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sábado, 30 de junio de 2012

HOOK



HOOK
de Steven Spielberg


Reparto: Robin Williams, Dustin Hoffman, Julia Roberts, Bob Hoskins, Maggie Smith, Caroline Goodall, Charlie Korsmo, Amber Scott, Dante Basco, Laurel Cronin, Raushan Hammond, Arthur Malet.
Año: 1991
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Fantasía y Aventura
Reconocimiento: Nominada a 5 Oscars. Nominad a 1 Saturn Award. Nominada a 1 Golden Globe. Nominada a 1 Grammy. Nominada a 1 Razzie Award (Julia Roberts).
Puntuación: «««««


Finalmente, Peter Pan creció y se convirtió en un importante abogado. Dejó Londres y se fue a la tierra americana del capitalismo y abandono sus recuerdos de líder de los niños perdidos en el país de Nunca Jamás. En uno de los viajes de vuelta a Londres, los hijos del héroe infantil por excelencia, son raptados por el Capitán Garfio, el eterno enemigo de Peter, que vuelve con sed de venganza. De esta manera Spielberg recuperaba uno de los clásicos de su infancia y nuestra infancia, lo adaptaba magistralmente y lo ofrecía al público que le ofreció una gran acogida, que no fue tan compartida por la crítica profesional.  

Si hace unos días decíamos que George Lucas revoluciono el mundo de los efectos visuales en el cine con sus películas de Star Wars de la nueva trilogía, podemos afirmar que todo tiene una revolución previa y, Steven Spielberg, ha conseguido con su trabajo, aportar muchos de los méritos de los que hoy día podemos disfrutar en las salas de cine. Evidentemente, si hoy día vemos Hook, podemos decir que visualmente es algo muy vulgar, pero solo 2 años después, se estrenó Jurassic Parck donde se ve un progreso notable en el campo visual y, en general, en la mayoría de las películas del director se ve un trabajo profundo en este apartado aunque, con el tiempo, haya quedado algo antiguo. Se demuestra a que velocidad ha crecido este submundo audiovisual y que las calidades de las que hoy disponemos provienen de un pasado y un origen que, evidentemente no es el que hoy conocemos. En la trayectoria del director destacan diferentes obras exitosas en las que ha intervenido tanto como director como productor pero, a la misma vez, hay algunos títulos extremadamente malos que no se entiende como consiguieron llamar la atención de Spielberg, como: Cariño, he encogido a los niños, Los Picapiedra, Casper, La mascara del Zorro...

El papel de Peter Pan estaba originariamente pensado para que fuera interpretado por Michael Jackson, otro gran genio de la música que pretendía unirse al carro de "cantantes-no-actores-que-actúan-sin-saber" y que finalmente no realizó, pues a Jackson no le gustaba la idea de que Peter Pan creciera. Por suerte, el papel cayó en manos de uno de los únicos actores que podría haberlo interpretado, un Peter Pan real como es Robin Williams. Lo hemos visto en diferentes roles que recuerdan esa frescura infantil de los niños como en Mrs. DoubtfireJumanji, Aladdin, Jack (donde interpreta el papel justo contrario al de Peter Pan: un niño en cuerpo de hombre mayor que crece demasiado deprisa), Flubber, Patch Adams... Sin duda era la mejor opción para encarnar el personaje y realizó un trabajo realmente bueno en el papel. Por otro lado, encontramos a Dustin Hoffman y a Julia Roberts que interpretan a las otras dos puntas del triangulo de protagonistas del País de Nunca Jamás. Tanto el uno como la otra realizan un buen trabajo con una representación algo afeminada, pero dura cuando se requiere, del Capitán James Hook (Garfio) y de una Campanilla algo blanda que se ganó su primera nominación a los Razzie (la segunda sería por Mary Reilly), nominación no del todo justificada. Por último, hay que comentar que la producción fue tan sonora que diferentes nombres quisieron participar, aunque solo fuera con cameos sutiles. De esta manera, Gwyneth Paltrow, Glenn Close y Phil Collins tienen sus cameos en la película muy bien camuflados entre los piratas o como algún personaje en flashback.


Es una buena película para los niños y para volver a disfrutar y a recordar nuestra propia infancia. Peter Pan creció, maduró y olvido su pasado en este mundo veloz de competencia económica y supervivencia capital. De vez en cuando es importante sentarse y seguir el ejemplo del niño que sigue disfrutando de los juegos y de las películas e Peter Pan. Una vez fuimos ese niño.






Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!


martes, 26 de junio de 2012

COSMOPOLIS



COSMOPOLIS
de David Cronenberg


Reparto: Robert Pattinson, Jay Baruchel, Paul Giamatti, Kevin Durand, Juliette Binoche, Samantha Morton, Sarah Gadon, Mathieu Amalric, K'naan, Emily Hampshire, Patricia McKenzie.
Año: 2012
País: Francia, Canadá, Portugal e Itália. 
Lengua: Inglés
Genero: Drama
Reconocimiento: Nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes. 
Puntuación: «««««


Des de El arbol de la vida que no veíamos un desastre tan grande en las salas de cine. El que no se levantaba y abandonaba era porque había caído en un profundo sueño. Recordemos que en la anterior película, a quien se iba de la sala antes de los 30 min le devolvían el dinero de la entrada. En esta ocasión, fue el propio acomodador que recoge las entradas en la puerta de la sala el que nos dijo que lo que íbamos a ver era un completo desastre. En estos casos no se puede decir que la empresa no colabore en la causa...

La película tiene un buen argumento, original y bien pensado, un director renombrado, un cartel que puede atraer a un cierto tipo de público (como las enamoradas de Pattinson vayan a ver la película se desenamoran de él al instante)... pero se hace algo insufrible la manera en que se plantea todo esto, exponiendo al espectador a largos monólogos o conversaciones entre 2 personajes con una cámara estática que solo transmite las largas charlas. La duración no es algo exagerado pero evidentemente, por muy corta que sea la película, ver a Pattinson dialogando durante 10 minutos, aunque sea, se hace algo eterno. Al mismo tiempo, debemos reclamar que muchos pueden pensar que esta critica es populista y que la película solo se valora por el ojo culto de verdad que entiende de cine. No es populismo, señores y señoras. Es simplemente que el cine deberia ser algo entretenido y dudamos que aquellos que se les llena la boca ablando maravillas de la película no hayan tenido la tentación de abandonar la sala o no se hayan preguntado porque lo hacían los demás. A la inmensa mayoría del público le aburrirá esta película al igual que les aburrió El árbol de la vida, se levantaban de su butaca y salían de la sala enfadados porque además de perder el tiempo han perdido el dinero de una entrada de cine (que no es poco para los tiempos que corren). Y esto son hechos contra los que ni los mejores críticos de cine pueden luchar alabando la poetización de las escenas, la intensidad de los diálogos, etc, etc... La gente se levanta de la sala y se marcha enfadada hasta que se extiende la voz y la gente deja de ir a verla. 

