pese que Tim Burton no se declara amante de los musicales, su trayectoria no apoya sus declaraciones, pues más de 1, 2 y 3 de sus películas se catalogan en este genero. Además, según él mismo, la representación teatral de Sweeney Tood que vio cuando aún era un estudiante, le dirigió en su camino para acabar siendo quien es hoy en día, por lo que le debe mucho a esta obra teatral que, años más tarde, se encargaría de adaptar al cine con sus inseparables Depp y Bonham Carter. La historia, algo Macbethiana, cuenta la historia de un barbero que vuelve a la calle Fleet de Londres, tras cumplir condena por una traición del alcalde del pueblo que se quedó con su hija para criarla como tutor y, más tarde, pretender casarse con ella. El enloquecido barbero, con la ayuda de una nueva compañera, se las arreglará para vengarse de los habitantes de la ciudad y de sus enemigos, entre canción y canción.

Sobre el trío formado por Burton, Depp y Bonham Carter, ya hemos hablado previamente en otras publicaciones, por lo que no será nuevo para vosotros la repetitividad que suponen estos tres elementos en toda una trayectoria que repite calco sobre calco. Esta pasión por las historias góticas y de pseudo-terror con un sobreaire de melancolía y tristeza en la mirada de los personajes es uno de los favoritos del director, el cual arrastra a su inseparable Johnny para hacerle caer en el mismo rol una y otra vez. Además, des de que se casó con Helena, se han convertido en una pareja inseparable dentro y fuera de las cámaras. Siempre hemos dicho que este fetiche que existe entre directores y actores no nos acaba de convencer y lo único que se consigue es crear histories idénticas las unas de las otras.

El diseño artístico de la película es la parte más destacada formando una caracterización de personajes, espacios y banda sonora excelentes. Interpretativamente es uno de los mejores trabajos de los actores de lo último que hemos visto de estos, donde sorprenden los dos protagonistas que han sabido encarnar un mismo rol y, al fin, saberlo desempeñarlo competentemente. Es una buena película para bien y disfrutar de la banda sonora. A quien les gusten los musicales les gustará y a quien no les apasione a lo mejor se llevan una sorpresa con esta película con algo de sangre y toques gore.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


martes, 28 de febrero de 2012

500 DAYS OF SUMMER


500 DAYS OF SUMMER
de Marc Webb


Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Chloë Moretz, Geoffrey Arend y Matthew Gray Gubler.
Año: 2009
País: EEUU
Lengua: Inglés, Francés y Sueco
Genero: Comedia y Romance
Reconocimiento: 2 nominaciónes a los Golden Globes. 3 nominaciónes a los Independent Spirit Awards ganando en Mejor Guión. 
Puntuación: «««««


El amor, el sexo y las relaciones humanas referentes a estos sentimiento son temas eternos que están presentes a nuestro alrededor constantemente: música, publicidad, literatura, cine... incluso en nuestras obsesivas cabeza de individuos culturales en una sociedad que ha potenciado este sentimiento no solo con una noble causa de hacer agradable la vida a los demás, sino con el objetivo de consumir, consumir y consumir todo tipo de mercados que enriquecen y que, posiblemente, sean el motor de nuestra sociedad. Anuncios de publicidad con modelos que nunca son parecidos a la realidad de las personas que se cruzan en nuestros caminos día a día, películas con argumentos románticos que nada tienen que ver con la cotidaneidad de una relación entre personas, canciones que hablan sobre un profundo sentimiento que impide alejarse de la persona deseada ni 5 segundos... Esta película trata todos estos topicazos alrededor del AMOR y realiza una crítica sutil aprovechando a un personaje creyente y practicante de esta nueva religión que ha dominado el siglo XXI. Cuando nace el amor siente estar en un musical de color rosa y cuando es abandonado desea su muerte y entra en un periodo de autodestrucción. Al final entenderá el verdadero significado del amor que no es otro que el de ser feliz.

Marc Webb ha sido reconocido en el mundo de la dirección del vídeo musical, por lo que esta película, que supone su debut en el mundo del largometraje, esta impregnada de una excelente Banda Sonora muy bien estudiada y trabajada y que supone un sello de identidad del director en esta primera referencia cinematográfica. Pronto presentará su segundo proyecto rescatando el personaje de Spiderman, por lo que cambia completamente de registro (esperemos, ya que últimamente, en las películas de superheroes, hay más amor que acción). Capitaneando el reparto una pareja que funciona bien en pantalla pero que no realizan ninguna maravilla y en la que, a lo mejor, destaca más Zooey Deschanel que Joseph Gordon-Levitt, al contrario de lo que pasaba en 50/50, donde era el actor el que superaba a su compañera de cartel. Una pequeña crítica es que hemos echado en falta más intervenciones de los amigos del protagonista en el guión, que aportan los mejores momentos de comedia y sin los cuales la película se hace lenta y pesada con tanto amor y sentimientos encontrados. 

Quien esté enamorado debería echarle un vistazo a ver si este experimento le transforma o sigue igual que antes. Que nos lo cuente por favor. A los demás: es una película normal, entretenida pero no imprescindible.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!




lunes, 27 de febrero de 2012

LA DAGA DE RASPUTÍN



LA DAGA DE RASPUTÍN
de Jesús Bonilla


Reparto: Jesús Bonilla, Antonio Resines, Antonio Molero, María Barranco, Carmen Vicente-Arche, Carolina Bang.
Año: 2011
País: España
Lengua: Castellano y Ruso
Genero: Comedia
Reconocimiento: Nada
Puntuación: «««««


Un episodio malo de Los Serrano es como mejor se puede definir esta película. La serie se caracterizaba por hacer una bola de problemas cotidianos normales que se agrandaban por los malos entendidos de los protagonistas que nunca demostraron mucha inteligencia o agudeza. Aquí pasa lo mismo pero con una pretensión algo más elaborada. El resultado viene a ser más o menos el mismo: un desastre completo que, a lo mejor, está pensado para mentes más elaboradas que las nuestras ya que no llegamos a entender muy bien las bromas y chistes que se hacen. Mejor dicho, no es que no los entendamos, lo que no entendemos es como alguien se puede reír con esta clase de humor tan fácil y repetitivo. Que conste que lo de la comparación con la serie no es solo porque cuente con el mismo reparto, sino porque toda la presentación humorística es exactamente la misma.

Este es el segundo trabajo como director de Jesús Bonilla y se la considera una séquela de su primer trabajo, aunque el director lo niegue. Pretendió que no fuera una segunda parte, pero es una misma repetición argumental, con unos mismos actores, unos personajes idénticos... por lo que se la considera así. Acompañando a este personaje que, a parte de repetir ideas como director, repite una y otra vez el mismo personaje zafio, sus amigos dentro y fuer de la cámara. El trío formado entre Resines, Bonilla y Molero ya se ha convertido en un clásico del cine español  y siempre aportan un resultado similar. Son varias las películas en las que han coincidido y diferentes proyectos que han llevado a cabo juntos con otros habituales como Neus Asensi, Goizalde Núñez, María Barranco... De todo el elenco solo podemos destacar a esta última que realiza las aportaciones cómicas más aprovechables del film. Sin duda la hemos visto en proyector mejores, como también hemos visto a Resines saliendo de este pozo cómico sin fondo con un resultado sorprendente. A quien no crea capaz de esto al actor debería ver La buena estrella, donde, junto con un buen director, buenos actores y un buen guión, es capaz de interpretar con letras mayúsculas. Evidentemente deja de lado todos los tics y movimientos con las manos que tanto le caracterizan. 

