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martes, 31 de enero de 2012

WAR HORSE



WAR HORSE
de Steven Spielberg



Reparto: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, Niels Arestrup, David Thewlis, Tom Hiddleston, Benedict Cumberbatch, Celine Buckens, David Kross, Matt Milne, Robert Emms, Eddie Marsan.
Año: 2011
País: EEUU
Lengua: Inglés y Alemán
Genero: Drama y Historica
Reconocimiento: 6 nominaciónes a los Oscar (alguno caerá seguro). 5 nominaciónes a los BAFTA. 2 nominaciónes a los Golden Globes. 
Puntuación: «««««



Steven Spielberg ha trabajado con aliens, robots, dinosaurios, dibujos animados, tiburones, arañas, personajes de ficción, fantasmas... y esta vez recupera un cuento infantil sobre un caballo durante la I Guerra Mundial. En la película se cuenta como este caballo va pasando de mano en mano por diferentes dueños hasta volver con al principio, con el dueño que le crió y creyó en él. La trama parece simple, clásica y muy infantil, pero esta contada con magestría y con una sensibilidad especial. Lo que no es nuevo en el director es tratar el tema de la Guerra como recurso para ambientar sus obras y normalmente la ha dado buenos resultados. 


El cartel esta encabezado por algunos nombres desconocidos y por otros nombres consagrados. Para el protagonista se eligió a Jeremy Irvine después de pensar en otros posibles candidatos. La verdad es que hace un buen trabajo y se muestra natural en las escenas que debe interactuar con el caballo aunque, por culpa del guión, su personaje es un poco repelente e insufrible más cercano a los personajes infantiles que a la realidad. También cabe destacar otro nombre desconocido que seguro aportará grandes trabajos, sobretodo en el genero de la comedia: Matt Milne. Tiene un rostro muy expresivo y sabe seguir el ritmo cómico en pantalla, por lo que seguro le veremos pronto como secundario en diferentes títulos. Por otro lado están las estrellas consagradas como Peter Mullan, Emily Watson, David Thewlis... que han sabido aportar sus años de experiencia a sus trabajos acabando de completar el buen resultado final del elenco. Por último también hemos de destacar el trabajo que se hizo con los caballos que también forman parte del elenco de actores y a los cuales se les ha dotado de sentimientos muy humanos siguiendo con la linea infantil de la que nace la película. El entrenamineto al que se sometieron y los días de rodaje seguro que fueron exhaustos para ellos también y, al igual que muchos otros animales que han participado en películas (otro reciente es el perro de The Artist), nunca se les es reconocido. 

Cabe destacar el trabajo de dirección y producción artistica de la película. Son premiso que sonaran para esta película y seguro que en algún festival le son otorgados, aunque tendrá que verse las caras, precisamente, con el perro de The Artist

Es una historia fácil de ver, un poco larga, y a la que se puede llevar a los niños para que aprendan algo de historia mientras ven la odisea de este caballo de guerra.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


lunes, 30 de enero de 2012

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN



WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN
de Lynne Ramsay


Reparto:  Tilda Swinton, Ezra Miller, John C Reilly, Ashley Gerasimovich, Jasper Newell, Rock Duer, Siobhan Fallon y Alex Manette.
Año: 2011
País: Reino Unido y EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Drama y Thriller
Reconocimiento: Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Mejor Actriz para Tilda Swinton en los European Film Awards. 1 Nominación a los Golden Globes. Nominada a 4 Australian Film Institute. Nominada a 3 BAFTA.  6 nominaciones a los British Independent Film Awards.
Puntuación: «««««


¿Por que una película como esta se queda fuera de los Oscar? Es una de las mejores películas de 2011 y no entendemos que se queden fuera este tipo películas con un presupuesto limitado y con una repercusión en taquilla mínima más dentro del cine independiente. Hay otros certámenes que apoyan el cine independiente, pero unos premios como los Oscar deberían abarcar un aspecto más amplio del cine o se podrían crear unos premios con el mismo reconocimiento internacional y que hiciera este ejercicio. De todas maneras, muchos han sido los afectados de este año en unas nominaciónes que parecían seguras. Por otro lado, tanto las nominaciónes como los premios nunca han sido una sorpresa y este año tampoco lo será partiendo de la lista de nominados. Siempre ha parecido que las candidaturas están más centradas en los beneficios que en el nivel cualitativo de las obras por lo que defendemos la idea de que aparezcan unos premios que puedan llegar a realizar un ejercicio extremadamente profundo del cine a nivel mundial. Soñadores.