Aunque hace tiempo que no toca en genero de la ciencia ficción, Cronenberg, ha sido uno de los máximos exponentes en el genero tratando temas físicos y psicológicos a través de sus películas y sus personajes. Su mayor obra es La Mosca, que refleja como a través del cambio físico del protagonista también se hace un cambio psicológico y emocional excelente en él. Siempre se le ha reconocido por saber compaginar esta dualidad humana en sus películas y plasmar la realidad en ellas. Como ya hemos dicho, hace tiempo que abrió nuevos horizontes y se alejo del genero que más reconocimiento le dió y un claro ejemplo de esto es la película que hoy presentamos. Sigue tratando sus personajes con un enfoque global no solo basado en la carne y lo físico. Se incluyen sus emociones, pensamientos, elecciones... y toda la parte psicológica del individuo para contar una historia que, al final, es creíble y completa. En esta ocasión, hay que decir que, aunque el director es un nombre reconocido en el mundo del cine, su trabajo es inexistente en la película. Una cámara estática basta para toda la película y tampoco se aprecia nada en el trabajo interpretativo de los actores.

El reparto de la película esta encabezado por nuestro amigo Robert Pattinson que, aunque parece mentira, se consigue separar de la imagen que tenemos de vampiro deprimido y enamorado. Se consigue separar medio milímetro para aportar una interpretación que dista de ser correcta. No es creíble en ninguno de los actos que realiza: come moviendo todos los músculos faciales, acaricia el pecho de una mujer como el que posa su mano sobre la mesa, jadea y jadea haciendo el amor con caras totalmente desorbitadas... Realmente no sabemos lo que deben hacer esta clase de actores para conseguir los papeles pero no debe ser nada agradable. Además mucha de la culpa de esto es del trabajo de dirección que, como hemos dicho, es inexistente. 

No es una película para ver en el cine y, evidentemente, el que tenga valor de verla en casa, seguramente no la termine. Coged el mando y rebobinad los diálogos. Conseguiréis una película de 10 minutos que, a lo mejor, es más interesante que la película entera. 



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


lunes, 25 de junio de 2012

STAR WARS: EPISODE I - THE PHANTOM MENACE



STAR WARS: EPISODE I - THE PHANTOM MENACE
de George Lucas


Reparto: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Ian McDiarmid, Ahmed Best, Pernilla August, Ray Park, Anthony Daniels, Kenny Baker, Frank Oz, Samuel L Jackson, Keira Knightley. 
Año: 1999
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Ciencia Ficción, Aventura y Acción
Reconocimiento: Nominada a 3 Oscars. Nominada a 12 Saturn Awards ganando en Mejor Diseño de Vestuario y Mejores Efetos Visuales. Nominada a 2 BAFTA. Nominada a 1 Grammy. Nominada a 7 Razzie Awards ganando en Peor Actor de Reparto para Ahmed Best (voz de Jar-Jar Binks). 
Puntuación: «««««


La maquina de hacer dinero de George Lucas retomó su marcha tras casi dos décadas de silencio. Tras la primera trilogía o trilogía original, todo el mundo esperaba con ansia los capítulos previos de Star Wars y ver como se introducían los pasados de los personajes que ya todos conocíamos. Evidentemente, volvió a ser todo un éxito en taquilla (superando el Billón de dólares en recaudación) aunque supuso el blanco de muchas criticas calificándola de la peor película de la saga completa. Dicha introducción presenta el pasado de los personajes que ya conocíamos como el origen de Darth Vader, la presentación del sistema Galáctico, la República y los inicios de las disputas que acabarán en guerra... y, además, presenta a diferentes personajes nuevos que, de algún modo, tendrán relación con los personajes futuros, en cuanto a orden argumental, o pasados, en cuanto a orden cronológico de las películas. 

Para el reparto se utilizaron algunos de los nombres más conocidos del momento como los de  Liam Neeson, Samuel L Jackson y Ewan McGregor, otros nombres que empezaban a ganar popularidad en aquel momento como el de Natalie Portman, otros que ya habían participado en las anteriores películas en los papeles de la voz de Yoda (Frank Oz), C-3PO (Anthony Daniels) y R2-D2 (Kenny Baker) y otros nombres que por entonces no se conocían o no se valoraban y que empezaron haciendo de secundarias con papeles muy pequeños como Keira Knightley que hacía de señuelo de la Reina Amidala y que fue elegida por su parecido por la protagonista (incluso la madre de Portman no podía distinguirlas en plató) o Sofia Coppola que también tenia una aportación muy pequeña casi sin texto. Muchos querían subirse a este nuevo carro de la saga y seguramente fue un proceso de selección complicado pero al final, se logró completar un reparto creíble que ayuda a completar la imagen que tenemos de los antiguos protagonistas. 

Visualmente, hay un cambio espectacular en comparación con las primeas películas. El cine ha avanzado de una manera tremendamente rápida y ha permitido que en este periodo de tiempo que separa a las dos trilogías, se consiga una calidad excepcional y mejorada en comparación a los resultados de las primeras. De hecho, Lucas, creó diferentes empresas que se encargaron de acelerar este proceso técnico en el cine y ha sido uno de los máximos responsables de que esto ocurra. Con sus contribuciones y sus películas, ha logrado que hoy día podamos disfrutar de la calidad que se nos ofrece en las salas de cine. Muchos reusan llamarlo director por su corta filmografia en el rol directivo, pero sin duda ha hecho un trabajo extenso en el campo de la producción y también en el campo técnico. De otro lado hay que destacar los trabajos en vestuario, maquillaje y peluquería que aportan un trabajo importante a la realización de la imagen de los personajes, en especial de la Reina Padmé Amidala.  

Pese a las críticas recibidas, es una película excepcional con secuencias enormemente recomendables como la carrera de vainas o la lucha entre los dos Jedi y Darth Maul. Precisamente, este personaje ha sido reconocido como uno de los mejores de la saga y el pobre y simpático Jar-Jar Binks como uno de los peores. Que injusta es la vida a veces Jar-Jar. 



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domingo, 24 de junio de 2012

EL ORO DE MOSCÚ



EL ORO DE MOSCÚ
de Jesús Bonilla


Reparto: Jesús Bonilla, Santiago Segura, Concha Velasco, Alfredo Landa, Antonio Resines, Alexis Valdés, María Barranco, Gabino Diego, Neus Asensi, Chiquito de la Calzada, Jorge Sanz.
Año: 2003
País: España
Lengua: Castellano, Inglés, Ruso y Francés
Genero: Comedia
Reconocimiento: Nada. 
Puntuación: «««««


Cronológicamente es predecesora a La Daga de Rasputín que ya comentamos previamente pero, éticamente, ambas son gemelas idénticas de un mismo padre que, a parte de realizar copias, lleva interpretando el mismo papel a lo largo de toda una trayectoria. Un día, Jesús Bonilla, tuvo un sueño en el que aparecían diversos nombres de la comedia española y decidió hacer una película con ellos. Como si de algo nuevo se tratara, reunió a diferentes generaciones de cómicos y se pusieron manos a la obra para empezar a grabar. Uno dijo: "yo haré de viejo franquista". "Vale" dijo otro "yo haré de viejo verde". "Pues yo haré de viejo loco"... y así asta que se completó el reparto. Sin embargo... se olvidaron de escribir todas estas ideas en un guión o, también puede ser, que el guión se perdiera en mitad de la grabación, ya que parece que no tengan rumbo ni sentido las actuaciones de los personajes y parece ser todo fruto de la casualidad del momento y de una espontaneidad mal conseguida. El argumento es básicamente el mismo que el de la película hermana o cualquier capitulo de Los Serrano: algo normal que cae en manos de personajes extravagantes y que se empieza a convertir en algo descomunal y surrealista para acabarse repentinamente sin más ni menos. 