La película es un fracaso en todos los aspectos y se mire por donde se mire. Un final repentino y mal contado acaba siendo la guinda que corona el pastel. Si alguien consigue llegar a él, lo descubrirá. 




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


domingo, 26 de febrero de 2012

ITTY BITTY TITTY COMMITTE



ITTY BITTY TITTY COMMITTE
de Jamie Babbit


Reparto: Melonie Diaz, Nicole Vicius, Deak Evgenikos, Carly Pope, Lauren Mollica, Melanie Mayron, Daniela Sea, Mircea Monroe, Leslie Grossman.  
Año: 2007
País: EEUU
Lengua: Inglés 
Genero: Comedia, Drama y Romance
Reconocimiento: Presentada en la Berlinale. 
Puntuación: «««««


En una época en la que se ha prohibido el uso de apelativos cariñosos como: encanto, cariño o dulce, en el Reino Unido, aparece una historia de feminismo radical lesbico donde una chica que trabaja en una clínica de cirugía plástica entra en un club con esta ideología y acaba por sabotear su propia empresa que vende silicona a las mujeres para hacerlas sentir "mejor". Con un amor algo puntiagudo y triangular por medio, esta joven aprenderá todos los valores del feminismo y aprenderá una nueva manera de llevar su feminidad y su relación con el resto de la sociedad. Sin duda esta nueva medida que se ha tomado en el país inglés que impide el uso de estas palabras son medidas totalmente desmesuradas que, de vez en cuando, algunos colectivos apoyan por el simple hecho de pretender perseguir la igualdad entre los dos géneros. Pero, ¿qué hay de la libertad de expresión? No creo que nadie pretenda herir a otro alguien llamándolo honey o sweetheart y tampoco debe ir con mucha mala intención en la mayoría de los casos... pero como siempre, los pensamientos radicales (sean de un lado o de otro) suelen tener este tipo de incongruencias ideologicas entre sus idearios.

El equipo de la película esta formado básicamente por mujeres que llevan a cabo esta historia de feminismo y homosexualidad capitaneadas por una directora que se ha involucrado mucho en estos movimientos. Sin duda, la visión que aporta es fresca, realista y muy radical por lo que nos gusta esta provocación a la sociedad. Lástima que sea una producción de poco alcance que haya llegado a poca gente y, sobretodo, a aquella gente de mente cerrada que más lo necesita. También se entiende su poco alcance debido a un guión que parece más un telefilm que una película que se ha presentado en la Berlinale. No cabe destacar ninguna interpretación, pero, a lo mejor, si destacan dos antiguas compañeras de la serie adolescente Popular (del creador de Glee o Nip/Tuck), que años más tarde se encontraron en esta película. Sus nombres son Leslie Grossman y Carly Pope.

Es una película que nunca vais a encontrar en televisión, pero es un terreno en el que debería figurar un sábado por la tarde para que más de uno aprenda algo mientras se hecha la siesta y también por la mala calidad directiva y argumental. Un mensaje a transmitir atrapado en un mal proyecto.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!




sábado, 25 de febrero de 2012

JURASSIC PARK



JURASSIC PARK
de Steven Spielberg


Reparto: Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, Bob Peck, Ariana Richards, Max Hewitt, Wayne Knight, Martin Ferrero, Samuel L Jackson.
Año: 1993
País: EEUU
Lengua: Inglés y Castellano
Genero: Ciencia Ficción
Reconocimiento: Ganadora de 3 Oscars a Mejores Efectos de Sonido, Mejor Sonido y Mejores Efectos Visuales. Nominada a 11 Saturn Awards ganando en Mejor Película de Ciencia Ficción, Mejor Director, Mejor Guión y Mejores Efectos Visuales. Nominada a 2 BAFTA ganando en Mejores Efectos Especiales. Nominada al Grammy.  
Puntuación: «««««


Una de las películas que más éxito han tenido en taquilla presenta esta historia de dinosaurios y ética biológica donde un millonario, que no repara en gastos, decide construir un parque temático para mostrar al mundo sus dinosaurios clonados a partir de material genético hallado en los mosquitos fosilizados en la resina de los arboles. Para su apertura, los inversores requieren de un informe positivo de expertos en la materia por lo que un grupo de seleccionados se adentrará en el parque donde experimentarán lo que podría haber sucedido en el peor de los casos. Inclemencias meteorológicas y el sabotaje de uno de los empleados dejarán a este grupo de seleccionados al alcance de los reptiles, por lo que empezará la trama de persecución y acción de la película.

Como hemos dicho, Jurassic Park representa una de las películas más exitosas de la historia del cine recaudando más de 900 millones de dólares. Acompañándola tras el éxito, la han seguido videojuegos, cómics, libros, camisetas... y dos secuelas que pronto estarán acompañadas por tres partes más que se estrenarán en este año y el los que siguen. La segunda y la tercera parte, no pudieron alcanzar a su predecesora en cuanto a recaudación (bastante lógico por otra parte ya que 900 millones de dólares no es una cifra fácil de alcanzar) pero supusieron éxitos de todas maneras. Parte de este éxito es debido a Spielberg y otra parte a la tecnología digital que se empezaba a utilizar en la época para representar a seres como los que se presentan esta vez en pantalla. Viéndola hoy pensaremos que no es gran cosa, pero en su momento fue una película precursora que se adentró en el uso de las nuevas tecnologías modernas para abrir el camino a muchas otras que la han sucedido. Podríamos decir que es el Avatar de la época en cuanto a innovación, ya que esta película también empezó a trabajar en otro terreno como es el 3D.

Volviendo a la película, podríamos decir que los protagonistas son los propios dinosaurios ya que gozan de propia caracterización y el guión les confiere propios sentimientos y decisiones. Tanto el T. Rex como el Velociraptor pueden transmitir al espectador sus pensamientos y su procesos e toma de decisiones. Una imagen que ejemplifica esto es la secuencia en la que el amigo Velociraptor sacude su zarpa contra el suelo repetidas veces cuál si estuviera pensando que hacer. Otro punto a destacar en relación a estos protagonistas son los movimientos de cámara que se emplean a lo largo de la película. Se utiliza un movimiento deslizante, alejado de los protagonistas, como si se tratara de otro raptor que no pretende interferir en la presa hasta que se hecha sobre ella. Los vigila y nos cuenta su historia. En cuanto a los protagonistas humanos hay que destacar a Wayne Knight que aporta un toque de humor a esta película de persecución animal.