Basada en una novela de Lionel Shriver, se presenta una historia contada a partir de las consecuencias de unos actos que no se visualizan hasta el final y a partir de flashbacks que cuentan el porque de estas acciones. Finalmente se descubre lo que pasa en realidad y el porque de estas consecuencias que se representan. Este es uno de los ejercicios que más nos gustan: ir descubriendo, poco a poco, porque los personajes actúan como lo hacen y porque se muestran de esta manera. A ello contribuyen las interpretaciones de Tilda Swinton y Ezra Miller que han realizado uno de los mejores trabajos de este año. Sobre Swinton ya sabemos que es uno de los rostros más expresivos del panorama cinematográfico actual y que se desenvuelve bien en diferentes géneros de cine. Es una actriz solvente a nivel europeo e internacional.  Por otro lado encontramos a este joven que descubrimos en esta película y que, pese a ser llamado un nuevo chico malo de Hollywood por sus prematuros problemas con las drogas, se perfila también como un gran actor alejándose de otros chicos malos como Colin Farrell y pareciendose más a Heath Ledger (esperemos que no como su final).

El trabajo técnico que se realiza en la película es espectacular dominando la cámara para mantener las incógnitas de los hechos acontecidos e incluso de los pequeños detalles como son la herida en el ojo de la hermana pequeña. Es un buen trabajo de dirección sustentado por un guión bastante bueno. Seguramente los que han leído la novela piensan algo distinto pero siempre es difícil y arriesgado ver una película de un libro que has leído, como también lo es hacer la adaptación cinematográfica.




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domingo, 29 de enero de 2012

BAIT



BAIT
de Antoine Faqua


Reparto: Jamie Foxx, Doug Hutchison, David Morse, Kimberly Elise, David Paymer, Mike Epps, Jamie Kennedy, Nestor Serrano , Kirk Acevedo, Jeffrey Donovan, Megan Dodds y Robert Pastorelli.
Año: 2000
País: Canadá, Australia y EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Comedia y Crimen
Reconocimiento: Nada
Puntuación: «««««


Una historia de crimen con toques de humor algo simples, presentan a un personaje que es utilizado por la policía neoyorkina para dar caza a un criminal. La técnica que se emplea es un implante en la mandíbula del infiltrado que aporta los pocos momentos cómicos de la película. Sin que el infiltrado sepa nada, encabezará una persecución oculta para dar con el agresor. Navegando entre dos mares tan distantes como son la acción criminal y la comedia, la película no acaba de brillar en ninguno de ellos y hace que todo acabe cayendo sin que se sustente en nada solido.

Encabeza el cartel un Jamie Foxx en su etapa más temprana, cuando aún no había maravillado a la crítica y a los espectadores por su trabajo en Ray. De hecho su trabajo aún estaba algo lejos de parecerse al que perfiló 4 años más tarde o puede ser que el genero de la comedia no sea su terreno dominante. Sin duda no lo es. El papel, que hubiera caído bien en manos de Eddy Murphy, por ejemplo, ha de ser interpretado por alguien con un ritmo más agil que se a capaz de defenderse en escenas cómicas y de acción. Por otro lado, destaca Doug Hutchison que interpreta al escurridizo ladrón y asesino. El sadismo y la expresión maníaca en su cara son paralizantes y realmente encarna a un personaje que parece duro psíquicamente. El director de la película, Antoine Faqua, ha contado siempre con un reparto bastante notable (en cuanto a reclamo publicitario) en sus películas pero, en pocas ocasiones ha conseguido elogios ni en taquilla ni en critica. Esta relacionado en películas en genero de acción, pero nunca ha sabido encontrar la mejor manera para contar las tramas y, a lo mejor, mucha culpa de ello la tenga el guión. En esta ocasión no sabemos si intentaba llegar a algún lado con esta película,que parece un telefilm de sábado tarde, pero la perdida de 35 millones de dólares en taquilla le undió sus posibles planes. 

Si la encontráis un fin de semana por la tarde os ayudará a coger el sueño poco a poco y poco más. A lo mejor hay alguien que logra llegar hasta el final, pero no será cautivado por la incertidumbre de conocer el final.



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sábado, 28 de enero de 2012

DAWN OF THE DEAD



DAWN OF THE DEAD
de Zack Snyder


Reparto: Sarah Polley, Ving Rhames, Jake Weber, Kervin Zegers, Lindy Booth, Mekhi Phifer, Ty Burrell, Michael Kelly, Michael Barry, Kim Poirier y Inna Korobkina.
Año: 2004
País: EEUU, Canadá, Japón y Francia
Lengua: Inglés
Genero: Terror
Reconocimiento: Nominada a 2 Saturn Awards. 
Puntuación: «««««


Un remake de la película de 1978 de George A Romero presenta otra historia de zombis transformados en ello tras una plaga infecciosa transmitida por la sangre. La presentación de estos "muertos vivientes" es la misma que en 28 días después, esta vez persiguiendo a un grupo de personas no infectadas que se refugian en un centro comercial. Con esta nueva película se volvió a abrir el debate de si el cambio que estaba sucediendo para pasar del zombi lento, afectado por el rigor mortis que paralizaba la musculatura y provocaba esta lentitud en el personaje, al zombi rápido, es un acierto original o un fallo en la construcción científica de los personajes. Hay que decir que, gracias a este cambio en la velocidad de los malvados, las películas del genero se han vuelto más ágiles y han cambiado la imagen de los atacantes a una imagen más agresiva y violenta. En cuanto al rigor científico hay que decir que esta clase de individuos no son zombis de verdad, son sujetos que han estado infectados por un virus y que se han transformado en lo que presentan, por lo que se permite menospreciar a aquellos puristas que ven escandalosa la velocidad de estos. De esta manera vemos como en este remake, se cambia la imagen de los zombis a las corrientes actuales y permite presentar esta imagen de más acción, en contra de la imagen original que se proporcionaba en 1978.

