CARAMEL

CARAMEL

de Nadine Labaki

Reparto: Nadine Labaki, Yasmine Elmasri, Joanna Moukarzel, Gisèle Aouad, Adel Karam, Sihame Haddad y Aziza Semaan.

Año: 2007

País: Francia y Líbano

Lengua: Árabe y Francés

Genero: Comedia y Drama

Reconocimiento: Premio de la audiencia, Premio de la Juventud y Premio Donosti en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Elegida para representar al Libano en los oscar. Premio a la Mejor cineasta de Oriente Medio en el Festival de Cine de Oriente Medio. 

Puntuación: «««««

Es la historia de 5 mujeres libanesas y de como desarrollan su vida en una sociedad todavía retrogada y antigua en torno a un centro de belleza. El lugar sirve como confesionario y refugio para estas mujeres que han de afrontar diferentes problemas en relación a la sexualidad y las relaciones amorosas. Una lesbiana encubierta, una amante que espera y espera, una mujer madura divorciada y con dos hijos que aspira a triunfar como actriz pegándose las arrugas con cinta adhesiva, una prometida que ya tuvo su primera vez y una mujer que descubre un posible amor pero que ha de cuidar de su hermana con demencia. Viviendo en una sociedad reprimida, los personajes reciben influencia de occidente e intentan salirse de las normas establecidas para que hablar tranquilamente en un coche no sea un atentado contra la moral o para que reservar una habitación en un hotel no suponga un acto denigrante. 

Contando con actrices no profesionales sorprende la calidad excepcional del trabajo que realizan, muy superior al de aquellas llamadas a ser los grandes talentos del panorama artístico internacional. Sin duda, el debut de la directora, guionista y actriz es uno de los mejores de los últimos tiempos. Película conmovedora, abierta, sincera y con una historia importante a transmitir, trata des de diferentes puntos de vista el papel de la mujer en el mundo libanés. 

Acunada por una banda sonora también extraordinaria, compuesta por el que se convirtió en el marido de la directora, es una de las películas esenciales que todo el mundo debe ver alguna vez en su vida y más en los tiempos que corren de rebelión en el mundo árabe. No hace falta averiguar demasiado para darnos cuenta de que la historia que se cuenta podría encajar perfectamente en nuestro país hace bien poquito. Por lo tanto no haremos el ejercicio de recriminar al mundo árabe su "atraso" con respecto a nosotros. Este "atraso" solo se solucionará con educación y dejando que las generaciones puedan crecer libres recibiendo esta educación alejada de convencionalismos morales y éticos retrógrados.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

THE SQUID AND THE WHALE

THE SQUID AND THE WHALE

de Noah Baumbach

Reparto: Jeff Daniels, Laura Linney, Jesse Eisenberg, Owen Kline, Anna Paquin y William Baldwin.

Año: 2006

País: EEUU

Lengua: Inglés

Genero: Comedia y Drama independiente

Reconocimiento: 1 nominación a los Oscar. 3 nominaciónes a los Golden Globes. 6 nominaciónes a los Independent Spirit Awards.

Puntuación: «««««

La separación de unos padres escritores y bohemios del barrio neoyorkinon de Brooklyn afecta a sus dos hijos que empiezan a tener comportamientos extraños. El mayor, que sigue y adora a su padre como si de un dios se tratara, intenta copiar todo lo que este, con su arrogancia característica, lanza al aire para que sus "súbditos intelectuales" (entre los que se encuentra su propio hijo) se traguen. El menor reparte su semen por la escuela y la biblioteca fruto de las primeras masturbaciones adolescentes. 

Película independiente que relata como afecta la separación de estos padres a sus hijos y entre ellos mismos. Como este genero se caracteriza, y como ya hemos defendido alguna vez en publicaciones anteriores, la película es realista y relata situaciones normales, de una familia normal, que tienen un problema determinado y que simpelmente se relata de manera expositiva un fragmento de la vida de sus personajes. Como recurso se cuenta con personajes extremistas con unas características de la personalidad muy marcadas (histrionismo, sumisión, rebelión...) que amenizan la trama de la película y que suaviza un poco este carácter independiente, por lo que se perfila como una buena película para introducirse en el genero. 

Artísticamente la película se mueve con la música de Pink Floyd y es interpretada por un elenco destacable. Lo que no se entiende es como se pasa de una película de este tipo a otras películas de la gran industria comercial hollywoodiense como 101 Dalmatas o La Red Social. Es una de las cosas incomprensibles de los actores y actrices americanos: la facilidad que tienen en participar en películas independientes y en mega-producciones comerciales, a la misma vez. Y lo raro es que no se cambian de un lado a otro, sino que van y vienen de un genero a otro sin parecer perder credibilidad en ninguno de ellos. En España no nos imaginamos a Maribel Verdú o a Aitana Sánchez-Gijon realizando películas como Una rubia muy legal. En cambio, Resse Witherspoon se pasea a su antojo (o al antojo de sus representantes) por el cine comercial e independiente sin parecer que a nadie le importe. 

Buena película, entretenida y fácil de ver.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

LUNA DE AVELLANEDA

LUNA DE AVELLANEDA

de Juan José Campanella

Reparto: Ricardo Darín, Silvia Kutika, Eduardo Blanco, Mercedes Morán, Valeria Bertuccelli, José Luis López Vázquez, Daniel Fanego y Francisco Fernández De Rosa.

Año: 2004

País: Argentina y España.

Lengua: Castellano

Genero: Drama y Comedia

Reconocimiento: Nominada al Goya por la Mejor película extranjera de habla hispana. Nominada a 14 Cóndor de Plata ganando en Mejor Montaje, Mejor Sonido y Mejor Actor de Reparto para Daniel Fanego.