Recomendamos a todo el mundo que no haya visto la película (si queda alguien en el mundo que no lo haya hecho) que la vea. Marcó un precedente en el cine moderno y en el genero de la ciencia ficción.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



viernes, 24 de febrero de 2012

THE FIFTH ELEMENT



THE FIFTH ELEMENT
de Luc Besson


Reparto: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Ian Holm, Chris Tucker, Luke Perry, Brion James, Tommy Tiny Lister y Maïwen Le Besco. 
Año: 1997
País: Francia
Lengua: Inglés, Sueco y Alemán
Genero: Fantasía, Aventuras y Acción
Reconocimiento: 8 nominaciónes a los César ganando en Mejor Director, Mejor Fotografia y Mejor Diseño de Producción. Nominada a 1 Oscar. Nominada a 4 Saturn Awards. BAFTA a los Mejores Efectos Especiales. Nominada a 1 European FIlm Award. Nominada a 2 Razzie Awards.  
Puntuación: «««««


¿Cual es el quinto elemento? Agua, Aire, Fuego, Tierra y... pues no podría ser otra cosa que Amor encarnado en la piel de Milla Jovovich, que no lo representa nada mal por otro lado. La película presenta una ciudad de New York futurista donde se han de reunir los cuatro elementos alrededor de este quinto para evitar la destrucción de la tierra, por enésima vez. Obviamente la tierra no se destruye y se consigue parar la catástrofe en el último minuto posible. La visión futurista de la ciudad es una imagen en que siempre hemos tenido en mente con los coches volando, edificios infinitos, robots y aliens compartiendo escenario con los humanos... Lamentablemente, esta imagen sabemos que no se hará realidad, por lo menos en este futuro más inmediato, como estaba previsto. La crisis energética y económica harán que estos avances se hagan esperar un poco más.

Junto a Jovovich aparece Bruce Willis en el papel de príncipe azul y salvador que por, también, enésima vez, salva el planeta de su destrucción. Realiza un buen trabajo y siempre es agradable verlo en esta clase de papeles. Sin duda se ha convertido en uno de los iconos de las películas de acción y ciencia ficción gracias a películas como estas. Por encima de los protagonistas y de los demás secundarios destaca el papel de Chris Tucker que aporta, sin duda, uno de las secuencias más cómicas de los últimos tiempos y realiza una de los mejores trabajos en la historia del cine de comedia. Hay que ver la película que seguro hará pasar un rato muy divertido a todo el mundo. Luc Besson, director y guionista de la película, es un resignado biólogo marino francés que se dedicó al cine después de un accidente realizando submarinismo. Descubrió a la actriz Natalie Portman y suele incluir en su reparto a actores como Jean Reno, Gary Oldman y Milla Jovovich. Además, acostumbra a dejar el trabajo musical a Eric Serra, un compositor también francés que suele aportar notoriedad a su trabajo, principalmente al lado de este director. Con esta película, consolidó su carrera, convirtiéndola en un éxito de taquilla y crítica, e hizo una de las producciones más caras fuera de Hollywood con casi 90 millones de dólares de presupuesto. 

La película, de producción francesa, fue producida artísticamente por diferentes reconocidos autores de cómic del país y el diseño de vestuario fue a cargo de Jean-Paul Gaultier, por lo que se puede ver un trabajo importante en la parte técnica de la película. De esta manera también se recuerda la estética cómic y la fotografía ayuda a esta estética. Al mismo tiempo, aparecen diferentes personajes disfrazados con trajes que no llegan a ser del todo creíbles. El mejor ejemplo es el personaje de La Diva que aparece en una especie de funda de plástico rellenada con cojín. No llega a pasar por una extraterrestre de verdad y no se puede justificar por el año de realización porque previamente se han realizado películas con esta clase de personajes mucho mejor caracterizados. Pero esto es solo un pequeño detalle que se puede obviar fácilmente.

Recomendamos esta película a todo el mundo por los momentos de humor que contiene y también por la trama de acción y todo el tramado legendario que lo envuelve.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



jueves, 23 de febrero de 2012

CLASH OF THE TITANS



CLASH OF THE TITANS
de Louis Leterrier


Reparto: Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Jason Flemyng, Gemma Arterton, Alexa Davalos,  Mads Mikkelsen, Nicholas Hoult, Pete Postlethwaite. 
Año: 2010
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Fantasía, Aventuras y Acción
Reconocimiento: 1 nominación a los Saturn Awards. 4 nominaciónes a los Teen Choice Awards. 2 nominaciónes a los Razzie. 
Puntuación: «««««


Perseo es un semidios (hijo de Zeus y de una reina mortal) que se ve envuelto en una disputa a dos bandas entre el dios supremo y su hermano Hades y entre la humanidad y las deidades olímpicas. Sea como sea, este semidios ha de vencer a una bestia que amenaza con destruir la ciudad de Argos y a sus habitantes. Para ello se embarcara en una odisea epopéyica para conseguir su objetivo final.

La película es una obra visual muy bien realizada con secuencias panorámicas del paisaje de Las Islas Canarias (donde se rodó gran parte de la película) fantásticas. Además, las escenas de acción y lucha son espectaculares y toda la construcción y presentación mitológica tanto de los lugares como de los personajes esta muy bien conseguida. Es una muy buena película visual que, por supuesto, se estrenó en cines en 3D. Esta nueva moda de estrenar las películas en este formato tiene un sentido especial en esta clase de cine y lo pierde completamente cuando se habla de películas como Torrente 4 o XP3D. ¿Qué aportan las tres dimensiones a unas como estas? Mas bien poco, pero es una moda que esta dominando últimamente en las salas de cine y que, por suerte o por desgracia, deberemos aceptar con resignación y con el bolsillo bien lleno porque son más caras de ver en el cine. Por otro lado, en títulos seleccionados como este, a lo mejor, tendría un poco más de sentido sin que sea totalmente imprescindible.

El elenco esta capitaneado por Sam Worthington, un actor australiano que saltó a nuestro conocimiento tras el gran éxito de Avatar. Ha trabajado en televisión y cine australiano y americano. En cine ha sido destacado en roles de acción en los que encaja perfectamente y en los que aporta lo necesario para que cobren sentido. Volverá a meterse en la piel de un avatar en 2016 para una segunda parte de esta, que no podía dejarse escapar después del éxito en taquilla y de la que, sospechamos, no volverá a igualarse ni en calidad ni en recaudación. Acompañandolo encontramos a  Liam Neeson y Ralph Fiennes que encarnan a dos principales deidades del Olímpo Griego: Zeus y Hades. Realmente los hemos visto en situaciones mejores y, tal vez este no sea uno de sus roles más destacados, pero cae sobre ellos todo el peso de dos figuras muy importantes que son difíciles de llevar. Respecto a Fiennes si que le hemos visto en un rol parecido en el que tenia un mejor resultado: Lord Voldemort de la saga Harry Potter. El miedo que transmitía era más real que el que transmite este Hares un poco blando.