Carlos Latre, Florentino Fernandez, Chiquito de la Calzada, Andrés Pajares, José Luís López Vázquez, Jorge Sanz, El Gran Wyoming, Bebe, Marvelis, Ricardo Arroyo, Maricielo Pajares... son algunos de los cameos que aparecen a parte del reparto original y que consiguen amenizar algo el ritmo de la comedia proporcionando aportaciones rápidas y más cómicas que las que aportan los protagonistas (sobretodo la de Chiquito que merecía más minutos en el metraje y que consigue robarle el protagonismo a los demás personajes con 5 minutos de aparición). 


La película pretende ser una comedia coral con cómicos de diferentes generaciones que no destaca ni técnica ni artísticamente. El único interés es ver a todos estos nombres reunidos pero que, al final, resulta algo insustancial por la continua aparición de Bonilla y su eterno personaje de gañan español zafio, maleducado y gruñón. 






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sábado, 23 de junio de 2012

LE PREMIER JOUR DU RESTE DE TA VIE



LE PREMIER JOUR DU RESTE DE TA VIE
EL PRIMER DÍA DEL RESTO DE RU VIDA
de Rémi Bezançon


Reparto: Jacques Gamblin, Zabou Breitman, Pio Marmaï, Marc-André Grondin, Déborah François, Roger Dumas, Cécile Cassel, Stanley Weber, Sarah Cohen-Hadria, Camille De Pazzis, Aymeric Cormerais.
Año: 2008
País: Francia
Lengua: Francés
Genero: Drama
Reconocimiento: Nominada a 9 César ganando en Mejor Actor Revelación para Marc-André Grondin, Mejor Actriz Revelación para Déborah François y Mejor Montaje. 
Puntuación: «««««


La familia, como núcleo organizado, es la base para la redacción del guión de la película. Para profundizar en él, se cuentan las historias de cada uno de los miembros a lo largo de los años, involucrando al resto de la familia en el  proceso de explicación de los pasos del protagonista del momento. De esta manera se presentan cinco capítulos donde cada uno de los personajes contará una parta importante de su vida y como se relaciona con el resto de sus familiares. Un trabajo de guión increíblemente bien elaborado que da como resultado un drama completo y una buena película. Relaciones padres e hijos, inicios sexuales, amor, relaciones matrimoniales, muertes... son algunos de los temas que se tratan como base de cualquier familia normal de este mundo, por lo que el sentimiento de identificación se hace más fuerte en el espectador.

La película tiene un peso importante tanto en el guión como en el trabajo de interpretación y dirección. En los tres aspectos se realiza un exelentisimo trabajo que logra un resultado inmejorable. Rémi Bezançon, lograba su mayor reconocimiento en este segundo largometraje que presentaba y que obtuvo diversas nominaciónes y premios. Él mismo se ocupó del guión y, al realizar las dos tareas, se ve que hay una idea muy clara de cada uno de los personajes y el trabajo de dirección se hace más creíble. En la interpretación dos generaciones diferentes que representan a los actores ya consagrados del cine francés y a aquellos que empezaron a ganarse un nombre en esta producción. Cada uno de los miembros del reparto realiza un buen trabajo ya sea mediante una reputación consagrada como por algo que empezó y ha seguido manteniéndose des de aquél momento. 

Es una muy buena película que se ha de ver en algún momento de la vida y que, al igual que Les Petites Mouchoirs que tratamos hace unos días, ayudan a reflexionar sobre las propias relaciones familiares o amiguales del espectador.



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martes, 19 de junio de 2012

LES PETITS MOUCHOIRS



LES PETITS MOUCHOIRS
PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA
de Guillaume Canet


Reparto: François Cluzet, Benoît Magimel, Marion Cotillard, Gilles Lellouche, Valérie Bonneton, Laurent Lafitte, Pascale Arbillot, Joël Dupuch, Jean Dujardin, Louise Monot, Anne Marivin, Hocine Mérabet, Maxim Nucci.
Año: 2010
País: Francia
Lengua: Francés
Genero: Drama
Reconocimiento: Nominada a 2 César Awards. Nominada a 1 European Film Award.
Puntuación: «««««


"Baby talk to me. Please talk to me. Baby, please, it's me. Talk to me!". Este es uno de los pequeños fragmentos de una de las canciones de la película. Hablar con tus seres queridos y decir la verdad sin esconder nada, puede ser la solución y el camino a una vida más sencilla sin miedos ni engaños. Un fumador oculto, una homosexualidad escondida, un embarazo no deseado, infidelidades, mensajes secretos, dobles vidas... pueden ser pequeñas o grandes mentiras, pequeños secretos sin importancia o grandes gritos silenciosos que pueden afectar y afectan a las relaciones humanas entre personas que se quieren. Todos ocultamos algo. Verdades que, a veces, no damos importancia pero que, al final, pueden tener un gran peso en la vida y las decisiones de las personas que nos rodean. Este es el mensaje de una de las mejores películas francesas de los últimos tiempos. Unos cuantos amigos deciden irse de vacaciones a la casa de veraneo de uno de ellos pese a que uno de los amigos ha sufrido un grave accidente y está en el hospital ingresado. Cada uno de ellos acarrea con su propia vida, sus secretos, sus familias, sus inseguridades, sus verdades y sus mentiras. A partir de este momento se hilará una trama enmarañada de sentimientos entre los protagonistas que se irá complicando a medida que evolucionan las relaciones entre ellos. 

Guillaume Canet, uno de los nombres más destacados de la escena francesa tanto en actuación como en dirección, producción o guión, es el director de esta película llena de sentimiento donde se hace especial importancia el trabajo directivo con los actores. Cada momento cuenta y, siguiendo la estructura del genero dramático, se va preparando la evolución de cada uno de los personajes para que el espectador pueda llegar a conocerlos, a identificarse con ellos y, por último, a emocionarse con sus historias. Se realiza un excelente trabajo en este sentido siguiendo el patrón clásico del drama, como hemos dicho. Evidentemente, un cartel como el propuesto es otro de los puntos a favor del largometraje y permite conseguir un nivel que roza el paraíso. Son algunos de los nombres más destacados del panorama cinematográfico francés y saben, cada uno de ellos, cual es su rol, en que momentos deben tocar la comedia y en que otros deben emocionar al público. En cada situación se encuentra el equilibrio de manera individual y en conjunto entre todo el reparto. Un reparto coral de esta calidad es algo difícil de encontrar actualmente y se agradece extremadamente el poder contar con sus intervenciones.