Puntuación: «««««

Crisis económica, emocional, de la edad... son algunos de los temas que plantea una de las películas más comprometidas de uno de los directores argentinos más destacados de todos los tiempos. Idealismo o realidad, sacrificio o facilidad, romanticismo o economía, razón o emoción... dos posiciones que se contraponen entre ellas entre las que deberán tomar parte los socios del club Luna de Avellaneda para seguir adelante con este proyecto con más de 70 años de antigüedad o acabar con él y dar paso a un casino que dará trabajo a 200 personas. 

Ricardo Darín siempre se ha involucrado en proyectos que han acabado al frente de las nominaciónes de los mejores certámenes de cine y al frente de las mejores críticas (El hijo de la novia, Kamchatka, XXY, El baile de la Victoria, El secreto de sus ojos, Carancho...) . Su trabajo en cada una de ellos es impecable aunque un poco lineal. No cabe duda que es uno de los mejores actores de su generación pero hay que decir que sus roles como actor han sido poco variados. Sin embargo, sabe muy bien como transmitir las emociones y pensamientos de sus personajes, que acostumbran a ser hombres corrientes, de la mejor manera. No se enmascara detrás de excentricidades o complicaciones, simplemente cuenta las historias tal y como lo requieren: de manera sencilla y natural. Detrás de Ricardo, se despliega un gran elenco de actores que le acompañan de manera excelente. Cabe destacar el ritmo cómico y la agilidad lingüística que aporta Mercedes Morán. La comedia es un genero que requiere de este ritmo y agilidad importantes y hay actores que, de forma natural, ya lo tienen integrado en ellos mismos y cuando hablan, simplemente te ríes, aunque en ese momento no toque o no sea tan evidente. 

Juan José Campanella es uno de los directores argentinos más valorados de nuestros tiempos y a lo largo de la historia del cine. Acostumbra a rodearse de buenos actores y dos de sus predilecciones son precisamente Darín y Blanco. Es normal que se rodee de estos y tantos otros talentos. Lo que no lo es tan normal es el fetiche de otros directores con sus actores o actrices, no tan talentosos. Hay que saber elegir bien estos fetiches porque luego son como una droga dura difícil de dejar. Campanella acostumbra a trabajar temáticas costumbristas con un guión muy basado en los diálogos de sus personajes. Un momento a destacar de esta misma película son los discursos finales de las dos partes enfrentadas por el Club. Cual lideres políticos, tanto Darín como Fanego, realizan un trabajo monologistico impecable en el que se sospecha algo de improvisación. 

Si alguien aún no se ha adentrado en el mundo del cine Argentino, esta es una buena película para empezar por la comunión de talentos que engloba la obra. Se descubrirá todo un nuevo mundo de una calidad excepcional que no tiene nada que envidiar al cine europeo, tan aclamado por la crítica.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

DIARIO DE UNA NINFÓMANA

DIARIO DE UNA NINFÓMANA

de Christian Molina

Reparto: Belén Fabra, Leonardo Sbaraglia, Llum Barrera, Geraldine Chaplin, Ángela Molina, Antonio Garrido,  David Vert y Judith Diakhate.

Año: 2008

País: España

Lengua: Castellano y Francés

Genero: Drama, Erótica y Literaria

Reconocimiento: Nominada a 3 Premis Gaudí de l'Academia del Cinema Català.

Puntuación: «««««


¿Como entiende cada persona el sexo y el amor? ¿Es el sexo otra forma de comunicarse y expresarse con las otras personas? Si lo es, ¿porque están mal vistas aquellas personas denominadas promiscuas (sobretodo las mujeres)? Todas estas preguntas y más, plantea Valérie Tasso en esta película basada en la novela de la propia protagonista. Redactada a modo de diario personal se plantea los convencionalismos morales y éticos en relación a la sexualidad de los individuos dentro de la sociedad y explica sus propias experiencias como mujer, prostituta de alto standing, maltratada, amiga, nieta... La protagonista nos cuenta sus experiencias más intimas a través de las situaciones y los personajes que se va encontrando a lo largo de su vida. Esto nos permite comprender a esta joven y acercarnos a su modo de vida.

Técnicamente, la película esta rodada bajo la experiencia que el director acarrea tras haber participado en grandes proyectos del cine español y con algunos de los mejores técnicos del país. Tras haber colaborado detrás de las cámaras involucrado en la creación técnica de algunas películas y haber realizado un primer proyecto como director, Molina se sitúa nuevamente en la silla de director para afrontar una producción mayor. Su experiencia como técnico se palpa en esta obra en la que tanto la iluminación como los espejos tienen un papel determinante. Lo de los espejos puede ser un fetiche del director, una manera de ambientar la película o un significado más de la expresión de los personajes. Lo que si es cierto es que en muchos momentos estos hablan o actúan a través de su reflejo.

Hay que resaltar el trabajo de Leonardo Sbaraglia en el papel de maltratador drogadicto. La transición del personaje que marca el guión y las pistas que nos va dando sobre su verdadera personalidad son magistralemnte llevadas a la pantalla por el actor argentino. Por contra vemos a Belén Fabra, que no acaba de convencer, al igual que su compañera Llum Barrera que, sabemos, se desenvuelve mejor en la comedia. Tal vez las aportaciones de estas dos actrices hacen perder credibilidad al resultado final de la película.

Un último punto a destacar fue el gran revuelo político y mediático que suscitó la imagen del cartel de la película. En Madrid, ciudad imperio del Partido Popular, se prohibió la publicidad de la película con el cartel propuesto, censura que fue apoyada por la emisora de radio católica apostólica y romana de la COPE. Lo de la COPE puede pasar porque ya sabíamos que la gran inmensa mayoría de sus devotos no irían al cine a ver esta película (más bien la verían en casa con la mano situada igual que en la imagen del cartel). Pero que un gobierno de una ciudad prohíba una imagen como la que podemos ver, es un poco vergonzoso. ¿Quien se va a escandalizar? Hoy en día los niños pueden recibir más daños poniendo cualquier cadena de televisión de este país a cualquier hora, que no viendo una imagen del cartel de una película. Ya en 1999 la sociedad americana (supuestamente más puritana que la madrileña) premió con el Oscar a la Mejor Película a American Beauty, con un contenido erótico menor, pero bastante importante. Analicemos donde nos lleva esta gente llena de tabús y prejuicios.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

A SINGLE MAN

A SINGLE MAN

de Tom Ford

Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Nicholas Hoult, Jon Kortajarena y Ginnifer Goodwin.