Una de las principales diferencias, a parte de la velocidad de los atacantes, respecto a la presentación original es la perdida de sentido metafórico respecto al espacio que encierra a los supervivientes. En su predecesora, se utilizaba el centro comercial para hacer una critica a la sociedad de consumo, critica que se pierde 26 años más tarde donde este espacio pasa a ser un casual en el desarrollo de la trama. Realmente, poder aprovechar el espacio para introducir nuevos elementos reflexivos que no dependen directamente de las interpretaciones o del guión, es algo maestro que pocas veces se puede lograr. Junto a esto, encontramos algún otro error de guión que entorpece algo la trama y hace algo increíbles determinadas situaciones que se ven forzadas a representarse así por la continuidad de la trama. Un ejemplo claro es la variabilidad de tiempo en que se tarda en convertirse en zombi: unos tardan minutos y otros días enteros...

Interpretativamente encontramos a Sarah Polley que, aunque también interpreta a una enfermera, presneta un perfil difernte que en La vida secreta de las palabras. En la producción española era narradora de los sucesos violentos y lograba, mediante su interpretación, hacer llegar las imágenes de lo sucedido. En esta ocasión es protagonista en primera persona y actúa para contar lo que está pasando en el presente. Sea como sea, suele convencer en su trabajo pese a que puede parecer algo fría en la ejecución. Esta acompañada por buenos secundarios que colaboran en el sentimiento de opresión en el recinto y en las tramas que se desarrollan a partir de esta historia. Por último, se cuenta con un número importante de extras con un trabajo de caracterización importante. Ver películas donde el papel del extra es tan importante siempre impresiona y se agradecen escenas como la de los zombis en la puerta del centro comercial, esperando a poder tener una oportunidad para atacar. Detrás de la camara, Zack Snyder, se ganó un nombre importante que aumento tras el éxito comercial 300. Después ha seguido trabajando como director, escritor, productor y en 2011 lanzó su primera película dominando estas tres facetas: Sucker Punch. Habrá que seguirle la pista, pues se perfila como un nombre importante en el genero de acción.




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viernes, 27 de enero de 2012

A STREETCAR NAMED DESIRE



A STREETCAR NAMED DESIRE
de Elia Kazan


Reparto: Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis y Peg Hillias. 
Año: 1951
País: EEUU
Lengua: Inglés y Español
Genero: Drama
Reconocimiento: Número 214 en el Top 250 de IMDB.12 nominaciónes a los Oscar ganando en Mejor Actriz para Vivien Leigh, Mejor Actor de Reparto para Karl Malden, Mejor Actriz de Reparto para Kim Hunter y Mejor dirección Artística. 2 nominaciónes a los Bafta ganando en Mejor Actriz para Vivien Leigh. 3 nominaciónes a los Golden Globes ganando en Mejor Actriz de Reparto para Kim Hunter. 2 Premios Especiales en los Premios Sant Jordi para el guionista y Vivian Leigh. 
Puntuación: «««««


Nunca antes habíamos entrado en el terreno del cine clásico y ya va siendo hora que, después de casi 6 meses de blog, vayan apareciendo algunos títulos destacados para conocer el origen del cine, saber de donde venimos y conocer hacia donde vamos. Siempre es un terreno en el que costará entrar ya que tenemos acostumbrada la retina a otro tipo de cine en el que los efectos visuales tienen un peso enorme en las producciones. De repente, entrar en Un tranvía llamado deseo, del año 1951, basada en una obra teatral de Tenessee Williams y con todo lo que acarrea hacer un adaptación cinematográfica de una producción teatral, puede resultar algo aburrido o incomodo para determinado tipo de público. Sin embargo, la película es una obra maestra tanto en las interpretaciones, que marcaron precedentes en el cine moderno, como en el propio cine.