Técnicamente hay dos puntos a destacar. El primero es todo el paisaje paradisíaco utilizado y el reflejo que se ofrece de él en la película. La costa atlántica francesa es el lugar donde se centra gran parte de la historia y permite una fotografía inmejorable de la zona. El segundo aspecto a destacar es la selección de canciones para la banda sonora. Ha habido ciertas críticas alegando que solo se presentan baladas para maximizar la carga dramática de las escenas pero ¿que querían señores? ¿qué sonara La Macarena?. Es una excelente banda sonora con una música adecuada al tipo de película que se presenta, destacando a Maxim Nucci o Yodelice (nombre artístico) que también interpreta en la película y que tiene un gran futuro en ambos terrenos.

Es un excelente drama para ver, como no, con los amigos, sentirse identificado con los personajes y aprender reflexionando sobre lo vivido y lo visto en la película. En unos días comentaremos otra de las grandes películas francesas que se han hecho últimamente para introducirnos en un cine de calidad.



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domingo, 17 de junio de 2012

ROCK OF AGES



ROCK OF AGES
de Adam Shankman


Reparto: Julianne Hough, Diego Boneta, Tom Cruise, Russell Brand, Alec Baldwin, Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones, Mary J Blige, Malin Akerman, Bryan Cranston.
Año: 2012
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Musical y Comedia
Reconocimiento: De momento nada. Acabada de estrenar. Criticas mixtas. 
Puntuación: «««««



Después de haber comentado los musicales: A chorus line, Chicago, High School Musical, Dreamgirls, Carmen a Hip Hopera, Sweeney Tood, El Fantasma de la Opera, Una hora más en Canarias, Sister Act II, La Môme, ¿Por qué se frotan las patitas?, Priscilla, reina del desierto y Pesadilla antes de Navidad (a lo mejor queda alguna olvidada), nunca habíamos visto un musical tan fuera de los estereotipos del genero que, habitualmente, presentan canciones balada a medio tono con una historia de amor eterno por el medio y, al final, acaba siendo todo un poco pastel tanto amor y canción romántica. No es que esta vez el eterno protagonista del cine (el amor, por si alguien no lo sabia) se haya dejado de lado. Esto sería demasiado y, que los dos protagonistas no pintaran un corazón en el espejo con un pintalabios rosa con las iniciales de los dos en el medio, en los 5 primeros minutos de la película, seria un crimen argumental que los espectadores no podríamos permitir de ningún modo. Evidentemente esto pasa y ya es algo que esta asumido por nuestra parte. La historia de amor que se inicia apasionadamente y sufre una crisis para acabar solucionándose antes de que acabe la película sellándose con un beso de amor eterno, es algo que tendremos que sufrir también hasta la eternidad y algo a lo que estaremos condenados de por vida. Sin embargo, esta vez, las canciones son a ritmo de Rock representativas de uno de los géneros olvidados que vuelven a la gran pantalla y que nos recuerdan que allí siguen y que también tienen un espacio en los productos cinematograficos que se lanzan al mercado. Journey, Bon Jovi, Guns N' Roses, Def Leppard, Poison, Night Ranger, Twisted Sister, REO Speedwagon, Foreigner, Whitesnake... son algunos de los artifices de los temas principales que componen la banda sonora del musical que devuelve la vida a los mejores años del Rock&Roll.

La principal atracción del cartel es la coralidad de su composición y ver a un Tom Cruise que ha conseguido superar su carrera interpretativa con la musical. Después de haber visto el resultado de su trabajo, del cuál teníamos ciertas reservas y dudas, nos planteamos si eligió bien su destino dentro del mundo de la actuación o hubiera sido mejor que se hubiera dedicado a correr carreteras con su guitarra y una banda de autentico Rock. De echo, dentro de la misma película destaca más en su faceta musical y ofrece un trabajo de militarización, integración, adaptación y representación excelente de las imágenes que tenemos de las  estrellas del Rock recientes y de sus actuaciones sobre el escenario. Por otro lado, tenemos a dos estrellas consagradas dentro del mundo de la música y del musical que aportan sus experiencias y habilidades a la película. Ya habíamos visto a  Catherine Zeta-Jones desenvolviéndose en el musical y sabemos que ha sido reconocida por su trabajo dentro del mundo del cine y el teatro musical, ganando un Oscar y un Tony por dos interpretaciones dentro del genero. Aquí vuelve a aportar un buen trabajo y vuelve a ser otra a la que valoramos más por su carrera dentro de la canción más que dentro de la actuación. El segundo talento que eleva la calidad global del trabajo es el nombre de Mary J Blige, una de las mejores voces vivas con las que contamos dentro del panorama musical actual y que, esta vez, incurre en la pantalla para ampliar su faceta profesional y, evidentemente, su bolsillo. La verdad es que se hace necesaria la intervención de alguna voz como la de Blige en una película de estas características y acaba realizando un trabajo de calidad. Esperaremos a ver hacia donde se dirige su trayectoria para poder valorar si puede continuar en el cine o si debería volver a los micrófonos (como Justin Timberlake ya debería haber hecho hace mucho tiempo). De momento su peso musical es demasiado grande como para apartarla de la canción. Por último, vemos a dos jóvenes que han aparecido de la, prácticamente, nada. Tanto Julianne Hough como Diego Boneta parten de un talento musical impresionante y, hay que reconocer, que han sido algo engañados por el guión que les ha tocado seguir. Son los dos jóvenes enamorados que se mueren el uno sin el otro, se cantan canciones de amor eterno, pintan corazones, tienen el problema (sea cual sea) y luego se arreglan de nuevo. Es difícil interpretar algo así, aunque no se les ve una mala base y les auguramos un futuro dentro del cine y la música actual.

En la dirección, Adam Shankman, coreografo, director, productor, bailarín y actor y, además, un nombre importante dentro del musical. Ha ganado diferentes premios por su trabajo y ha trabajado con importantes nombres de la música y el cine como los de Paula Abdul, Janet Jackson, Brendan Fraser, Marlon Brando, Sarah Jessica Parker, Antonio Banderas, Zac Efron, Sandra Bullock... asimismo como en importantes proyectos en su campo dominante que es la coreografía y el baile. El trabajo de coregrafia de la película es uno de los apartados que más destacan en la producción junto con la calidad musical. Juntamente, se consigue una calidad excelente que se eleva por encima de los números sosos que se acostumbran a ver en las apuestas musicales. Un resultado infinitamente mejorado de la anterior participación del director en el musical cinematográfico (Hairspray) y también superior a las comedias baratas que también ha dirigido (Un canguro super duro o 12 fuera de casa).

Aciertos técnicos han sido no caer en el mismo guión de Velvet Goldmine o otras películas anteriores que también trataron el tema de la música en los años 60 y el uso de una estética visual parecida a la de los videoclips que se lanzaban por aquellos años como por ejemplo la contraposición de los cantantes en un mismo plano que tantas veces se ha utilizado en vídeos de Rock en directo o el uso de los dibujos en los títulos de crédito finales como en el vídeo de Take on Me de A-Ha.  