Año: 2009

País: EEUU

Lengua: Inglés y Castellano

Genero: Drama

Reconocimiento: 1 nominación para los Oscar al Mejor Actor. 3 nominaciónes a los Golden Globe para Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Banda Sonora. 1 nominación para los Premios del Sindicato de Actores para Mejor Actor. 3 nominaciónes a los BAFTA ganando en Mejor Actor para Firth. 3 nominaciónes a los premios del Festival Internacional de Cine de Venecia ganando el premio al Mejor Actor y el Queer Lion (premio a la mejor película de temática Gay).

Puntuación: «««««

Recogiendo los mismos argumentos que se relatan en la película, podemos reafirmar que "hay muchas minorías, como por ejemplo: las rubias, las personas con pecas... pero una minoría se convierte como tal cuando supone una amenaza, real o imaginaria, para la resta de la sociedad. La razón de esta amenaza es el miedo ya que las minorías solo son personas. El miedo siempre ha sido utilizado para mantener centrada la sociedad. El miedo de ser atacados, el miedo al comunismo, el miedo al infierno, el miedo de envejecer y estar solo.... Todo el mundo tiene un miedo personal, pero cuando se convierte en colectivo punifica su procedencia, en este caso, una minoría". A single man plantea el duelo de un hombre homosexual inglés afincado en Los Ángeles en la década de los 1960, después de que su pareja muera en un accidente de tráfico. Verdaderamente no es una historia sobre la liberación homosexual, sino como las relaciones entre personas del mismo sexo no eran reconocidas por la sociedad, hasta el punto de que dos hombres que llevan 16 años de relación no son nada más que hombres solteros. Todo el proceso de duelo y la construcción detallada que se realiza es un elemento a destacar dentro de las temáticas de la película: el hecho que no coja el teléfono después de que hubiera recibido la mala noticia, las pesadillas, los recuerdos, los pensamientos de suicidio...

El debutante director de esta película es el diseñador de la firma Gucci Tom Ford. Para realizarla ha utilizado diferentes elementos del mundo de la moda que quedan impregnados en el film a modo de sello personal: el papel de Jon Kortajarena, modelo español y amigo del director; las escenas que dedica en vestir y preparar a sus personajes... De momento no se ha sabido nada más de futuras incursiones del diseñador en el mundo del cine. A lo mejor, simplemente se sentía atraído por la historia basada en la novela de Christopher Isherwood y no ha sentido más curiosidad cinematográfica o tal vez esta esperando elegir otro buen proyecto antes de precipitarse y bajar su propio listón. Hay que reconocerle que ha sabido encontrar un gran equipo de profesionales que le han acompañado en su debut y que le dieron la oportunidad de dirigir una de las películas más destacadas del 2009.

La Banda Sonora Original de la película, compuesta por el violonchelista y compositor polaco Abel Korzeniowski, acompaña durante todas las secuencias al personaje principal en su transición interpersonal. Poco hemos hablado sobre la BSO, pero hay que reconocer su gran labor en el mundo del cine. Una película no podría ser lo mismo si no va acompañada de su música, y no hablamos de grandes hitos como Star Wars o ET, sino que cada película debe tener su propia identidad musical, aunque al final su reconocimiento sea mínimo. Inconscientemente, penetra en la cabeza del espectador y le induce al llanto, a la rabia, a la alegría, a la risa... Por eso debemos de hacer un esfuerzo para identificar la música dentro de las películas y empezar a reconocer la gran labor que muchos compositores están haciendo por el cine. 

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

HORRIBLE BOSSES

HORRIBLE BOSSES

de Seth Gordon

Reparto: Jason Bateman, Dale Arbus, Jason Sudeikis, Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Donald Sutherland, Colin Farrell, Jamie Foxx y PJ Byrne.

Año: 2011

País: EEUU

Lengua: Inglés

Genero: Comedia

Reconocimiento: 1 nominación a los Teen Choice Awards. 

Puntuación: «««««



Comedia negra y coral en la que se muestra como tres amigos pretenden matar a sus jefes, que les hacen la vida imposible en el trabajo, con planes disparatados y más cómicos que mortíferos. El elenco, principalmente llegado del mundo de la televisión estadounidense, realiza un buen trabajo apoyado por un guión cómico bastante pasable por el genero en el que nos movemos. Acostumbrados a la típica comedia americana con actores nefastos y peores guiones, esta obra sorprende por su sencillez y su falta de búsqueda de tramas imposibles (dentro de lo que este genero de comedia permite, claro esta). Esas secuencias que se alargaban e iban complicandose a medida que avanzaba el metraje (un ejemplo claro son las películas de la saga American Pie o, si lo trasportamos a España, las películas en las que aparecen Antonio Resines o Jesús Bonilla) han pasado a la historia (esperamos) y ahora aparecen más películas cómicas un poco más ingeniosas. Aunque no sabemos si requería más ingenio este tipo de películas o aquellas en las que el lío de los personajes se iba haciendo cada vez más gordo hasta radicar en una solución ridícula.

Ensalzar la complicidad que muestran los tres actores protagonistas y, aunque cueste reconocerlo, el trabajo de Jennifer Aniston que, por fin, ha decidido dejar de exagerar las expresiones forzadas y superexpresivas de su cara y ha apagado el botón que le hacia mover continuamente la cabeza de lado a lado como si padeciera un ataque epiléptico cada vez que intentaba encajar un chiste. Además el papel de desinhibida sexual es uno de sus puntos fuertes y des de aquí la animamos a que siga en esta linea. Otra aportación a destacar es el trabajo de Jamie Foxx que se aprovecha de su infancia y adolescencia personal que le ayudan  en el desempeño de papeles de "tipo duro", aunque en el fondo no lo sean tanto de "duros".