El argumento sobre una chica pija que se muda a la casa de su hermana para convivir con esta y su rudo marido, ha sido eternamente representado sobre los escenarios y ha tenido diferentes guiños en pantalla. Pedro Almodóvar o incluso Los Simpson, tienen guiños de la obra en sus trayectorias, por lo que partimos de una trama que es prácticamente conocida por todos, pero, cuando realmente te sientas a ver la película original, descubres todos los matices que se aportan. Es un lenguaje puramente teatral encerrado entre 4 paredes. Todo el escenario contribuye a la desesperación de los personajes y al agobio en el que viven. Se puede notar el desorden, el olor, el calor del lugar... y además los personaje pueden transmitir sus emociones en su entorno. Este aspecto ha sido uno de los más elogiados de la película junto a la interpretación de Marlon Brando, que dicen, creo la nueva manera de interpretar introduciéndose en sus personajes en lugar de representarlos. De hecho, hay que ver la escena de la escalera para saber que es una transición bien hecha y como alguien puede contra de verdad una historia siendo el personaje y haciendo que el personaje hable a través de uno, en lugar de hablar por el personaje. Actor e interpretación, se funden para aportar excelencia a la estetica. La vida de Brando no contribuyo a que lograra sus objetivos, pero aún así, se ha mantenido como uno de los mejores actores de la historia del cine. Por otro lado encontramos a una Vivian Leigh más clásica que representa la vieja escuela de la interpretación. Su aportación también es excelente, pero, a lo mejor desentonaría un poco en una película de hoy en día. Era otra época y se trabajaba distinto.

Una obra imprescindible para que todo el mundo vea y, al contrario de lo que muchos puedan pensar, no se hace nada pesada ni aburrida, pues la trama esconde secretos, mentiras y misterios sobre los propios personajes y la llegada de esta mujer a un barrio de New Orleans. Que todo el mundo la vea.




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jueves, 26 de enero de 2012

FANTASTIC FOUR: RISE OF THE SILVER SURFER



FANTASTIC FOUR: RISE OF THE SILVER SURFER
de Tim Story


Reparto: Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans, Michael Chiklis, Julian McMahon, Doug Jones, Kerry Washington y Andre Braugher.
Año: 2007
País: EEUU, Alemania y Reino Unido
Lengua: Inglés, Japones, Chino y Arabe
Genero: Fantasía
Reconocimiento: Nominada a 1 Saturn Award. 1 nominación a 1 MTV Movie Awards. 2 nominaciónes a los Razzie Awards. 8 nominaciónes a los Teen Choice Awards.
Puntuación: «««««


Bonita aberración que no desagradó a critica y no consiguió malas recaudaciones en taquilla. Representa aquel fenómeno del que todo el mundo tiene un referente: aquella película que no te gusta nada pero que, sin embargo, no a tenido una acogida nefasta ni un hundimiento absoluto como te gustaría. Pese a esto, la película obtuvo 2 nominaciónes a los Razzie. La primera para Jessica Alba individualmente como Peor Actriz y otra para la pareja de "fantásticos" actores (Alba y Gruffudd) como Peor Pareja.

La trama no tiene gran interés y está llena de caras forzadas y movimientos revoloteadores por parte de sus protagonistas. Se perfila a los personajes de manera muy extremada y se les pone como polos totalmente forzados de la representación humana real. Esto no pasa, por ejemplo, en la saga de X-Men, por lo que no se puede culpar a los creadores del cómic, sino a los guionistas y actores que intervienen en esta adaptación cinematográfica. Nada más hace falta comprobar el cartel de las dos películas: se cambia a Halle Berry por Jessica Alba y a Hugh Jackman por Chris Evans... por lo que tampoco se puede llegar muy lejos. Una de las pocas cosas que se puede valorar positivamente de la película, son los planos aéreos que aporta, aunque sabemos que esto nada más es mérito de los 130 millones de dólares que costó la película.

Si alguien la quiere ver, no se lo vamos a negar, pero si entran en un profundo sueño o, peor aún, tienen un ataque nervioso de desesperación por no encontrar el mando para apagar la televisión, no dirán que no les hemos avisado. Hay películas de los cómics Marvel mucho mejores.



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miércoles, 25 de enero de 2012

NEDS, NON EDUCATED DELINQUENTS



NEDS, NON EDUCATED DELINQUENTS
de Peter Mullan


Reparto: Conor McCarron, Peter Mullan, Greg Forrest, Joe Szula, John Joe Hay, Gary Lewis, Mhairi Anderson, Richard Mack, Christopher Wallace, Marianna Palka, Steven Robertson y Linda Cuthbert.
Año: 2010
País: Reino Unido, Francia e Itália
Lengua: Inglés y Escocés
Genero: Drama
Reconocimiento: 5 nominaciónes a los BAFTA Escoceses ganando en Mejor Director y Mejor Guión. Concha de Oro a la Mejor Película y Concha de Plata al Mejor Actor para Conor McCarron. 
Puntuación: «««««


¿Esta mal pegar a un profesor? ¿Se debe expulsar a un alumno por hacerlo? Qué es mejor ¿dar el caso por perdido y no volver a tomar parte en su recuperación? Este es uno de los planteamientos de esta película escocesa que pone como protagonista a un perfecto estudiante, ambicioso en los estudios y centrado en su futuro, pese a tener un núcleo familiar desestructurado. Poco a poco, este núcleo afecta cada vez más al muchacho y nadie hace nada para poder evitar su destino. Si se porta mal, unos latigazos en las manos son suficientes. No cabe lugar para la reflexión ni tan siquiera para inducirla en los adolescentes que necesitan de este apoyo para desarrollarse. Este era el estilo que imperaba en los años 1960 en el sistema educativo. No sabemos como no se hecho a perder toda una generación de jóvenes que crecía con el terror y las amenazas como principal elemento educativo. A lo mejor, lo único que se puede aprender así es a utilizar la violencia para hacerse valer. 