La recomendamos sobradamente aunque no recibió la misma preferencia en la critica. Sin duda discrepamos y pensamos que es una buena obra con mucha acción y un trabajo de dirección espectacular.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



miércoles, 22 de febrero de 2012

THE CHRONICLES OF NARNIA: PRINCE CASPIAN



THE CHRONICLES OF NARNIA: PRINCE CASPIAN
de Andrew Adamson


Reparto: Ben Barnes, William Moseley, Anna Popplewell, Skandar Keynes, Georgie Henley, Sergio Castellitto, Peter Dinklage, Warwick Davis, Pierfrancesco Favino, Alicia Borrachero, Tilda Swinton, Liam Neeson
Año: 2008
País: EEUU, Polonia, Eslovenia y República Checa
Lengua: Inglés
Genero: Fantasía
Reconocimiento: Nominada a 3 Saturn Awards. 2 nominaciónes a los MTV Movie Awards. 
Puntuación: «««««



Después de El león, la bruja y el armario, se presenta esta segunda parte de la septologia de Las Crónicas de Narnia. Es el segundo libro y la segunda película estrenada, pero es la cuarta, cronológicamente hablando. En esta ocasión, los hermanos Pevensie, que conocimos en la parte anterior, acuden a la llamada del Príncipe Caspian para recuperar su legitimo trono y recuperar el papel de los narnianos en su país, invadidos por los Telmarines, a los que se les quiso dar un aire latino bajo la eterna idea de que los latinos encarnan el mal en las películas norteamericanas. El final es evidentemente feliz ya que tratamos con una película infantil distribuida por la factoría Disney, la cual consideró los más de 400 millones de dolares (el doble de su presupuesto) una recaudación insuficiente y por la que se desentendió de futuras adaptaciones de la saga. 

En los papeles principales repiten los mismos actores que intervinieron en la primera parte. Contar con un reparto infantil supone darse prisa para seguir la cronología de las novelas o conservarlos en urnas gelidas para evitar su rápido crecimiento y evitar que desencajen en la trama. A este paso será más la segunda opción que la primera. 

Esta vez, la trama de acción tiene un peso más importante y le quita algo de protagonismo a toda la parte literaria y legendaria de la obra. Realmente la primera parte tenia una profundización más extensa en los personajes narnianos. No sabemos si esto también pasa en los libros y se evita sobrecargar la trama con esta proifundización o si solo se evita en la adaptación cinematográfica para aligerar la trama. Tendremos que leer los libros para saberlo y para averiguar como acaban las aventuras de los protagonistas en este mundo fantástico. 




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martes, 21 de febrero de 2012

ALIENS



ALIENS
de James Cameron


Reparto: Sigourney Weaver, Carrie Henn, Michael Biehn, Paul Reiser, Lance Henriksen, Bill Paxton, Janette Goldstein y William Hope.
Año: 1986
País: EEUU y Reino Unido
Lengua: Inglés
Genero: Ciencia Ficción
Reconocimiento: Número 59 del Top 250 de IMDB. 7 nominaciónes a los Oscar ganando en Mejores Efectos de Sonido y Mejores Efectos Visuales. 12 nominaciónes a los Saturn Awards ganando en Mejor Película de Ciencia Ficción, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz para Sigourney Weaver, Mejor Actor Secundario para Bill Paxton, Mejor Actriz Secundaria para Janette Goldstein, Mejor Actriz Revelación para Carrie Henn y Mejores Efectos Visuales. 4 nominaciónes a los BAFTA ganando en Mejores Efectos Visuales. 1 nominación a los Golden Globes. 
Puntuación: «««««



Cual si fuera Blancanieves en su urna de cristal, la Teniente Ripley es rescatada después de más de 50 años vagando por el espacio. El mundo ha cambiado mucho en este tiempo pero la criatura que destruyo el Nostromo y la tripulación de la Teniente siguen siendo la pesadilla de esta. Por esta razón decide aceptar la oferta de unirse a la expedición que intentará descubrir que ha pasado con una población de colonos destinados al planeta de donde procedía la criatura Alien. Al llegar allí el clima catastrófico y opresivo que crea la persecución y la lucha por la supervivencia volverán a ser los protagonistas de la pantalla.

James Cameron inició su carrera con alguna producción de serie B. Luego encamino su trayectoria en el genero de la Ciencia Ficción y la Acción sorprendiendo con algunos títulos como Titanic y Avatar, que no acaban de encajar del todo en su trayectoria profesional, pero que curiosamente son las que más reconocimiento han tenido por parte del público y de la critica (pues ya sabemos que los dramas predominan delante de las producciónes de Ciencia Ficción). En esta segunda parte de la saga Alien, que el director se empeño en realizar, se consigue profundizar en el ciclo biologico de la criatura y aportar más explicaciones sobre ella y sus sistemas organizativos (de hay el plural del titulo). Además, hay una clara influencia del momento historico que se estava viviendo tras la perdida de los EEUU en la Guerra del Vietnam puesto que, como en la realidad, los atacantes (o los ""buenos") pierden sobre terreno hostil desconocido.

El elenco vuelve a estar protagonizado por Sigourney Weaver en su faceta de dura. Ella sola, y su personaje, han contribuido, como ya dijimos en la reseña de Alien, a incorporar personajes femeninos en el mundo de la Ciencia Ficción y a permitir el paso al público femenino. Nuevamente vuelve a realizar un trabajo impoluto que hubiera merecido algún reconocimiento importante. El guión y los personajes vuelven a reabrir el debate filosófico sobre qué especie de las dos que se presentan es la más lista y vuelve a suponer una critica a la construccion de nuestra sociedad y de las reacciones individuales para el bien personal enfrente del colectivo. Vean la película, juzguen ustedes mismos y verán como los Aliens nunca sacrifican a nadi si no es por un bien colectivo. Las aspiraciones personales quedan en segundo termino, cosa que no demostramos los humanos y solo hace falta ver cualquier noticiero para comprobar los casos de corrupción que están sucediendo y no seguimos porque la lista sería interminable.

Un pequeño detalle a tener en cuenta es que alguna vez nos gustaría ver una película sobre el espacio sin la necesidad de mostrar un plano general de algún planeta o galaxia donde entre la nave protagonista por alguno de los lados de la pantalla. Es un recurso muy recurrido en este tipo de películas que ya ha perdido toda originalidad...



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


lunes, 20 de febrero de 2012

OCEAN'S ELEVEN



OCEALN'S ELEVEN
de Steven Soderbergh


Reparto: George Clooney, Brad Pitt, Andy García, Julia Roberts, Matt Damon, Bernie Mac, Elliott Gould, Casey Affleck, Scott Can, Eddie Jemison, Don Cheadle, Shaobo Qin y Carl Reiner.
Año: 2001
País: EEUU
Lengua: Inglés, Italiano y Cantonés
Genero: Crimen y Thriller
Reconocimiento: 1 nominación a los Premios César. 2 nominaciónes a los MTV Movie Awards.
Puntuación: «««««



Remake de la película homónima de 1960 protagonizada por el llamado "Rat Pack" de la época. Este grupo de artistas (encabezados por Frank Siantra, protagonista de la película) suponían los iconos más destacados de Las Vegas interviniendo en actividades artísticas (cine, música, espectáculo) y en actividades relacionadas con la mafia. En esta nueva versión actualizada el argumento sigue siendo el mismo, esta vez encabezado por las estrellas del momento. Se cambia a Sinatra por Clooney y los 11 personajes que les acompañan en sus planes de robo, son nombres destacados de cada una de las épocas. El plan es robar tres casinos provocando un apagón de luz en la ciudad del juego para poder intervenir en ellos. 