Si deseáis pasar un buen rato esta película es buena para ello. Una comedia fresca y entretenida que no se basa en los tópicos de la comedia americana usual.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

DREAM HOUSE

DREAM HOUSE

de Jim Sheridan

Reparto: Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomi Watts, Elias Koteas, Marton Csokas, Taylor Geare, Claire Gaire y Rachel G Fox.

Año: 2011

País: EEUU

Lengua: Inglés

Genero: Terror

Reconocimiento: De momento nada.

Puntuación: «««««

Todos los tópicos habidos y por haber en el mundo se juntan en esta peli de miedo con un tema principal un poco agotado. Enfermeras despreocupadas y maleducadas, policías gordos sentados delante de hamburguesas de dos pisos, psiquiatras viejos con gafas y rodeados de libros... A parte de estos detalles, los cuales no entendemos porque siempre se reflejan a unos determinados personajes bajo unos perfiles concretos, ya hemos dicho que el tema de un padre que enloquece y mata a su familia (aunque al final se descubre quien fue el asesino) esta supraexplotado en el genero del terror. Muchas veces este genero está menospreciado por los propios artífices que lo hacen posible al no intentar buscar temas frescos, guiones originales y salir de los mismos personajes envueltos en las mismas tramas (o parecidas) que siempre. Por ejemplo en el genero del drama esto no pasa, o pasa menos. 

El elenco esta protagonizado por dos de los dos actores ingleses más destacados de los últimos tiempos. El todavía James Bond (del cual de vez en cuando se le buscan substitutos) y una de las damas de la pantalla inglesa. Las interpretaciones son excelentes atrapadas en un guión que no les rinde respeto alguno. Algunos errores o temas que no se llegan a entender le quitan toda la credibilidad a la película, como por ejemplo, el más importante: ¿porque una persona que tiene una enfermedad mental tan importante con un trastorno de la personalidad tan obvio queda libre y no se trata en un centro especializado o por profesionales de la salud mental? Evidentemente sin este pretexto no habría película. A lo mejor hubiera sido mejor que no la hubiera habido. 

Des de aquí animamos a los cineastas del genero de terror y suspense que busquen nuevos temas. Cuando se encuentran, las películas resultan grandes hitos y grandes éxitos acogidos por los espectadores. Un aviso por si alguien quiere ir a ver la película: no vean el trailer porque desvela todos los pocos secretos que la trama pueda tener. 

Últimamente hay gente que deja sus comentarios en el blog. Seguimos animando a toda la gente que nos pueda leer que abra debates y que exprese sus pensamientos sobre las películas propuestas. Gente de Alemania, de Rusia, de Reino Unido, de EEUU, de Egipto, de India, de México, de Italia, de Letonia (imaginamos que sois españoles afincados en estos países)... sabemos que estáis ahí! Animaros a comentar!

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

ANNIE HALL

ANNIE HALL

de Woody Allen

Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Shelley Suvallc y Joan Neuman.

Año: 1977

País: EEUU

Lemgua: Inglés

Genero: Comedia y Romance

Reconocimiento: Número 141 en el Top 250 de IMDB. 5 nominaciónes a los Oscar ganando 4 para Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz Principal y Mejor Guión Original. 4 nominaciónes a los Golden Globe ganando 1 a la Mejor Actriz de Comedia o Musical. Ganadora del BAFTA a la Mejor Película. Incluida en diferentes listas del American Film Institute. Considerada una de las mejores películas el director y una de las mejores películas Estadounidenses. 

Puntuación: «««««

Annie Hall es una comedia romántica basada en la verdadera relación del director con una de sus primeras musas, Diane Keaton (que en realidad, por "casualidad" y por si a alguien le cabe la duda de que la película no está basada en su relación, se llama Diane Hall). Este hecho de que la película esté basada en la relación de Keaton y Allen nunca fue desmentido por ninguna de las partes, por lo que: quien calla, otorga. En el transcurso de la historia se cuentan aventuras y desventuras de la relación de la pareja con un tono cómico que envuelve al espectador con sus conversaciones a ritmo de metralla y su humor negro. 

La cinta se ha considerado como una de las mejores comedias americanas de todos los tiempos y como una de las mejores películas estadounidenses. Sin embargo, visto con la perspectiva del tiempo, se ha de reconocer que posteriormente se han realizado mejores trabajos en el panorama cinematográfico e incluso el propio director a realizado trabajos mejores en su prolífica carrera. No muchos, por no decir pocos, pero alguno que otro destaca por encima de esta película con nombre de mujer. Un detalle a destacar es este título, que en un principio no era el elegido para el film. Siempre que se titula una película con el nombre de uno de sus personajes se le engrandece en la película por encima de los demás y se enfatiza en su historia. Un muy buen ejemplo son las películas de Disney, casi siempre tomando como cabecera el nombre de su personaje principal para que los niños centren su atención en su héroe o heroína. Un recurso primario y simple que, a veces, puede resultar un poco ridículo. 

El diseño del guión presenta saltos en el tiempo, recuerdos mediante escenas visualizadas por los propios protagonistas, interrupciones en el pasado... que dan explicación al porque estos han madurado y han crecido de la manera que lo han hecho y de que referentes partían para actuar como lo hacen. Contar todo este proceso de crecimiento interpersonal para entender las acciones de los personajes en la actualidad, es un buen ejercicio que permite coger al espectador de la manita y contarle las cosas tal y como son y tal y como han pasado. No deja lugar a la imaginación ni a las suposiciones. Allen se comporta neuroticamente porque tubo una infancia determinada, Keaton busca un referente determinado debido a su proceso de madurez... A veces esta bien que se cuente la verdad en vez de dejar al espectador a la deriva en su mar de suposiciones. Otras veces es un recurso demasiado fácil. Sea cual sea la conclusión que se saque de esta película en concreto, el ejercicio de contar el pasado de los personajes es, cuanto menos, original. Situar al director en un pupitre para discutir con su antigua profesora mientras sus antiguos compañeros siguen siendo niños... es una situación bastante cómica. 