La película esa llena de sutiles matices que cuentan los pensamientos y sentimientos del joven como por ejemplo: la cuerda de los columpios, que es cada vez más corta al girar sobre el larguero, representando como su futuro se acorta y desvanece cada vez más y más hasta que el columpio deja de girar sobre si mismo y queda estancado y enmarañado en el poste horizontal. El final de este niño, esta conducido por todo su alrededor y los sentimientos encontrados que alberga en su interior. Al final, cansado de luchar, se deja caer sobre su padre, al que tenia que matar por haberle proporcionado parte de su infelicidad. Como acabara este muchacho. Será recuperado por un sistema educativo vacío donde se margina a todo aquel que no destaca o no puede destacar y donde se castiga físicamente los errores de los alumnos. A lo mejor su destino esta escrito siguiendo los pasos de su padre: sin futuro, alcohólico, maltratador y creador de infelicidad para sus hijos. 

Muchos opinan que la interpretación de Muller como padre del protagonista, demuestra que su valía es más como director que como actor. Como director ha internado siempre aportar una mirada crítica a la sociedad mediante un protagonista joven y contar historias des de la sinceridad y el realismo. Con tan solo 3 títulos como tal, se le ha considerado mejor en este rol que en su faceta interpretativa, donde apenas ha destacado.  De todos modos, esta faceta en la que también interviene escribiendo sus propios guiones, no se le presenta nada mal y deseamos vuelva a situarse detrás de la cámara para presentar una nueva visión del mundo. 

Viva representación del cine europeo: critica, realista... y sin apenas repercusión mediática. Ojala algún día cambien las preferencias en las salas de cine y títulos realmente admirables sean considerados como tal. De momento aquí esta nuestra pequeña aportación. 



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martes, 24 de enero de 2012

THE GHOST WRITER



THE GHOST WRITER
de Roman Polanski


Reparto: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, 
Año: 2010
País: Francia, Alemania y Reino Unido
Lengua: Inglés
Genero: Thriller y Misterio
Reconocimiento: Nominada a 2 premios en la Berlinale ganando el Oso de Plata al Mejor Director. 7 nominaciónes a los Premios César de la Academia Francesa ganando en Mejor Director, Mejor Guión Adaptado y Mejor Música. 8 nominaciónes a los European Film Awards ganando en Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Diseño de Producción, Mejor Actor para Ewan McGregor y Mejor Música. Nominada como Mejor Película Extranjera al Cóndor de Plata. Nominada al Premi Gaudí como Mejor Película Europea. Nominada al Goya como Mejor Película Europea. 
Puntuación: «««««



El ex-primer ministro del Reino Unido desea continuar con su idea de publicar sus novelas y contrata a un escritor fantasma, después de que el primer escritor que ocupaba el cargo muriera en extrañas condiciones. El nuevo encargado de ordenar y embellecer un manuscrito que el propio político escribió, decide empezar a investigar la vida de su protagonista para poder aportar detalles al libro. Poco a poco empieza a descubrir que la muerte de su predecesor fue un asesinato, realizado precisamente por indagar en los mimos sitios que esta haciendo él. Poco a poco empieza a atar cabos mediante las pistas que va encontrando hasta que llega a la verdad. Una verdad que, evidentemente, es silenciada.

El guión esta basado en la novela de Robert Harris que, junto con Polanski, participó en la escritura de la adaptación cinematográfica. Inicialmente, esta pareja, tenia pensado llevar a las pantallas otra novela del escritor, Pompeii, presentándose el proyecto en el Festival de Cine de Cannes de 2007 como uno de los más caros de la historia del cine Europeo. Finalmente, a consecuencia de la vaga de actores, se cambió el proyecto por la adaptación de esta otra novela. A lo mejor, algún día, sorprenden retomando el proyecto inicial. El trabajo que ambos hicieron  fue uno de los más importantes en el terreno Europeo del año. Si vemos una clara diferencia entre esta clase de cine del director, con una trama espectacular, misterios que resolver y una gran presencia de la cámara como recurso artístico y técnico y entendemos como esto difiere bastante de la última aportación del director al mundo del cine. En Carange, todos estos elementos que aportan una mayor espectacularidad a la película se desnudan para presentar una obra simplista muy cercana al genero teatral, donde el mayor peso recae en los actores. Son dos vertientes que, por igual, domina el director, convirtiéndole en uno de los más solventes de la época. Lo único que se le podría recriminar es la falta de un rigor de identidad en su trayectoria, pese a que su obra ha sido reconocida como una de las más destacadas de esta ultima etapa del séptimo arte.