Una de las mejores apuestas que hay en las carteleras de los cines y, además, es un musical diferente para los que están ya cansados de lo habitual ya visto por todos más de 100 veces. Ver los números musicales que se han pensado con la base de Rock&Roll es algo que ha nadie le hará mal y que todos sabrán disfrutar.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


viernes, 15 de junio de 2012

A CHORUS LINE



A CHORUS LINE
de  Richard Attenborough


Reparto: Michael Douglas, Alyson Reed, Terrence Mann, Sharon Brown, Michael Blevins, Yamil Borges, Jan Gan Boyd, Michelle Johnston, Vicki Frederick, Janet Jones.
Año: 1985
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Musical y Drama
Reconocimiento: Nominada a 3 Oscars. Nominada a 2 Golden Globes. Nominada a 2 BAFTA. 
Puntuación: «««««


Como ya hemos dicho en recientes publicaciones, el genero musical a tenido un resurgir reciente que ha dado diferentes títulos a la cartelera basados en los mejores musicales de todos los teatros del mundo. Las ideas se basan en el guion teatral original pero, frecuentemente, se utiliza la cámara para situar a los personajes en paisajes y escenarios diferentes a los estáticos teatros originales. Un ejemplo claro es Mama Mia! que, evidentemente y como no podía ser de otra forma, utiliza la belleza del paisaje griego para enriquecer el efecto visual hacia el espectador (de otra manera sería un total desacierto y algo aburrido). Por otro lado, si tenemos adaptaciones cinematográficas que nacieron en el teatro que conservan la estética del escenario como principal elemento visual. Algunas de ellas son la recientemente comentada Chicago o Dreamgirls, que aunque si utilizan escenas fuera de los escenarios, básicamente se plantean con los personajes sobre un teatro. Por último, encontramos las más puras adaptaciones que no se mueven ni un solo fotograma del escenario dando una visión fiel de lo que entendemos como teatro en estado puro. Claros ejemplos de esto son Carnage, que aunque no es un musical si se basa en una obra de teatro, y la película que hoy presentamos aquí que cuenta la historia de unos aspirantes a convertirse en coro de un musical de Brodway. En medio del casting, entre canción, baile y canción, iremos descubriendo las historias que esconden cada uno de los personajes, que les ha llevado allí, cuales son sus sueños y motivaciones y lo mucho que desean formar parte del reparto del musical.

Richard Attenborough, conocido por ser el abuelo loco de Jurasic Park, se sentaba en la silla de dirección tras haber ganado el Oscar a la Mejor Película y al Mejor Director por Gandhi. Como hemos dicho, se hace un ejercicio de introspección en los personajes entre número musical y número musical, lo cual requiere una técnica cinematográfica curada con un uso de la cámara que permita envolver al espectador en las historias que se están contando y un trabajo de dirección muy minucioso para que el actor pueda hacer creíble el personaje que esta contando. Se puede ver como la se utilizan planos cortos y el zoom en los momentos más íntimos del personaje y, en general, se acaba obteniendo una resolución correcta de las escenas. Entre el reparto destaca  Michael Douglas, que tradicionalmnte hemos relacionado en papeles masculinos imbolucrados en algún tipo de relación amorosa atormentada (Atracción fatal, Instinto básico, Acoso...) y con el genero del thriller. Esta vez es el director de casting y el encargado de sacar todas las historias de las personas que se presentan al proceso de selección. Realiza un papel dentro de la coralidad del reparto y ejerce un buen trabajo con un resultado final por encima del resto de sus compañeros. 

Tanto visual como musicalmente es un fruto de la estética hortera de los 80 y de productos cinematográficos que tanto éxito tuvieron como por ejemplo la película Fama. Podríamos decir que es un intento de sucedáneo que derivo de esta misma película intentando conseguir un éxito semejante despertando el interés de un público que ya conocía y valoraba el precedente. 


Partiendo de este argumento y pudiendo saber que algunas historias están llenas de morbo y el espectador desea conocer que le pasa al personaje, el resto de la película se hace algo larga y pesada con números musicales que ya han quedado desfasados y con una opción estética (el escenario de un teatro) que es un acierto porque conserva el origen de la obra pero que a la vez, resulta algo aburrido si no se sabe utilizar. Sinceramente se le podría haber sacado mucho más partido y, si se hiciera un remake actual, seguramente todo esto cambiaría y se haría una obra mejorada y actualizada. Sin embargo, no estaría mal que le echarais un vistazo para saber de donde partimos y conocer como hemos llegado hasta donde estamos.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


miércoles, 13 de junio de 2012

CHICAGO



CHICAGO
de Rob Marshall


Reparto: Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones, Richard Gere, Queen Latifah, John C Reilly, Christine Baranski, Taye Diggs, Dominic West, Jayne Eastwood, Colm Feore, Lucy Liu. 
Año: 2002
País: EEUU y Alemania
Lengua: Inglés y Hungaro
Genero: Musical, Comedia y Crimen
Reconocimiento: Nominada a 13 Oscars ganando en Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto para Catherine Zeta-Jones, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Dirección Artística, Mejor Montaje y Mejor Sonido. Nominada a 8 Golden Globes ganando en Mejor Película de Comedia o Musical, Mejor Actriz de Comedia o Musical para Renée Zellweger y Mejor Actor de Comedia o Musical para Richard Gere. Nominada a 12 BAFTA ganando en Mejor Actriz de Reparto para Catherine Zeta-Jones y Mejor Sonido. Nominada a 2 Grammy ganando en Mejor Banda Sonora. 
Puntuación: «««««


Pura escena teatral con alma de musical se presenta en esta adaptación de uno de los clásicos de Broadway. En plena época del resurgir del genero, uno de los nombres más importantes en el mundo del teatro y el musical de New York, se ponía al frente de esta producción en la que realizó una fidelización muy precisa de la obra. Este nombre es el de Rob Marshall (seis veces nominado a los premios Tony del Teatro, nominado al Oscar y al Golden Globe y ganador de un Emmy) que sienta al espectador en su butaca y le invita a ver la pura esencia del teatro musical mediante un uso de la cámara mejorando las vistas del teatro que evita ver la cabeza del espectador de delante. Por otro lado, también hay que decir, que se pierde la mágia de la actuación en directo pese a que las vistas sean mejores y tanto técnica como artísticamente la calidad sea muy teatral. La historia se basa en dos mujeres en el corredor de la muerte que aspiran a la fama o a volver a los escenarios entre número musical y número musical.