Como hemos dicho, después de esta película se pueden encontrar infinidad de buenos trabajos en el genero de la comedia, pero siempre resulta un buen trabajo la revisión de los grandes clásicos para conocer de donde venimos y adonde vamos. 

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

LA PUTA Y LA BALLENA

LA PUTA Y LA BALLENA

de Luis Puenzo

Reparto: Aitana Sánchez-Gijón, Mercé Llorens, Leonardo Sbaraglia, Pep Munné, Miguel Ángel Solá, Eduard Nuskiewicz, Belén Blanco y Lydia Lamaison.

Año: 2004

País: Argentina y España

Lengua: Castellano

Genero: Drama

Reconocimiento: 1 nominación a los Goya por el Mejor Diseño de Vestuario. 6 nominaciónes a los Cóndor de Plata, ganando en Mejor Fotografía y Mejor Dirección Artística.

Puntuación: «««««

Entre tango y tango se presentan dos historias en dos tiempos diferentes que se buscan hasta encontrarse o hasta que una encuentra a la otra. Una escritora en crisis y operada de cáncer de mama y una prostituta llevada al parage patagonico son las protagonistas de esta hermosa película. Ellas, y una ballena. 

Mercé Llorens interpreta a una prostituta catalana que parece ser sacada dels Pastorets. Fuera de tierras catalanas no sabrán muy bien a que nos referimos con esto de Pastorets ya que es una obra de teatro catalana típica de navidad normalmente realizada por niños o para niños. Sus personajes enfatizan mucho su expresión teatral para acercar el tono cómico a los más pequeños. La actriz realiza exactamente este ejercicio de enfatización teniendo como resultado una actuación forzada y muchas veces un poco vergonzosa. Por contra, Aitana Sánchez-Gijón, realiza una de las interpretaciones más solidas de su carrera como actriz, aunque ella nunca defrauda. Acostumbrada a papeles de dura o malvada, aquí, se despoja de toda la frialdad de su rostro de facciones duras, nariz afilada y mirada inquietante para presentar a una mujer que se enfrenta a uno de los episodios más duros a que se puede enfrentar un ser humano: la enfermedad y el temor a la muerte. Su mirada frente al espejo de su cuerpo mastectomizado, la irreverencia con que contesta a la enfermera apelando por su libertad de hacer lo que le de la gana, sus dudas existenciales como persona, la búsqueda de una nueva felicidad... Conceptos que este personaje nos presenta mecidos por una de las mejores bandas sonoras que se han presentado últimamente.

Técnicamente, el uso de la cámara se puede contar como un personaje más. Los planos cuentan la historia de los personajes y los movimientos que se realizan no son elegidos aleatoriamente, sino que tienen un significado. Un ejemplo claro es el momento en el que Aitana y Eduard están sentados en la cama a punto de besarse y, de repente, los actores cambian de posición para pasar a mostrar sus manos en primer plano. Se cambian sus rostros por sus manos enfatizando el sentimiento por delante del cuerpo o del placer carnal.  Detalles muy bien cuidados y una magnifica documentación. Prueba de esta documentación es el uso de la "tabaquera anatómica", una parte de la mano que se utilizaba antiguamente para esnifarse el tabaco o rapé. Hay que reconocer que a la ex.ministra de cultura se le daba mejor colaborar en la elaboración de guiones que no en su cargo como política. Además también colaboran el propio director y su hija, que después se consagrará como una de las mejores cineastas del panorama argentino llevando a la pantalla sus propias novelas.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

CARNAGE

CARNAGE

de Roman Polanski

Reparto: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C Reilly.

Año: 2011

País: Francia, Alemania y Polonia

Lengua: Inglés

Genero: Comedia

Reconocimiento: Presentada en el 68 Festival Internacional de Cine de Venecia. De momento no tiene premios.

Puntuación: «««««

Mediante cámara prácticamente estática y planos fijos, Roman Polanski, nos trae esta adaptación cinematográfica de la obra teatral de la francesa Yasmina Reza. Dos matrimonios se juntan para hablar de sus hijos que han tenido una pelea. Las dos partes insisten en encontrar una conciliación sin dejar que su hijo sea el que salga mal parado del asunto. Finalmente, se descubre que, en muchas ocasiones, los adultos se quieren inmiscuir de manera innecesaria en la vida de sus hijos y en asuntos que no les pertocan, con la idea de protegerlos demasiado. 

Pese a ser una obra teatral pensada para ser representada en los escenarios, la adaptación cinematográfica  guarda pequeñas pinceladas que desvelan su origen, como por ejemplo los movimientos y el uso de la cámara, el uso de espacios y reparto reducidos... y pierde todo el lenguaje teatral que se hace innecesario en el cine. Si días atrás hablábamos del uso del lenguaje teatral en el cine en la película Oviedo Express, aquí podemos afirmar que los actores no caen en el uso de estos elementos que exageran e hiperbolizan la interpretación. El uso de la gestualidad y la proyección vocal son los adecuados para la pantalla y no se hace tan evidente el abuso de estos recursos teatrales como en la española Oviedo Express, en la que también se querían enfatizar estos recursos por motivos del guión. 

La obra ha sido llevada a los escenarios por un gran número de actores y actrices. En nuestro país, últimamente, ha sido representada por: Aitana Sánchez-Gijón, Maribel Verdú, Pere Ponce, Antonio Molero, Vicenta N'Dongo, Ramon Madaula, Oscar Rabadán, Roser Camí... Sobre el reparto a nivel internacional cabe destacar la intervención de las dos actrices que realizan un trabajo importante en la transición de sus personajes. El inicio y el final de la película quedan totalmente opuestos y podríamos decir que se habla de dos personas contrarias por la evolución y la transformación que realizan a lo largo de la secuencia. Se presentan como mujeres elegantes, firmes, serenas, con las ideas claras... y finalmente van cayendo en la naturalidad y espontaneidad de las situaciones y dejan ver un lado más humano de su persona. 