En los papeles principales, dos actores europeos representando a dos personajes del Reino Unido. El Irlandés encarna el Primer Ministro del País Inglés y su compañero Escocés es el encargado de representar a su escritor fantasma, responsable de las memorias. Pierce Brosnan, conocido por encarnar al agente 007 durante 7 años y por su polémico fin de contrato, nunca será recordado por nada más que no sea esta saga en la que participó. Sus intervenciones nunca han sido recordadas por nada más que por su movimiento sensual de cejas y sus caras de guaperas, posturas que le iban muy bien al agente coqueto, pero que no pueden ser puestas en todos los personajes por igual. De hecho dudamos si ha intentado interpretar un tipo diferente de personajes. Todos coinciden bastante en este perfil de chulitos guaperas donde él puede poner todo su encanto personal en ellos y todo su gusto por si mismo en sus personajes. Al menos esta es la imagen que dá. Por otro lado está Ewan McGregor que parece que ha tenido una última etapa más notable en el mercado Europeo, pero que también ha estado siempre involucrado en producciones estadounidenses con diferentes estilos y géneros. Si nos vais conociendo un poco, sabréis que preferimos su faceta en el cine europeo antes que aportaciones un podo inestables como en Los hombres que miraban fijamente a las cabras o I love you Phillip Morris, pero hay una clase de actores que prefieren el reconocimiento americano antes de realizar buenos trabajos, con menores éxitos, dentro del panorama comercial.

La película es excelente muy recomendada para todo tipo de públicos, sobretodo a aquellos que les guste el cine con misterios. El guión y la dirección son los elementos más destacados en contra de las interpretaciones principales (que podrían haber sido peores si se llega a contar con el reparto inicial donde Nicolas Cage hacia de escritor). Muy recomendada.




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lunes, 23 de enero de 2012

ZODIAC



ZODIAC 
de David Fincher


Reparto: Jack Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwars, Robert Downey Jr, Brian Cox, John Carroll Lynch, Chloë Sevigny
Año: 2007
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Thriller y Crimen
Reconocimiento: Nominada a 1 Saturn Award. Nominada a la Palme d'Or del Festival de Cine Internacional de Cannes. 
Puntuación: «««««


Al acabar de ver la película muchos se preguntarán si 2h 40min son necesarias para contar una historia de un asesino en serie que enviaba mensajes cifrados a la policía y se rió de ella ocultando su identidad para siempre. Nunca se supo quien fue Zodiac, uno de los personajes que más dolores de cabeza ocasionó al departamento de policía de Sant Francisco durante los 1960 y 1970. Es difícil concentrar todos los hechos ocurridos en una película de durada racional, pero todas las escenas en las que Gyllenhaal regira papeles se podrían haber acortado algo para lograr este objetivo que impide que el espectador se fusione con la butaca en la que queda postrado durante casi 3h.

Pese a la durada del guión, hay que decir que se hizo un buen trabajo de documentación y se nota que los actores entraron en la piel de sus personajes impregnándose de todo este trabajo documentativo. Como en otras películas del director (Seven, Panic Room...) se puede palpar el clima de tensión en la trama que se narra, acompañado por una banda sonora que acelera las pulsaciones en los momentos cumbre de la película. Sabe elegir bien sus trabajos, pese que recientemente acaba de estrenar una nueva versión de Los hombres que no amaban a las mujeres, tan solo 2 años después de la versión anterior. Hace pensar si realmente es necesario una nueva versión con tan poco tiempo de diferencia. ¿Tan poco le gustó su predecesora que se vio obligado a hacerlo él mismo? Lo comprobaremos en breves.

El cartel está protagonizado por Jack Gyllenhaal y su incansable cara de niño bueno con las cejas suspendidas hacia arriba. Realmente no ha destacado nunca por aportar nada nuevo al mundo de la interpretación y nunca debería salir del papel de niño maltratado, pero ni es un niño ni suele estar maltratado en sus películas, por lo que se hace difícil su credibilidad en otros papeles como por ejemplo en El Príncipe de Persia, o el ejemplo que hoy aportamos. Por otro lado encontramos a Robert Downey Jr, que parece interpretarse a si mismo en un papel lleno de autodestrucción alcohólica, y a Mark Ruffalo que aportan algo más de solvencia al resultado final de la película.

Como hemos dicho, eternamente larga, por lo que resultará algo aburrida en algún momento. Si se hubiera realizado el ejercicio de resumen que necesita, sería un thriller excelente.