Al frente del reparto se propusieron nombres importantes en el celuloide americano. Unos sabían cantar, bailar y actuar, otros venían del mundo de la música, otros nunca hubieramos imaginado que se atrevieran a cantar y bailar en un escenario y otros... simplemente sobran en el mundo del cine, de la musica, del baile, de la interpretación y, en general, sobran. Las dos protagonistas realizan un buen trabajo y hacen olvidar que fueron seleccionadas nada más por su nombre y para aportar algo de interés por el cartel. Se especulo mucho sobre que hacían nombres como el de Renée Zellweger o el de Catherine Zeta-Jones en el reparto pero, una vez visto el resultado, se entiende que se realizó un buen trabajo de casting aunque, evidentemente podría haber sido mejor si se hubieran seleccionado nombres importantes del mundo de la música. Un ejemplo en relación a esto es la película musical Dreamgirls que si arriesgo poniendo nombres semi-desconocidos al frente de un cartel que no hubiera podido ser otro que el que fue por la fuerza y profesionalidad musical que requerían los temas musicales. No se imagina a Zellweger interpretando "And I am telling you" como lo hizo Jennifer Hudson ni a Zeta-Jones interpretando "Listen" como lo hizo Beyoncé pero, a parte de un talento musical justo y necesario para sobrevivir, su colaboración resultó ser más que satisfactoria al final. Por otro lado muy diferente, tenemos a nuestro amigo Richard Gere del que también se especulo sobre su talento para el musical y del cual sabemos a día de hoy, que nunca debería haber hecho uso. Es un verdadero espanto verlo bailar y oírlo cantar si es que puede ser peor que verlo actuar. Además, por si fuera poco, repitió en el mundo del baile en la película ¿Shall we dance?, volviendo a deleitarnos con otra interpretación horrible y una peor contribución al mundo de la danza. Es como si, de repente, un agricultor se pasara al mundo de la pesca, contando que hiciera mal su trabajo de agricultor y sabiendo que lo hará aún peor en el mar... Algo totalmente surrealista seguir contando con nombres tan y tan malos en el mundo del cine. Por último, debemos comentar los casos de  Queen Latifah y John C Reilly. Ella es una de las grandes estrellas de la música negra aunque anda algo justa en interpretación (mundo en el que brilla en el genero de la comedia) y el es un actor que nunca podríamos haber imaginando cantando y bailando. Sin embargo, cada uno des de su terreno dominante, ofrece un buen trabajo con un resultado final creíble y agradable.

Es una buena película que, sin duda, gustará a todos aquellos que disfrutan acudiendo a los teatros y a los que sienten terrible aburrimiento por los musicales no pensamos que sea una de las peores opciones para poder ver.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


lunes, 11 de junio de 2012

TODAS LAS AZAFATAS VAN AL CIELO



TODAS LAS AZAFATAS VAN AL CIELO
de Daniel Burman


Reparto: Alfredo Casero, Ingrid Rubio, Emilio Disi, Norma Aleandro, Valentina Bassi, Kayne Di Pilato, Daniel Hendler, Verónica Llinás, Rodolfo Samsó.
Año: 2002
País: España y Argentina
Lengua: Castellano
Genero: Comedia y Drama
Reconocimiento: Poca cosa. 
Puntuación: «««««


Dos personas intentan desaparecer del mundo pues sienten una gran depresión en sus adentros y no encuentran sentido a sus vidas actuales. Él es un hombre recientemente viudo que lleva las cenizas de su mujer para arrojarlas al fin del mundo: la Patagonia Argentina, tierra del fuego. Ella es una azafata de vuelo embarazada de un hombre que no conoce y que vuela en el mismo avión que él. Las razones de la depresión de los protagonistas se mueven entre la vida y la muerte y, entre estos tópicos se desarrollara toda la trama que acabará uniendo a los personajes al final. La verdad es que es una idea original, situada en un paraje extraordinario pero que pierde todo el sentido con el amor de los protagonistas pues, se supone que sienten que deben suicidares pero, en vez de esto, acaban enamorados y cambiando su opinión en menos de 5 minutos. Aunque la vida pueda ser algo surrealista a veces, el giro emocional de los personajes es demasiado drástico y repentino, lo cuál acaba por hacer perder credibilidad a la trama y a la construcción de los personajes.

Daniel Burman, ha sido llamado el nuevo espíritu del cine Argentino y ha sido reconocido internacionalmente por sus trabajos. No es un nombre público ni comercial pero destaca notoriamente en el cine independiente con verdadera alma. Sus películas están cargadas de emoción y mantienen una base realista y natural importante. Pese que en esta ocasión el manejo de los personajes en el guión se le haya ido algo de las manos, se mantiene la idea de partir de situaciones reales y cotidianas y esto acerca la película al espectador pues el sentimiento de aproximación es más que el que podamos sentir con otros productos comerciales. Entre el reparto hay que destacar a Ingrid Rubio, que abandona el catalán y sus interpretaciones sosas y forzadas en las telenovelas de TV3, para pasar a hablar en argentino y aportar un trabajo serio y bien planteado. Como no, también hay que mendionar a uno de los nombres más destacados de la pantalla argentina como es el de Norma Aleandro. se la ha reconocido como una de las actirzes del país más importantes y como una celebridad a nivel internacional. Es una de aquellas dotadas de un ritmo ágil y hábil para la comedia y de una emoción y sentimiento especial para el drama. Es una de esas todoterreno que pisa fuerte por donde va, sea asfalto, tierra, fango o arena. Aunque su interpretación en la película es de apenas 10 minutos, su presencia en escena es importante y solida. Más adelante estaremos encantados de presentar más trabajos de esta maravilla de actriz. 

Técnicamente, la película, ofrece una buena fotografía del paraje en el que se sitúa la historia a pesar de que, de haber contado con un presupuesto como el de las películas de Hollywood, nos podríamos haber deleitado de este paraje infinitamente mejor. La banda sonora de la película es algo extraña y esta protagonizada por Raffaella Carrà... con esto se dice todo. 

Es una película que se puede ver fácilmente pese a los errores de guión en los personajes y pese a escuchar a Carrà cantando sus interminables éxitos entre la trama. No recomendaríamos a nadie que no esté acostumbrado al cine independiente que empiece por aquí, pues nunca seguirá en el camino. 



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


sábado, 9 de junio de 2012

EL POLAQUITO



EL POLAQUITO
de Juan Carlos Desanzo


Reparto: Abel Ayala, Marina Glezer, Fabián Arenillas, Fernando Roa, Rolly Serrano, Darío Levy. 
Año: 2003
País: Argentina
Lengua: Castellano
Genero: Drama
Reconocimiento: Nominada a 11 Cóndor de Plata ganando el premio a la Mejor Actriz para Marina Glezer y a la Mejor Fotografía. 
Puntuación: «««««


Un joven muchacho se pasea por los vagones de los trenes que salen y llegan de la estación central de Buenos Aires cantando tangos antiguos para recoger algo de dinero. Este es su modo de vida, su trabajo, su supervivencia... El joven cantante se enamora de una joven prostituta y, a partir de este momento, empieza una lucha interna en el personaje por saber cuál es el sentido de su vida, cuáles son sus ambiciones, cuál es su futuro... Esta lucha interna se empezará a rebelar contra todos los obstáculos que se va a ir encontrando el personaje y contra todos los poderes y normas establecidos. Sin más apoyo que él mismo, el final esta escrito.

La historia es algo verdaderamente realista que se acentúa debido a que parte del reparto ha vivido experiencias parecidas a las que se proponen en la película. Eso si, con final más feliz. Abel Ayala, debutó en este film con tan solo 14 años. Después de esto, lo más conocido ha sido su intervención en El Baile de la Victoria, con un personajes que podríamos definir como hermano del que hoy presentamos. Por esto mismo, su carrera ha carecido de diversidad alguna, por el momento, pero es alguien carismático, con un buen ritmo cómico y con un gran potencial dentro del cinte Argentino. La resta del reparto comparte calidad con el protagonista y contribuye a crear un resultado inmejorable. Técnicamente, se transmite la idea claustrofóbica del personaje con un uso disminuido de la iluminación en los momentos cumbre y una imagen nítida en los momentos de liberación.