Es una película para reflexionar y con una carga cómica bastante importante. Hace pasar un muy buen rato y presenta una de las vomitonas probablemente mejor grabadas de la historia del cine (esperamos que a nadie le sirva de aliciente este hecho para ir a verla...).

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

THE MASK

THE MASK

de Chuck Russell

Reparto: Jim Carrey, Cameron Diaz, Peter Greene, Richard Jeni, Peter Riegert, Jim Doughan, Amy Yasberck, Ben Stein y Nancy Fish.

Año: 1994

País: EEUU

Lengua: Inglés 

Genero: Comedia

Reconocimiento: 1 nominación a los Oscar por los mejores efectos viduales y una nominación a los Golden Globe por el Mejor Actor de Comedia para Jim Carrey.

Puntuación: «««««

La Mascara es una mezcla entre animación y realidad que cuenta la historia de como este objeto mitológico llega a manos de un contable simplón, tímido y sin valor para otorgarle poderes que le ayudarán a enfrentarse a la vida sin miedos y sin ningún tipo de reparo moral o educación cívica. Para hacer un símil con la realidad, podríamos decir que es una especie de éxtasis que le desinhibe y le otorga la capacidad de enfrentarse a cualquier situación. Este personaje es una mezcla de toda una generación de dibujos animados como Bugs Bunny, el Pato Lucas, el Diablo de Tasmania, el Correcaminos, el Coyote, el lobo de Tex Avery... y además utiliza imitaciones de diferentes  personajes como Elvis Presley, Harry el Sucio, el Joker (Batman)...

Jim Carrey siempre ha sido identificado con este tipo de personajes extravagantes con movimientos espasmódicos de mandíbula y diferentes tonos de voz: Ace Ventura, Enigma (Batman), el Grinch, el mentiroso compulsivo... Este tipo de personajes cómicos son su punto fuerte o su único punto como actor ya que en el momento de encarnar a otro personaje real y normal se le escapan esos movimientos faciales de vez en cuando, lo qual hace que pierda credibilidad. Lo mismo sucede con otros actores acostumbrados a un único papel como Johnny Deep o Jennifer Aniston. Lo que sucede con este tipo de actores no es ningún problema, más que, al hacerse viejos, estos papeles ya no les quedan tan bien y básicamente no son escritos para ellos, sino para las nuevas generaciones de cómicos. El problema que tendrán es que se quedarán sin trabajo a medida que los años vayan pesando en su cara. Por otro lado, se presenta a una joven Carmeron Díaz que realizó su debut cinematográfico en esta cinta. Esta si ha intentado salirse de los papeles cómicos que tantos éxitos le han aportado. Aún así, se la sigue relacionando en este mundo aunque ella intenta salirse apresuradamente. 

La película, basada en un cómic y precursora de una serie de dibujos animados, se clasifica dentro del genero familiar o infantil y está bien para que los más pequeños conozcan los inicios de los actores que aparecen. Es entretenida y divertida de ver, pero que nadie espere nada más.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

MELANCHOLIA

MELANCHOLIA

de Lars Von Trier

Reparto: Kristen Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Cameron Spurr, Alexander Skarsgård, Charlotte Rampling, John Hurt, Stellan Skarsgård y Brady Corbet.

Año: 2011

País: Dinamarca, Suecia, Francia, Italia y Alemania.

Lengua: Inglés

Genero: Drama y Apocalíptica

Reconocimiento: Premio a la Mejor Actriz para Kristen Dunst en el Festival de Cine de Cannes. 

Puntuación: «««««

Melancholia es la última película del polémico director y guionista danés Lars Von Trier. Vuelve a ser una obra poética y descriptiva donde dicen que el director ha reflejado muchos de sus miedos y vivencias personales. La película se divide en dos partes cada una titulada con los nombres de las dos hermanas protagonistas. La primera de las partes presenta a los personajes principales en la boda de una de las hermanas. A continuación de esta introducción, se presenta una segunda parte donde se pasa a relatar la depresión que experimenta la recién casada hermana tras abandonar su marido y su trabajo el mismo día de su boda. Además se empieza a desplegar una historia apocalíptica paralela que empieza a atemorizar a la otra hermana y a poner en duda sus valores e ideas. Ante este inminente final para la tierra y la vida que hay en ella, la hermana en depresión actúa calmandamente por la poca pérdida que siente que puede tener. El mundo y su vida le dan igual y no espera nada más de ellos por lo que la muerte no le supone ninguna pena. Por el contrario, la perfecta hermana casada, con un hijo y un castillo donde ser la mejor de las anfitrionas, siente un miedo espantoso al enfrontarse a su muerte y la de sus seres queridos. 

Interpretativamente la película es excelente y la trama, pesada, definida por la poca acción que contiene, se sustenta debido a ello. Artísticamente es una obra poética que describe perfectamente la transición emocional de sus personajes delante de los cambios que suceden a lo largo de la historia. La fotografía es muy buena y a ello ayuda el castillo sueco y sus alrededores donde se rodaron la mayoría de las secuencias. El único problema de la obra es su director y guionista que no estuvo muy acertado al comentar en público sus desviaciones políticas a favor del movimiento nazi. Fue nombrado de persona non grata en el Festival de Cannes donde presento la película y sus odiosas declaraciones, aún y habiendo sido uno de los directores que más logros a proporcionado al festival. Bien por ellos ya que es inadmisible que, a día de hoy, haya personas que sigan pensando de esta manera tan repugnante. 