La ciudad de Las Vegas, paraíso del juego y mundo utópico del desfase, recibe una buena imagen en la película que no muestra toda la esencia de la ciudad. Se queda en el glamour de las salas de juego y en el plan perfectamente delimitado para conseguir los resultados. Seguro que existe otra visión oculta, un poco más oscura, de derroche de dinero inexistente y de adicciones descontroladas, pero en esta ocasión los planos aéreos de la ciudad y de los casinos con sus majestuosas arquitecturas se imponen a esta otra visión. Realmente se realiza un buen trabajo de presentación de algunos puntos interesantes de la ciudad pero faltaría un poco más de profundización (aunque no es el tema principal). 

Interpretativamente, como hemos dicho, cuenta con nombres destacados de la empresa estadounidense que se unieron en esta película y que repitieron en sus séquelas. A medida que se presentan las séquelas el cartel de estrellas se amplia, aunque ninguna consiguió igualar el éxito de taquilla de la primera parte. Muchos de los nombres que aparecen en la trilogía son responsables de la manipulación interpretativa de una época concreta. Han sido nombres muy recurridos que han aportado grandes ganancias a los trabajos en los que aparecían y que han tenido que saber sobrevivir para que las nuevas generaciones que aparecían no invadieran el terreno que habían logrado. Algunos lo han conseguido y otros han perecido en el intento. Sin entrar en nombres concretos, cuando uno pasa a encarnar papeles de él mismo en una película, parece que se le valora más por quién fue que por quien es actualmente y por sus posibilidades presentes. 

La película es una super producción de 85 millones de dólares y con un cartel bastante aceptable. Sin embargo, parece que al final la historia resulta un tanto aburrida y se queda en el cartel que contiene. Verla no hará mal a nadie pero tampoco lo hará no hacerlo. 



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



domingo, 19 de febrero de 2012

VOLANDO VOY



VOLANDO VOY
de Manuel Albaladejo


Reparto: Borja Navas, Fernando Tejero, Mariola Fuentes, Àlex Casanovas, Mar Regueras y José Luis García Pérez. 
Año: 2006
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Drama y Biográfica
Reconocimiento: Nada
Puntuación: «««««


Que un padre llegue a desear la muerte de un hijo y a pedirle a la policía que ejerza de mano verduga significa que los extremos han llegado a su punto límite más negativo. Juan Carlos Delgado "El Pera" fue un niño, en los años 1970, muy problemático con una facilidad o don para el robo, la delincuencia y la conducción temeraria. La película entra en la vida familiar de este pequeño delincuente y en la desesperación de unos padres que ven como la vida de su hijo se escapa y como sus propios problemas abogan esta desesperación echando la vista para otro lado. Esta vez, los protagonistas reales no pueden criticar el resultado final (algo bastante común en los biopics), ya que el propio protagonista participó en la redacción del guión. Leyendo algunos artículos sobre este personaje, vemos como se han podido relejar diferentes detalles de su vida, lo cuál aporta fidelidad a la historia.

En los papeles del padre y la madre de este niño delincuente dos interpretes que acostumbramos a relacionar, habitualmente, en el genero de la comedia. Mariola Fuentes y Fernando Tejero son dos representantes de este genero que, esta vez, se sitúan en dos papeles puramente dramáticos. Fuentes realiza un buen trabajo y, a lo mejor, supera a Tejero que también realiza una buena aportación. Estos son los verdaderos actores que pueden manejarse bien en diferentes películas, bajo diferentes corrientes. De Borja Navas, el niño protagonista, no hemos sabido nada más en el mundo del cine. Si ha continuado trabajando en series españolas de éxito pero, quizás, habrá que esperar unos años a que crezca y pueda abarcar un abanico más amplio de personajes. Es la pega de ser un niño actor, que no todo te puede quedar bien por tu edad.

Sobre Manuel Albaladejo podemos decir que tiene una trayectoria corta y podríamos calificarla como muy española. Sus personajes o historias tienden a representar una parte de la sociedad española obrera y humilde, como podemos ver en esta película o en otras como Manolito Gafotas, Nacidas para Sufrir, Cachorro... Esto hace que sus películas sean muy cercanas a nosotros como sociedad pero que se puedan alejar de mercados más amplios o, por otra parte, atraerlos para conocer algo más de nosotros. Sea como sea suelen ser producciones que no traspasan demasiadas fronteras por el mismo tema publicitario y economice que siempre.

Esta bien verla para conocer a un personaje de nuestra historia y para aprender algo de historia viéndola. Puede ser ejemplo para todos aquellos pequeños delincuentes y para que vean que, como El Pera, se puede salir de este circulo de autodestrucción y acabar en algo tan provechoso como en un puesto de entrenador de conducción para la Guardia Civil.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



sábado, 18 de febrero de 2012

GOOD



GOOD
de Vicente Amorim


Reparto: Viggo Mortensen, Jason Isaacs, Jodie Whittaker, Steven Mackintosh, Mark Strong, Gemma Jones, Anastasia Hille, Ruth Gemmell y Ralph Riach.
Año: 2008
País: Reino Unido y Alemania
Lengua: Inglés 
Genero: Drama e Historia
Reconocimiento: Nada
Puntuación: «««««


De la necesidad del Imperio Ario de formar un cuerpo teórico que intentara aguantar por algún lado los ideales que defendían, surgía la necesidad de reclutar a literatos y personajes cultos, ya sea por su voluntad o coaccionados de algún modo por los representantes del movimiento. Los literatos, artistas, filósofos, profesores, catedráticos... tenían la opción del exilio o la de quedarse y servir al régimen. Muchos se quedaron y pagaron por ello después de la guerra. Otros pagaron antes de ella. Lo que esta claro es que pocas personas encontraron beneficio a los hechos ocurridos. La película presenta un personaje que es reclutado a partir de un libro que escribió sobre la eutanasia. Los censores que leyeron su obra pretendían tergiversar los temas éticos y morales que se tratan alrededor del tema para justificar la condena que se les ponía a aquellas personas "enfermas mentales" que no tenían cabida en la dictadura. De este modo quedaba justificado que personas con Sindrome de Down, homosexuales, ideológos de izquierdas... fueran sacrificados para que su "pena" fuera aliviada. Parece mentira que se utilice tan burdo ejercicio de reflexión pero no es el primer ejemplo que se presenta en la historia de unos hechos como estos.