La película es una producción simple que mantiene el buen nombre del cine argentino en el que podemos encortar verdaderas joyas visuales, grandes comedias, dramas realmente buenos y una calidad interpretativa elevada. Recomendamos la película de hoy y, en general, que la gente empiece a ver y a valorar el cine sudamericano que parte de una base excelente superior a los productos comerciales de la gran empresa de sueños y mundos mágicos de EEUU.


Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


jueves, 7 de junio de 2012

MIRROR MIRROR



MIRROR MIRROR
de Tarsem Singh


Reparto: Julia Roberts, Lily Collins, Armie Hammer, Nathan Lane, Jordan Prentice, Mark Povinelli, Joe Gnoffo, Danny Woodburn, Sebastian Saraceno, Martin Klebba, Ronald Lee Clark, Mare Winningham, Sean Bean.
Año: 2012
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Fantasía y Aventura
Reconocimiento: De momento nada. 
Puntuación: «««««


Anteriormente... en Paraula Viva: comentamos la adaptación del cuento de Blancanieves que se acaba de estrenar con Charlize Theron y Kristen Stewart (Blancanieves y la leyenda del cazador). Hoy nos ocupamos de una adaptación precedente a esta que se estrenó solo con 4 meses de diferencia. Son dos proyectos con un tema común pero sin nada que ver el uno del otro. Asimismo, tampoco tienen nada que ver estas dos adaptaciones modernas con  el clásico Disney que fue el primer largometraje de la compañía.

En esta ocasión, se presenta una mezcla insostenible de estilos bajo un mismo denominador: un estilo muy hortera y pasado de moda que provoca una repulsión importante del espectador hacia lo que se está proyectando. Trajes pomposos, pelucas casposas, interpretaciones forzadas, números de Bollywood... son algo que se hace común en la película y que no se acaba de entender muy bien quién fue la mente enfermiza y artificiosa que propuso tales aberraciones. Julia Roberts, que ya tiene experiencia encarnando a personajes de cuentos con Hook donde interpretó a la Campanilla de Peter Pan, se mete en la piel de la madrastra e intenta, a la vez, dar miedo y ser graciosa. Una mezcla que difícilmente puede sobrevivir en un mismo personaje. El resultado es algo indefinido y abstracto, superado por la interpretación del dibujo animado de Disney. En cuanto a la pequeña Blancanieves, se vuelve a apostar por una imagen más fuerte y modernizada del referente que tenemos de la tierna princesita. Sin embargo, vuelve a caer en otra mala interpretación por parte de Lily Collins y su sonrisa permanente. Si bien Stewart es inexpresiva, esta vez se pretende exagerar todo de manera demasiado notoria.

Una curiosidad que nos surge al ver las dos películas es de donde han sacado a 14 enanos diferentes para los enanitos de las películas. De hecho, tener una característica física distintiva en el mundo del cine, reduce mucho las posibilidades de trabajo, como en este caso o como en tantos otros. Otro bastante comentado fue el caso de Pablo Pineda que ganó la Concha de Plata al Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián por Yo, También. Es un hombre con Síndrome de Down, diplomado en Magisterio y Licenciado en Pedagogía, que tubo su inclusión en el mundo de la interpretación pero que nada más se ha sabido de él.

En esta nueva moda de adaptación de cuentos infantiles para cine y televisión, podríamos decir que esta película esta dentro del mismo saco que la Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton y muy alejada de las recientes Caperucita y Blancanieves, ya comentadas.  Habiendo hablado del desastre visual que supone esta película, del destare interpretativo que se reunió y de un relativo fracaso de taquilla y crítica, podemos afirmar que no merece la pena buscar la película para verla. Como siempre decimos, hay que verlo todo en el mundo del cine pero, si es malo, solo se debe ver si se presenta por casualidad.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!


martes, 5 de junio de 2012

SNOW WHITE AND THE HUNTSMAN



SNOW WHITE AND THE HUNTSMAN
BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR
de Rupert Sanders


Reparto: Kristen Stewart, Charlize Theron, Chris Hemsworth, Sam Claflin, Sam Spruell, Ian McShane, Eddie Izzard, Bob Hoskins, Toby Jones, Eddie Marsan, Stephen Graham, Ray Winstone, Nick Frost.
Año: 2012
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Fantasía y Aventura
Reconocimiento: De momento nada pero seguro que pescará algo en las categorías de Efectos Visuales, Vestuario, Maquillaje y Peluquería. 
Puntuación: «««««


Como ya dijimos hace unos días en la adaptación cinematográfica de Caperucita Roja (Red Riding Hood) se ha puesto de moda adaptar los clásicos cuentos infantiles a la gran pantalla. Tal es así que, en un mismo año, se han estrenado 2 versiones diferentes de Blancanieves. La segunda en orden cronológico, es esta que hoy presentamos y la primera, la presentaremos en unos días para hacer la comparación entre las dos propuestas. Sin duda, nada tienen que ver la una con la otra ni tampoco con el clásico de Disney que todos tenemos en mente.

La de hoy es una propuesta elegante, visualmente bien construida, adulta, modernizada... que permite entretener tanto a un público infantil como adolescente como adulto a la misma vez. Como dijimos, este es el objetivo principal de estas adaptaciones de cuentos: el poder llegar a un público más amplio y no solo al infantil. Se presentan unos personajes con un trabajo bien perfilado que explica el porqué se comportan de la manera que lo hacen. Charlize Theron, es sin duda la más destacada dentro del reparto. Encarna a una madrastra ambiciosa, con poder mágico sobre la realidad, con deseos, con un pasado atormentado y con un trastorno de la imagen que la hace actuar de la manera que lo hace. Es un personaje tremendamente bien construido tanto físicamente como patológicamente. El trabajo del guión en ella es uno de los mejores que se ha visto en tiempo dando todas las explicaciones necesarias para entender al personaje. Visualmente también es un logro importante en relación a la clásica imagen de la madrastra de Disney e, interpretativamente, es otro gran logro de la actriz y el director. De esta manera, el personaje de Theron, se convierte en protagonista y se eleva por encima de la propia figura de Blancanieves. Sí hay un punto en común entre las tres madrastras de las tres propuestas que estamos barajando, y es, la imagen del ave como elemento representativo de la imagen personal de la Madrastra. Si en las otras dos versiones se perciben plumas de Pavo Real en los tronos (y nadie puede negar que la madrastra de Disney iba disfrazada con un vestido de Pavo Real), esta vez se apuesta por un referente más fuerte como es el cuervo para oscurecer la imagen de la antagonista. Por otro lado, Kristen "inexpresiva" Stewart (como algunos la apodan), es la joven Blancanieves, muy influenciada por los movimientos feministas modernos ya que su propuesta sale de la fuerza y la lucha del personaje que no se resigna a morder la manzana y a esperar el beso del príncipe azul. Su lucha es activa contra sus problemas y esto otorga un punto de modernidad a la esencia global de la película. Por otro lado, se vuelve a repetir la fórmula de Caperucita Roja al contar con dos posibles amores para la protagonista. Esto vuelve a tener clara influencia de los movimientos liberadores de la mujer como figura dentro de una sociedad que cada vez juzga con menos prejuicios a una mujer entre dos hombres. De esta manera tenemos a dos personajes femeninos muy potentes centrados en los problemas y en la imagen de la mujer actual real: trastornos de imagen, poder, ambición, nobleza, fuerza, fidelidad...