Volviendo al reparto de la obra, se recogió a grandes nombres del panorama cinematográfico europeo actual. Inicialmente Penélope Cruz, quien proporcionó algunas de las ideas al director, estaba dicha a ser una de las protagonistas. Por suerte se recurrió a dos excelentes actrices para hacerlo y debido a algún otro proyecto. más a la talla de la española, se prescindió de su colaboración que seguro no hubiera tenido despredcio. Sobre Charlotte Gainsbourg ya hemos dicho en alguna ocasión que es una de las mejores actrices que actualmente nos deleita con trabajos profundos normalmente de carácter independiente. Sorprende el paso de  Kristen Dunst des de representar a Mary Jane Watson, de la saga Spiderman, hasta este alejado mundo de Trier. Hay veces en las que este cambio en las esferas del cine pueden hacer que el actor o actriz pierda credibilidad en pantalla. Es un poco arriesgado moverse en el cine comercial de EEUU y al mismo tiempo en el mercado del cine independiente europeo, pero en este caso, no sale del todo mal.

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

DECEPTION

DECEPTION

de Mark Bomback

Reparto: Ewan McGregor, Hugh Jackman, Michelle Williams, Maggie Q, Lisa Gay Hamilton, Natasha Henstridge, Charlotte Rampling y Javier Godino.

Año: 2008

País: EEUU

Lengua: Inglés

Genero: Thriller

Reconocimiento: Poca cosa...

Puntuación: «««««

Deception presenta el ambiente esteril en el que un contable desenvuelve su vida cómoda y solitaria asta que un misterioso aparece y le ofrece un porro de María. A partir de este momento empiezan a salir y el contable empieza a descubrir que le falta algo a su vida que este otro ya tiene: ¿dinero, talento, mujeres, éxito, sexo, confianza?  Después de un plan bien elaborado, el contable se ve envuelto en una situación económica comprometida que pone a España como paraíso fiscal. ¿A alguien le sorprende que nuestro país sea este referente?

Detrás de la trama thriller que define la película, se encierra una bestia del amor romántico que aparece en ciertos momentos intentando comerse el genero en el que se clasifica la obra. Besos bajo la lluvia, sacrificio económico por amor, finales de cuentos de hadas... intentan corromper la esencia del cine y de la historia que se está contando. Este es el precio que debemos pagar por ser victimas del cine Hollywoodiense que, en más de una ocasión, se ha cargado grandes películas colando estas absurdas escenas romanticonas que, por alguna razón, se cuelan para intentar mostrar otro perfil de los personajes. ¿Quién se va a creer que una persona defraudará la economía de una empresa y luego perderá 10 millones de dolares, por una persona a la que ha visto 3 veces en su vida?¿Es el amor tan ciego o solo es la representación que quieren que creamos?

Pese a todo este embrollo de reacciones enamoradizas y enloquecidas, la película urde una trama secuencial perfectamente tratada y presentada. Todo el plan del timador está perfectamente hilada para que su presa se someta a sus voluntades y todo el entorno que le presenta es la fantástica miel para su seducción. Para ello, el guión se basa en unos personajes bien definidos y caracterizados interpretados por buenos actores. Hugh Jackman interpreta al perfecto timador sin escrúpulos, manipulador, enloquecido por el dinero y los lujos... y Ewan McGregor interpreta al perfecto contable calzonazos con gafas de bibliotecario, solitario y ansioso por un poco compañía en su insignificate vida. Los dos son dos caras de una misma moneda que en un momento de la película intercambiarán personalidades de manera magistral para su resolución final. Buenas interpretaciones. 

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

OVIEDO EXPRESS

OVIEDO EXPRESS

de Gonzalo Suárez

Reparto: Bárbara Goenega, Carmelo Gómez, Aitana Sánchez-Gijón, Maribel Verdú, Alberto Jiménez, Najwa Nimri, Jorge Sanz, Víctor Clavijo, Rulo Pardo, Silvia Marty, Tino Díaz y  Abel Vitón.

Año: 2007

País: España

Lengua: Castellano

Genero: Comedia y Drama

Reconocimiento: 7 nominaciónes a los premios Goya de la Academia del Cine Español.

Puntuación: «««««

Las relaciones interpersonales son un campo difícil de tratar en el cine por la complejidad que representa contar historias sobre los sentimientos humanos y todo lo que envuelve el entramado subjetivo del afrontamiento a la vida. Oviedo Express realiza este ejercicio a partir de una compañía de teatro que llega a la, últimamente, muy cinematográfica ciudad. Este elenco de actores que llega una noche cualquiera con el tren Oviedo Express, aporta todas sus relaciones y complicaciones internas a la gente que vive tranquilamente. A modo de punto de inflexión, la mujer del alcalde de la ciudad e hija de una mujer alocada fecundada por un ángel, realizará un ejercicio interno de valoración y descubrirá la verdadera importancia que tiene cada elemento de su vida. 

Argumentalmente, se mezcla un punto de ficción con el realismo cotidiano. Además se rescatan los tópicos puros de los cuentos infantiles como la princesa ingenua y buena, la mala malísima, el caballero (que en este cuento se define como son verdaderamente los caballeros, lejos de la imagen de fidelidad y heroicidad que usualmente se utiliza), el hada madrina... Este juego entre los elementos literarios infantiles clásicos y la realidad de los personajes aporta una esfera más a la historia junto con el hecho de que la compañía de teatro represente la obra de La Regenta de Leopoldo Alas Clarín. Aparece un punto de conexión entre la protagonista de la película y la protagonista de la novela de finales del siglo XIX ya que las dos figuras son personajes femeninos públicos en una relación prohibida a los ojo de toda una sociedad de moral hipócrita. Podemos decir que Oviedo Express es la versión actual de La Regenta transportada al siglo XXI. Una imagen une las dos obras: la de Jorge Sanz apoyado sobre la figura esculpida de la Regenta situada en la Plaza de la Catedral de Oviedo. 

Artísticamente, tanto los actores principales como el director ya estaban familiarizados con la adaptación a la pantalla de la novela tanto por la película de 1974 que dirigió Gonzalo Suárez, como por la TVMovie de 1995 que protagonizaron Aitana Sánchez-Gijón y Carmelo Gómez. Años después de estas obras, se unen para aportar sus experiencias a esta que hoy nos ocupa que, como hemos dicho, recupera personajes y la trama para modernizar la estética de La Regenta, manteniendo la pura esencia del clásico. Al mezclar, también, cine y teatro, los movimientos de la cámara se asemejan a la mirada estática del espectador. En más de una ocasión, la cámara queda fija y entran y salen los protagonistas del plano como si estuviéramos en una sala de teatro, en vez de en una cine. Así mismo, los diálogos están llenos de carga dramática, más típicos del genero teatral que del genero cinematográfico.