El reparto esta encabezado por un Viggo Mortensen solvente, que interpreta al artista secuestrado para el movimiento nazi, y por Jason Isaacs que interpreta su amigo judío que sufre las consecuencias del movimiento y que intenta ser ayudado, sin grandes resultados ni esfuerzos. El entramado de miedo, inseguridad, insatisfacción... que representa Mortensen es un buen trabajo que se ha realizado des de el trabajo global de estos sentimientos. El personaje refleja una parte importante de la sociedad alemana de la época que se dejaba llevar por una mayoría enloquecida a la que no podía hacer frente por miedo y a la que se debían sumar si no querían posicionarse en su contra. Por otro lado encontramos a un personaje que no es la típica victima del nazismo. Un judío bienestante, con capital económico importante, es esta vez el representante de todos aquellos que sufrieron. Con estos dos personajes, podemos decir que se presenta una película original y des de otro punto de vista sobre la época histórica del mandato de Hitler. El guión esta basado en la obra teatral de C.P.Taylor y se realiza un buen trabajo de adaptación en el que quedan pocas reminiscencias teatrales. El trabajo de los personajes es impoluto y el resultado final lo agradece.

Una buena película para aquellos amantes del cine histórico que presenta una nueva visión de la situación. De las últimas películas que se han hecho sobre esta época es, junto con Flammen&Citronen, una de las mejores y más originales. Seguro que otros apuestan más por El Pianista de Polanski, pero entonces no estaríamos hablando de originalidad ya que, de historias sobre guerra que se convierten en dramas absolutos, hay infinidad de títulos.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



viernes, 17 de febrero de 2012

BATMAN BEGINS



BATMAN BEGINS
de Christopher Nolan


Reparto: Christian Bale, Michael Caine, Liam Neeson, Katie Holmes, Gary Oldman, Cillian Murphy, Tom Wilkinson, Rutger Hauer, Ken Watanabe, Mark Boone Jr y Morgan Freeman.
Año: 2005
País:  EEUU y Reino Unido
Lengua: Inglés, Urdu y Mandarín
Genero: Fantasia
Reconocimiento: Número 114 del Top 250 de IMDB. Nominada a 1 Oscar. Nominada a 9 Saturn Awards ganando en Mejor Película de Fantasia, Mejor Guión y Mejor Actor para Christian Bale. Nominada a 3 BAFTA. Nominada a 3 MTV Movie Awards fananado en Mejor Heroe para Christian Bale. Nominada a 1 Razzie a la Peor Actriz de Reparto para Katie Holmes
Puntuación: «««««


Con esta nueva película, Christopher Nolan, reabrió una alternativa al mundo hortera y deplorable en el que se estaba convirtiendo el mundo de Batman y todos los personajes que le acompañaban en sus aventuras. Se volvió a iniciar la serie de películas dejando atrás todo lo que se estaba creando alrededor de las fantasias de Tim Burton y Joel Schumacher (directores antiguos de las películas de Batman). De esta manera se inició una nueva imagen del héroe reescribiendo su historia des del principio y únicamente conservando el diseño del traje completamente negro de Batman. El inicio de sus traumas, la personalidad dual, la lucha interna del personaje, sus relaciones con las mujeres, la creación y formación del héroe... son algunas de las claves que se tratan en esta película para volver a acercar su figura a un público que cada vez más perdía la ilusión en sus entregas. Además, después de haber realizado esta presentación, se plantea un problema en el que Batman debe actuar y acabar triunfando.

En el papel principal se eligió a Christian Bale, que provenía de la película El Maquinista donde había perdido 28Kg, que luego debió recuperar (más 18Kg de musculatura) para meterse en el papel del hombre murciélago. Más tarde, repetiría la operación para encarnar al hermano drogadicto de Mark Wahlberg en The Fighter. Es uno de los actores que ha sabido adaptarse a los cambios físicos que requerían sus papeles y no al revés. Muchas veces el papel esta pensado para un perfil determinado que acaba pasando por alto, después de que una estrella del celuloide acepte formar parte del cartel. En otras ocasiones, obviar el aspecto físico es imposible y debe recurrirse a profesionales que sean capaces de realizar este esfuerzo por el papel y por el resultado final del film. Otro ejemplo siempre comentado es el de Renée Zellweger en su paso de Bridget Jones a Chicago. Centrándonos en esta ocasión, se dejaban de lado los trajes negros con la silueta perfilada (incluso los pezones) y los primeros planos de paquetes y culos, y se le daba la oportunidad al actor de interpretar al personaje des de una perspectiva más humana y menos sexual. Otro punto para ganar el título de mejor Batman de la historia, al que no aspira George Clooney puesto a que él mismo menospreció su propia película y su resultado.

Ver la película y olvidar los desastres anteriores es un magnifico ejercicio. La critica aclamo la nueva versión y, parece, que también ha olvidado sus nefastos precedentes. Funciono muy bien en taquilla y se hizo una segunda parte y una tercera pare que se estrenará este año 2012. Además, uno de los peores elementos de esta película, Katie Holmes, será substituida por Marion Cotillard que apartará de la memoria, al igual que las malas películas de Batman, el recuerdo de una nefasta participación.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



jueves, 16 de febrero de 2012

LUCKY NUMBER SLEVIN



LUCKY NUMBER SLEVIN
de Paul McGuigan


Reparto: Josh Harnett, Bruce Willis, Lucy Liu, Morgan Freeman, Ben Kingsley, Stanley Tucci, Michael Rubenfeld y Peter Outerbridge.
Año: 2006
País:  EEUU y Alemania
Lengua: Inglés
Genero: Crimen
Reconocimiento: Poca cosa.
Puntuación: «««««


Una historia de enredos mafiosos que poco a poco permite entender la verdadera identidad de cada uno de los personajes. Nadie es quien dice ser y siempre hay algo que esconder o algún interés o venganza que perseguir. Es una historia muy bien tramada y muy bien hilada que permite este ejercicio lento de descubrimiento de la verdad.

En el papel principal, Josh Harnett que se pasa 1/4 de la película vestido solo con una toalla de baño. Un recurso demasiado fácil para presentar en un trailer y convencer a un público determinado que tan solo verá la película por esta secuencia. Han tenido suerte porque este vestuario dura más de lo necesario, pero podría haber sido un engaño y haber sido solo pasajero. Aunque no ha parado de trabajar, su nombre ha disminuido bastante y ya no se oye tanto hablar del actor. Nos atrevemos a decir que las quinceañeras de hoy en día no saben quien es cuando las de antaño forraban sus carpetas con su cara. ¿Será la edad que esta provocando que este ídolo de jovencitas deje de ser conocido? Seguramente no renacerá gracias a su trabajo pues es más bien pasable e insignificante y, muy posiblemente, no volverá a convertirse en el que un día fue. Acompañándolo vemos un ejemplo de actor que si ha sabido perdurar a pesar del paso de los años.  Bruce Willis ha sabido elegir muy bien sus trabajos y ha realizado aportaciónes bastante buenas al mundo de la interpretación. No nos podemos imaginar una película como El Sexto Sentido o La Jungla de Cristal sin él. Se ha convertido en un icono en el genero de acción gracias a películas como estas y más de una vez a encarnado a este tipo de personajes con algún secreto, algo por descubrir o verdades ocultas tras una segunda piel. Completando el cartel encontramos a diferentes actores que acaban de solventar los problemas de Harnett y salvar algo las escenas en las que interviene. Da la sensación de que nunca sabe donde colocarse o de que se concentra demasiado para hallar la marca en la que tiene que parar, como si contara mentalmente los pasos que dá y los represente al mismo tiempo. Es algo inquietante.