Sin duda, por lo que más destaca la película es por los efectos visuales y toda la dirección artística de la película. Una buena presentación de los personajes con un buen vestuario, maquillaje y peluquería es otro de los puntos que se debe destacar.

Es una buena adaptación, con toques épicos, del clásico cuento infantil que todos conocemos y sin duda la mejor propuesta de las dos que vamos a presentar. Se ha conseguido reunir diferentes elementos que provocan que la gente se avalanche hacia las salas de cine: un reparto conocido (que no siempre resulta con las mejores actuaciones), toques épicos y legendarios, un gran poder visual presentado y resumido todo en el thrailer de la película y este juego de querer readaptar algo que todos ya conocemos.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!


domingo, 3 de junio de 2012

THE BONE COLLECTOR



THE BONE COLLECTOR
EL COLECIONISTA DE HUESOS
de Phillip Noyce


Reparto: Denzel Washington, Angelina Jolie, Queen Latifah, Michael Rooker, Luis Guzmán, Leland Orser, John Benjamin Hickey, Bobby Cannavale, Ed O'Neill. 
Año: 1999
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Thriller, Crimen y Misterio
Reconocimiento: Poca cosa.
Puntuación: «««««


Thrillers de intriga con el epicentro en un asesino en serie que juega con la policía hay bastantes dentro de la filmografía mundial y, en especial, en la filmografía americana. En el blog ya hemos comentado algunos ejemplos como son Seven y Zodiac. Estas dos películas, junto con la que hoy nos ocupa, tienen en común esta estrategia de presentar diferentes casos de asesinato que están relacionados y que, su autor, resulta ser un perturbado mental que juega con los cuerpos de la policía (la mayoría de las veces policía neoyorkina). En este caso, y por destacarla de la resta, el elemento distintivo es que el principal cerebro del cuerpo de policía es un hombre tetraplegico que dirige a una joven y guapa policia sin experiencia pero que demuestra un talento especial para las tareas de investigación. A parte de esto, la trama esta bastante usada en cine, aunque sigue dando buenos resultados en taquilla y en acogida general. Por otro lado, esta previsibilidad del genero (que siempre acaba en final feliz) no convence tanto a la crítica.

Denzel Washington es el hombre postrado en cama capacitado de llevar las claves de un complejo caso. El actor destaca habitualmente en el genero Thriller/Acción donde ha conseguido su mayor reconocimiento. El papel que interpreta en esta ocasión es algo complicado de enfocar por toda la frustración y agotamiento psicológico que debe aportar al personaje. No lo consiguió reflejar del mismo modo que lo hizo Javier Bardem en Mar Adentro, pero esto tampoco era el tema principal de la película. La inesperada ayudante de este expolicia postrado en cama es Angelina Jolie que demuestra sus dotes interpretativas y resuelve todas las dudas que la acusan como mala actriz. Realmente tiene un problema con el maquillaje, pues, en el momento en el que se pinta los labios para resaltar su belleza y pasa a interpretar a una mujer con características físicas por encima de emocionales, pierde completamente toda su credibilidad, perdida normalmente relacionada con un papel nefasto y un guión que nunca debería haber salido a la luz pública. Queen Latifah es la tercera protagonista de la historia con un rol más profundo que el que presentó en The secret life of bees pero que nunca podrá superar a su don natural para la comedia como demostró en Se montó la gorda, por ejemplo. Es una de esas personas que realmente tienen algo especial para la comedia: un tono ligero y ágil que dmuestran de manera natural en pantalla. Otro referente especial con este talento es Regina Hall (Scary Movie) y desearimeos que algun productor apostara por realizar una verdadera comedia con las dos estrellas en cartel.

La película es un thriller bien logrado pero nada destacable de la resta de películas dentro del genero. Cuenta con un guión bien planteado (dentro de la obviedad que ya hemos comentado), buenas interpretaciones (al menos mejores de lo que estamos acostumbrados a ver de los actores), una dirección aceptable... 



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!




viernes, 1 de junio de 2012

THE DEVIL'S ADVOCATE



THE DEVIL'S ADVOCATE
PACTAR CON EL DIABLO
de Taylor Hackford


Reparto: Keanu Reeves, Al Pacino, Charlize Theron, Jeffrey Jones, Judith Ivey, Connie Nielsen, Craig T Nelson, Tamara Tunie, Ruben Santiago-Hudson, Debra Monk.
Año: 1997
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Thriller y Misterio
Reconocimiento: 4 nominaciónes a los Saturn Awards ganando en Mejor Película de Horror. 
Puntuación: «««««



Los caminos del bien y el mal son fácilmente confundibles y no siempre estan tan diferenciados. De vez en cuando, lo que es bueno para uno mismo, se convierte en perjudicial para los que nos rodean y a la inversa. No hay una única pauta a seguir que determine donde esta la frontera entre lo negro y lo blanco, el infierno o el cielo o la bondad y la maldad. La película parte de estas premisas y presenta un entramado elegante que se mueve en estos terrenos.  Un abogado es capaz de ganar cualquier caso gracias a su excelente trabajo. Incluso es capaz de salvar a reales criminales con todas las pruebas en su contra. Su habilidad es extremadamente notoria y pronto empieza a ascender. Lo que es bueno para él, pronto se convertirá en algo horrible para su mujer y para el resto de la sociedad pues deberá invertir gran parte de su tiempo a su carrera para poder salvar a verdaderos criminales que serán puestos en libertad gracias a su habilidad. 

Al Pacino en el papel de Demoio (sin ser de color rojo y sin tener rabo y patas de chivo) hace uno de los mejores monólogos de la historia del cine. Su interpretación sádica, maliciosa y maciabélica siempre será recordada por todos los matices que aporta, tal y como demanda un personaje tan complejo como al que se enfrentó. Realmente no se podría haber escogido a otro para el papel pues se le ha reconocido como uno de los mejores actores de nuestro tiempo y precisamente se necesitava a un talento prodigioso para esta ocasión. Por otro lado, Keanu Rives, que en ocasiones ha llegado a defraudar en los papeles de caballero en las comedias-dramas románticos en los que ha podido participar, vuelve a trabajar adecuadamente, en parte, grácias al reparto que le acompaña. La tercera en el trio protagonista es Charlize Theron que nunca ha defraudado y siempre ha garantizado un nivel extraordinario. Lleva a la pantalla una mujer con infinidad de matices y transiciones que la transforman a lo largo del film. A parte de una calidad interpretativa excelente, cabe destacar un trabajo impresionante en los demás aspectos, tanto técnicos como artísticos, de la película. Un guión bien trabajado que profundiza en los personajes, una dirección bien resuelta, un nivel técnico y visual muy bueno (para la época que era)… La película es una maravilla en todos los aspectos en que se presenta. Técnicamente, cabe destacar la puerta del infierno que se presenta en el fondo de las escenas finales. Un detalle muy bien logrado y técnicamente bien conseguido. 

La película fue un éxito, no muy exagerado, en taquilla y crítica y, al pasar los años, ha sido una película que se ha mantenido en nuestro recuerdo y que aún sigue llamando la atención de los espectadores. Es una muy buena elección para disfrutarla.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


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