Gran magistralidad artística y técnica que permite mezclas extraordinarias entre el clásico y la actualidad y cine, teatro y literatura  para dar a luz esta obra contemporánea con reminiscencias de los grandes temas clásicos que nunca mueren o pasan de moda. 

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

THE FIGHTER

THE FIGHTER

de David O Russell

Reparto: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo, Amy Adams, Jack McGee, Frank Renzulli y Mickey O'Keefe.

Año: 2010

País: EEUU

Lengua: Inglés

Genero: Biográfica y Deporte 

Reconocimiento: 7 nominaciones a los Oscar ganando en Mejor Actriz Segundaria y Mejor Actor Secundario. 6 nominaciones a los Golden Globes ganando los mimos premios para Leo y Bale. 3 nominaciones a los BAFTA. 4 nominaciones a los premios del Sindicato de Actores ganando en las mismas candidaturas para el reparto. 

Puntuación: «««««

Como en la danza, las luchas en el cine están perfectamente estructuradas y ensayadas para que parezca una verdadera pelea, sin que nadie salga dañado. Transportar esta coreografía para que el espectador se la crea y no parezca un burdo montaje requiere mucho entreno y dedicación por parte de los actores. En The Fighter, Mark Wahlberg lleva a cabo diferentes coreografías de este tipo, pero lo que al final acabó resultando más interesante es el fondo social que se esconde detrás de la historia principal. Drogas, alcohol, sexo, hijos perdidos, esperanzas por un futuro mejor… marcan todo el entramado detrás de los puños enguantados de este luchador.

El guión, que se basa en una historia real, cuenta la presión a la que se ve sometida el personaje principal para sacar a su familia de la situación en la que se encuentra y lograr un futuro mejor para ellos. Además se ve sometido a la frustración de su hermano mayor, que fallo en este mismo intento, y a la de su madre, que desea desesperadamente que sus hijos lleguen  a lo más alto (como cualquier madre, pero esta con más deseo aún). Estos tres principales personajes están interpretados por los actores que recogieron la mayoría de premios y nominaciones de la película. Realmente realizan un trabajo importante de caracterización como por ejemplo el adelgazamiento que tubo que realizar Christian Bale para su papel de hermano frustrado, delincuente, problemático y drogadicto.

El uso de las manos es un elemento a destacar en la película. El ejemplo más claro es el de Wahlberg que principalmente las utiliza en sus combates pero, al mismo tiempo, se les otorga un sentido especial cuando acaricia a la que se convertirá en su novia. Un plano recorre la piel de Amy Adams mientras Wahlberg pasa su mano de manera delicada, olvidando la brutalidad de los combates y reflejando que no siempre una persona se mueve en una única esfera y puede mostrar diferentes perfiles de uno mismo. 

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!

THE HELP

THE HELP

de Tate Taylor

Reparto: Viola Davis, Octavia Spencer, Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Alison Janney, Sissy Spacek, Hanna O'Reilly, Emma Henry, Cicely Tyson y David Oyelowo.

Año: 2011

País: EEUU

Lengua: Inglés

Genero: Comedia y Drama

Reconocimiento: Nominada a 4 People's Choice Awards y a la espera de más.

Puntuación: «««««

Durante los años de la época de los derechos civiles de EEUU (a mediados del siglo XX), dos niñeras negras se emplean a fondo para dar de comer, comprar, limpiar y criar los hijos de las familias blancas para las que trabajan. Sin embargo, y a pesar de ser referentes ultra-importantes para sus vidas, ni siquiera pueden utilizar el mismo lavabo que los blancos. Una joven periodista idealista, intentará publicar las historias que estas niñeras, y otras como ellas, le cuenten para  colaborar en la causa y el corriente de transición que se esta viviendo en el país. Fue una época en la que la discriminación racial volvía a ser un común denominador en toda una sociedad, cono tantas otras ha habido, por desgracia. Poco a poco, la batalla por los derechos de igualdad entre los ciudadanos, se fueron logrando con la ayuda de nombres que todos conocemos y con las aportaciones de gente menos reconocida que, como en la película, quisieron colaborar en su causa.

El guión, basado en la novela homónima de Kathyn Stockett, presenta unos personajes y una historia auténticos donde el papel de la mujer negra de la época queda bien representado mediante una descripción costumbrista bien realizada. A ello se le suma el reparto, básicamente femenino, que lleva con excelencia toda la trama argumental de la película, destacando a las dos actrices protagonistas negras. Sobre Viola Davis ya teníamos algunas buenas referencias en películas anteriores, pero sorprende una excepcional Octavia Spencer que posee uno de los rostros expresivos más importantes del panorama cinematográfico actual. Con una simple mirada, es capaz de transmitir todos los pensamientos y preocupaciones de su personaje. Además su naturalidad delante de la cámara es excepcional y es capaz de acercar el personaje hasta la butaca de al lado del espectador. La trama, entre todo el drama presentado, también deja caer algunos momentos cómicos superlativos que aligeran la carga de la historia principal. El rasgo de saber mezclar una historia dramática con la comedia es poco común entre las historias que se cuentan actualmente y hacerlo sin caer en la burla o el mal gusto es todo un arte que se debe valorar muy positivamente.

A todos aquellos a quienes les gusta el cine comprometido, la película les gustará, y a todos aquellos a los que prefieren asistir a las salas de cine para entretenerse, esta es una de las mejores opciones que existen en cartel en este momento. La recomendamos muy sobradamente a todo el público que nos pueda estar leyendo para poder entender el sentido de la expresión ¡Y que te abanique un negro! 

Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!