Paul McGuigan es un publicista y director que se ha implicado en el mundo de los cortometrajes y también ha trabajado en televisión. Cuenta con pocos largometrajes en su trayectoria básicamente centrados en el genero del misterio y acción. Actualmente ha trabajado en la dirección de algún episodio de la serie Sherlock, que presenta una versión modernizada del clásico detective inglés. Junto con las películas de Robert Downey Jr conseguirán acabar con la imagen del personaje y transformarla para que toda una generación pierda un referente literario importante.

Centrándonos en la película, que nos vamos de tema, recomendamos el verla a todos aquellos que deseen pasar un buen rato descubriendo las intrigas de estos personajes. A lo mejor vuelve a ser una de esas películas innecesariamente largas, pero es buena de ver!



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miércoles, 15 de febrero de 2012

THE WOMAN IN BLACK




THE WOMAN IN BLACK
de James Watkins


Reparto: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet McTeer, Misha Handley, Liz White, Sophie Stuckey y Jessica Raine.
Año: 2012
País: Reino Unido, Canadá y Suecia. 
Lengua: Inglés
Genero: Terror
Reconocimiento: De momento nada.
Puntuación: «««««


El joven Daniel Radcliffe ha crecido delante de nuestros ojos interpretando a uno de los personajes más rendibles de los ultimos tiempos. Empezó metiendose en la piel del niño mago Harry Potter y creció a medida que lo hacia su personaje a lo largo de una saga de 8 películas. Durante todo este tiempo su trayectoria profesional se ha centrado, básicamente, en esta faceta, aunque también ha intervenido en televisión, cine y teatro pero en pocas ocasiones. Ahora que se la gallina ha dejado de poner huevos dorados hay que pensar que hacer con ella y todavía no sabemos si hará caldo o simplemente la tirará a la basura. Con esta película aún no se perfila una posición definida referente a este dilema pero lo que si se nota es que aspira a llegar a aportar trabajos más maduros de acuerdo a su edad actual y a lo que se supone debería hacer, por lo que el camino elegido esta siendo el correcto, por el momento. Alejarse lo más que pueda de todo el mundo Potter logrará darle credibilidad como actor y ampliar su registro como interprete, cosa que también pretendía cuando se embarco en Equus, una obra de teatro que escandalizo a su público por la carga sexual del papel y con la que también logró estos objetivos.

La película, remake (nuevamente) de 1989 y basada en una novela con el mismo título, cuenta la historia de una mujer vestida de negro que induce a los niños de un pueblo inglés al suicidio. La historia no es original, otra historia de fantasmas, pero muy sorprendentemente, el final no es el esperado y todo lo que se supone que debería acabar bien pues acaba regularcillo ciñéndose más a una visión realista de la normalidad. Es un punto muy a favor para el film, que no se deja perturbar por los finales felices y los cuentos de hadas y amor de color rosa, mostrando una cumbre que, por una vez, debemos aplaudir. Los sustos y el terror son evidentes en las partes correpondientes aunque la musica de misterio y el manejo de la cámara ya anticipan donde van a aparecer cada uno de ellos. Muchas veces, aún y sabiendo esto, asustan de verdad y hacen saltar de la butaca.

Acompañando al pequeño Potter (aún no se ha ganado salir de su personaje), un elenco que básicamente proviene de la televisión y que ayuda en la tarea global, aunque el metraje se centra bastante en su protagonista. El director se puede considerar casi novel pues este es su segundo largometraje, aunque seguro seguirá en esta trayectoria después de haber recibido críticas favorables y una gran acogida pública.

Esta es la primera película del 2012 que se avecina como un año bastante bueno para el cine internacional. Esperemos que lo sea. De momento, recomendamos esta película para una noche en la que no se tenga nada que hacer y en la que llueva mucho. Con las luces apagadas seguro que gustará más!



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martes, 14 de febrero de 2012

MANHATTAN



MANHATTAN
de Woody Allen


Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Michael Murphy, Mariel Hemingway, Meryl Streep, Anne Byrne Hoffman y Wallace Shawn. 
Año: 1979
País:  EEUU 
Lengua: Inglés
Genero: Comedia y Romance
Reconocimiento: Número 242 del top 250 de IMDB. Nominada a 2 Oscars. Nominada a 1 Golden Globe. Nominada a 10 BAFTA ganando en Mejor Película y Mejor Guión. Mejor Película Extranjera en los César de la Academia Francesa. 
Puntuación: «««««


Se han escrito infinitas paginas acerca de Woody Allen y su prolífica trayectoria profesional y personal. No hay persona en el mundo que haya visto toda su infinita trayectoria, al menos si haberse suicidado después. Es cierto que cuida mucho la fotografía, la música y la dirección artística de sus películas, pero alguien le debería parar los pies y invitarle a pensar si es necesario lanzar un título por año, de los cuales no hay tanta diferencia entre unos y otros. Porque no negarán que Manhattan y Annie Hall (por ejemplo) guardan un parecido más que razonable. Además, sabiendo que nunca acude a recoger los premios que se le otorgan y viendo como desarrolla su vida con una austeridad importante, por lo que no necesita ni reconocimiento ni dinero, aún entendemos menos el porque de esta sucesión infinita de películas a sus espaldas. Aún no ha acabado una que ya hay noticias de su siguiente producción. Es un poco de locos.

Vamos a centrarnos en la que, puede ser, la mejor película del director en su primera época. Ha sido calificada de referente del cine y como una de las mejores comedias del cine actual. Aclamada por crítica y público recaudo casi 40 millones de dólares y nadie le puede quitar todos estos reconocimientos. La verdad es que es una buena película muy cuidada técnica y artísticamente en la que destaca el retrato esplendido de la ciudad de New York. En una versión mejoreda de la de 1977 (Annie Hall), se vuelve a plantear un hombre con diferentes frentes abiertos en el amor y con un continuo exceso de diálogo que acaba por afectar a la salud mental del espectador. Una de las características en el humor de Allen es este ritmo trepidante en las habladurías de sus personajes que al final no quieren decir nada pero lo hacen de manera intensamente rápida, por lo que al final estamos igual que al principio pero con dolor de cabeza. Pese a todo hay que reconocer que hay un trabajo importante en el guión.

Diane Keaton vuelve a ejercer de musa, acompañada por otros nombres femeninos entre los que destaca Meryl Streep. Más tarde se volverían a juntar en Marvin's Room con un resultado algo más maduro y con un tono completamente diferente.