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domingo, 22 de enero de 2012

BRIDESMAIDS



BRIDESMAIDS
de Paul Feig


Reparto: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey, Ellie Kemper, Chris O'Dowd, Jill Clayburgh, Jon Hamm, Rebel Wilson.
Año: 2011
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Comedia
Reconocimiento: Nominada a 2 Golden Globes. Nominada a 5 Teen Choice Awards. Nominada a 3 People's Choice Awards.
Puntuación: «««««


Puede parecer, por el genero, por el cartel, por el tráiler... una película de comedia americana tipo Resacón en las Vegas, y es que esta serie de películas de amigos borrachos que pierden el control han hecho mucho daño a la vista del espectador que, a lo mejor, es reticente a volver a sentarse delante de una propuesta que pueda parecerse al horror de este tipo de bromas. En este caso debemos dejar claro que esta es una película totalmente opuesta que se presenta con inteligencia y con momentos cómicos insuperables. Puede que sea una de las mejores comedias del año que nos dejó, aclamada por la crítica y con una insuperable acogida pública. La historia presenta a dos amigas que han de preparar la boda de una de ellas. Diferentes problemas en el proceso las distancian pero que nadie se asuste porque la historia acaba con final feliz.

Se presenta a una actriz que ha sido llamada la nueva cara del genero de comedia. La verdad es que su trabajo es insuperable y cuesta encontrar a otra homologa que, al menos, le llegue a la suela de los zapatos. Estamos acostumbrados a ver a Jennifer Aniston o Sarah Jessica Parker, encabezando este tipo de películas y cuando se presenta una oferta alternativa más solvente cuesta de creerlo y se evidencia una diferencia en el trabajo final entre las actrizes. Kristen Wiig ha trabajado en televisión, doblaje y cine dentro del genero de comedia, como ya la vimos de secundara en Ghost Town. Recordaremos su nombre porque seguro dará que hablar en un futuro. Además esta acompañada por un elenco, básicamente femenino pero en el que no falta el príncipe azul, que no esta a su misma altura debido a que el guión tampoco les ha favorecido demasiado. Si hay que destacar el trabajo de Melissa McCarthy y Rebel Wilson que protagonizan los mejores momentos de las tramas secundarias de la película y a las que tampoco hay que quitarles el ojo de encima. Nunca protagonizaran nada, debido a su aspecto y a la discriminación hollywoodiense, pero seguro que aportarán grandes papeles secundarios.

Una de las mejores películas del genero de comedia del año pasado. Debería estar nominada en los diferentes certámenes como tal, pero todos sabemos que estas nominaciónes recaen únicamente en los grandes dramas, así que seguramente, no podrá ser.



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sábado, 21 de enero de 2012

DIE WELLE



DIE WELLE
de Dennis Gansel


Reparto: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul, Jacob Matschenz, Cristina do Rego, Elyas M'Barek, Maximilian Vollmar, Max Mauff, Ferdinand Schmidt-Modrow
Año: 2008
País: Alemania
Lengua: Alemán
Genero: Drama
Reconocimiento: Nominada a 2 European Film Awards. Nominada a 4 German Film Awards ganando en Mejor Producción y Mejor Actor Secundario para Frederick Lau. 
Puntuación: «««««


Un experimento en una clase de política con alumnos de bachillerato acaba siendo todo un desastre y demuestra como, aún hoy, es posible caer en las garras de la manipulación social y de la dictadura. Este experimento, que fue llevado a cabo en la realidad por un profesor de historia en EEUU a mediados de los 1960, se realizo con gran minuciosidad y probó que es posible la vuelta del terror a las sociedades libres y democráticas que hoy día conocemos. Evidentemente, la película va más allá de los hechos que ocurrieron en la realidad y fantasea con un final más dramático y extremista que el que se vivió en aquel lugar concreto, pero esto aporta un grado de profundidad más a la obra y resulta totalmente creíble la reacción del adolescente que se acoge a la violencia como solución final. De hecho, hemos sido testigos, en más de una ocasión, como la realidad ha superado infinitamente la ficción y como películas tan duras como Elephant (una de las mejores películas del cine europeo actual) o We need to talk about Kevin, son también representativas de hechos similares.

Pese a su escaso reconocimiento en forma de galardones, la película se ha convertido en una de las más destacadas del país germano, representándolo a nivel internacional. A parte de las producciones basadas en el drama de la II Guerra mundial y de las infinitas colaboraciones con EEUU, la película ha sabido aportar una parte de su espíritu como país renovado y ha sabido realizar una buena crítica de él mismo y de las sociedades modernas de hoy día. Como hemos dicho, el guión, se basó en un experimento de un profesor de instituto que luegos se convirtió en novela y que más tarde paso a la gran pantalla con una buena adaptación de los hechos, pese a los deslices finales de la obra que le ayudan a aportar sentido como tal. El reparto fue minuciosamente elegido y adaptado, incluyendo personajes que en la novela no existieron, para lograr una crítica más profunda de los valores de la sociedad actual. Encabezandolo se encuentran nombres destacados del cine alemán y europeo como son Jürgen Vogel y Max Riemelt, siendo este último uno de los recursos usualmente utilizados por el director de la película. Sin duda, contar con actores adolescentes es una tarea difícil, pero en este caso se obtiene un buen resultado.