Pocas cosas más que destacar en la quinta película que comentamos del director americano. Es el director que más títulos colecciona en nuestros posts de una manera totalmente casual, aunque su larga lista de trabajos pueda contribuir a ello. Verla y contemplar una de las imágenes más emblemáticas del cine: la imagen de los protagonistas en el banco a los pies del puente de Brooklyn.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



lunes, 13 de febrero de 2012

50/50



50/50
de Jonathan Levine


Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen, Anna Kendrick, Anjelica Huston, Bryce Dallas Howard, Serge Houde, Andrew Airlie.
Año: 2011
País: EEUU
Lengua: Inglés 
Genero: Drama y Comedia
Reconocimiento: 2 nominaciónes a los Golden Globes. 3 nominaciónes a los Independent Spirit Awards. 
Puntuación: «««««



Muestra un pedazo de la realidad de las personas que sufren cáncer: la familia intenta ayudar quedándose cerca (aunque a veces no sea la mejor opción), los amigos están al lado para intentar evadirse juntos de la situación, los conocidos preguntan y preguntan sin tener en cuenta que otras 100 personas han hecho esta misma pregunta antes... Realmente se muestra un excelente ejercicio de representación del duelo en esta clase de pacientes y se hace un tratamiento sensato de la situación. Muchas veces, las personas cercanas alrededor del enfermo no pueden expresar su duelo y deben mantenerlo interno y alejado de el afectado. El ejemplo es el amigo del protagonista que, aunque parece que esta en una fase de negación del duelo, intenta buscar sus propios caminos para la aceptación, como demuestra el libro de ayuda que lee. Todas las demás fases del duelo las debe compartir en su intimidad y ayudar a su amigo que suficiente tiene con su propio duelo, por lo que recurre a la negación y al intentar que todo siga como antes de la enfermedad. Otra parte del circulo del afectado, como es la madre, ejerce su papel de superprotección intentando mantenerse disponible para cuando se la necesite y, nuevamente, buscando sus propios recursos para la superación de la experiencia.

La película recuerda a Wit donde Emma Thompson encarnaba a la paciente con cáncer y en la que se daba un enfoque más medico y hospitalario de la vida de la enfermedad. Esta vez es Joseph Gordon-Levitt quien se sitúa en la piel del paciente donde realiza una aportación aceptable con la ayuda de los actores que le rodean. Sin duda Huston y Rogen son un gran apoyo para el actor principal que conocimos en sus inicios como niño actor en la televisión. Des de entonces ha crecido y ha continuado trabajando tanto en la pequeña como en la gran pantalla, esquivando las maldiciones que recaen sobre aquellos que empiezan su trayectoria a una edad demasiado temprana. La resta del reparto tiene una trayectoria que también esta muy atada a la televisión con grandes proyectos en el cine. La veterana Anjelica Huston siempre agrada en una faceta más seria que en alguna fase de su carrera donde se dejo embaucar por alguien para encarnar a Morticia Adams. Normalmente suele aportar profesionalidad y el resultado final de su trabajo suele ser brillante. Actualmente se ha sumado al reparto de una nueva serie musical para adolescentes que la semana pasada presentó su piloto con cierto éxito que seguro ampliará. Por otro lado tenemos a Seth Rogen que ha estado más involucrado en el genero de la comedia americana y que esta vez se presenta en un rol cómico más maduro y real que el que suele ejercer. Sin duda una mejor faceta de la que no debería volver a salir para meterse en el lado oscuro del genero, pero al que seguro recurrirá nuevamente, pues el dinero es el dinero amigos! Por ultimo les acompaña Anna Kendrick que tuvo éxito en Up in the air y que, nuevamente, no entendemos porque pues su aportación fue más bien comedida, superada en esta ocasión. Sea como sea, estas dos películas no pueden competir en la misma liga debido al presupuesto, por lo que hace que en una las nominaciónes florezcan de la nada y en la otra se queden olvidadas.

Un detalle a tener en cuenta es que, por una vez, nos gustaría ver a un profesional de la medicina dando una mala noticia de la forma adecuada. Es verdad que hay profesionales que realizan su trabajo de mala manera, pero como en todos los campos profesionales. También hay que reconocer la labor de todos aquellos profesionales que saben realizar su trabajo bajo los ítems de la excelencia profesional y que saben que están tratando con personas a las que se les ha de dar una mala noticia y no con animales o trozos de madera. Un buen ejemplo que se ajusta más a la realidad de la profesionalidad médica y enfermera es Maktub que presentaba unos personajes más reales y cualquiera que haya estado en contacto con el mundo sanitario lo podrá corroborar.

Es una buena película con toques de humor y con un tratamiento excelente. A pesar de que al final el amor vuelve a triunfar en el país de las fantasías americanas, es realista y fácil de ver. Seguro que os gustará!



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domingo, 12 de febrero de 2012

THE SCORE



THE SCORE
de Frank Oz


Reparto: Robert De Niro, Edward Norton, Marlon Brando y Angela Bassett.
Año: 2001
País: EEUU y Alemania
Lengua: Inglés y Francés
Genero: Crimen y Thriller
Reconocimiento: Nada
Puntuación: «««««


Frank Oz, director de esta película, de Un funeral de muerte y de Una boda de muerte que comentamos previamente, tiene diferentes facetas en su trayectoria profesional, como ejemplifican estos dos títulos y otros. Empezó haciendo de bentrilocuo en el Show de los Teleñecos dando vida a diferentes personajes. También dio voz a uno de los personajes de ficción más famosos, Yoda, de la Guerra de las Galaxias. Como director ha trabajado, básicamente, en el genero de la comedia aunque, como vemos en esta ocasión, también ha participado en producciones fuera de este genero. The Score, traducida como Un Golpe Maestro o Cuenta Final, es otra película sobre un gran robo con la ayuda de grandes instrumentos tecnológicos, cual si fueran el Inspector Gadget. Lo único de diferente que aporta la película al genero, si se puede considerar como original propiamente dicho, es la traición final que anima algo los últimos minutos del metaje.

El elenco esta encabezado por Edwart Norton, en la primera fase de su carrera, antes de caer en proyectos como El Ilusionista o El Increible Hulk, Robert De Niro y Marlon Brando, en su última película antes de morir. Si comparamos al actor en Un tranvía llamado deseo, su primera película, y en esta última ocasión, veremos como tanto física como interpretativamente ha cambiado bastante en estos 50 años que separan esta primera y última película. El papel de Vito Corleone ha sido su máximo referente para la cultura popular y tanto a él, como también al espectador, nos cuesta separarlo del personaje. Por otro lado, Nornon, que empezava a despuntar en el mundo del cine con títulos como American History X o Fight Club, aceptó este papel por la resta del reparto y no por su guión. La verdad es que en algunos momentos es pesado y difícil de digerir y tampoco supone nada nuevo y, se entiende, que el único aliciente para el actor fuera trabajar con dos grandes nombres de la escena.

Al principio cuesta un poco meterse en ella porque, además, divaga entre tramas secundarias que tampoco aportan mucho a la principal ni a la profundización de los personajes. Cuando se centra en el golpe y se empieza a tratar el tema del robo, resulta algo más entretenida.




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