Una revisión bien realizada de la facilidad en la manipulación de las masas y un elemento a tener en cuenta para no caer en el engaño de parecer o pretender elevarse sobre un grupo determinado de la sociedad. Desempleo, pobreza, grupos sociales, identidades enfrontadas... son algunos de los detalles que hacen falta para que aparezca alguien y domine una sociedad entera, como ha pasado, esta pasando y podría volver a pasar, quién sabe si a nosotros mismos. No nos dejemos engañar por discursos populistas ni por engaños electoralistas. Nadie es superior a alguien. Tenemos tasas de inmigración elevadas, tenemos tasas de paro muy superiores a la media europea, ha habido recortes en garantías sociales... pero debemos pensar que no podemos perder la cohesión de grupo y no debemos caer en la facilidad de culpar a grupos determinados. Los que nos engañan y manipulas siempre han sido y serán los mismos. En nuestra reflexión esta el poder de dejarles hacerlo o de detenernos y saber con quién estamos lidiando.

Dedicamos la película a un público Alemán fiel que sigue el blog!




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!




viernes, 20 de enero de 2012

CHARLIE'S ANGELS



CHARLIE'S ANGELS
de McG


Reparto: Cameron Diaz, Drew Barrymore, Lucy Liu, Bill Murray, Kelly Lynch, Tim Curry, Crispin Glober, Matt LeBlanc, Luke Wilson, John Frosythe
Año: 2000
País: EEUU y Alemania
Lengua: Inglés, Alemán, Francés, Japonés y Cantones
Genero: Comedia y Acción
Reconocimiento: 3 nominaciónes a los Saturn Awards. 1 nominación a los Grammy (para la Banda Sonora).  6 nominaciónes a los MTV Movie Awards ganando en Mejor Secuencia de Baile para Cameron Diaz y Mejor Equipo.
Puntuación: «««««



Recuperando el espíritu de la serie televisiva de los años 70 se plantea una nueva trama detectivesca entre disfraces y acción para evitar que los malos maten a Charlie. Para encarnar a las tres ángeles se optó por tres de las mujeres más famosas del panorama estadounidenes, conservando los criterios de sexsimbols que se utilizaban para seleccionar a las actrices para la serie de televisión. El único que saltó des de la serie hasta la pantalla de cine fue John Frosythe como voz de Charlie.

El guión de la película es algo lento y predecible pero se enmascara por una producción bien realizada que distrae al espectador con efectos viduales, acción y paisajes comprometidos. La película costó 75 millones de dolares, recaudando casi 4 veces más que este presupuesto inicial. Sin duda resultó un éxito y, aunque tubo críticas mixtas, se apostó por realizar una segunda parte preservando el elenco principal. En cuanto a las chicas, hay que decir que siguen interpretando los papeles de su vida. Cameron Diaz, y su inseparable sonrisa blanca, seguía apostando por jóvenes ingenuas con gran sentido del humor, la novia perfecta para llevar a los deportes y mujer sexualmente dominante. Drew Barrymore, ex drogadicta y alcohólica des de los 9 hasta los 14 años, usualmente ha estado centrada en la comedia romántica, pero el papel de dura le resulta más cómodo. Por último, y de manera más destacada, Lucy Liu que destaca más en televisión y doblaje y que todavía debe descubrir el papel de su vida. Esta última ha estado bastante desaprovechada y merecería encontrar aquello que merece.

Sobre la película, poco más que añadir. Es una superproducción, agradable a la vista, pero con una trama superficial poco entretenida.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!



jueves, 19 de enero de 2012

THE DEVIL WEARS PRADA



THE DEVIL WEARS PRADA
de David Frankel


Reparto: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Simon Baker, Adrian Grenier, Tracie Thoms y Rich Sommer.
Año: 2006
País: EEUU
Lengua: Inglés 
Genero: Comedia 
Reconocimiento: 2 nominaciónes a los Oscar. 5 nominaciónes a los BAFTA. 3 nominaciónes a los Golden Globes ganando en Mejor Actriz de Comedia o Musical para Meryl Streep. 3 nominaciónes a los MTV Movie Awards. 
Puntuación: «««««



Resulta increíble como la cenicienta del siglo XXI sigue siendo una joven guapa, lista y con potencial cuando todos sabemos que una chica tipo Anne Hathaway tienen más facilidades aunque usen una talla 38 (gran pecado según los entendidos en moda de la película). Para este tipo de películas se deberían seleccionar actrices que representen el conjunto del genero femenino y encaje mejor en el perfil de chica normal. Basada en la novela de Lauren Weisberger, se presenta a esta pobre muchacha que es maltratada y humillada en su puesto de trabajo donde no tiene tiempo para relaciones sociales y cobra una miseria. Al final, cuando consigue superar todos los obstáculos (y por cortesía de la marca Hollywood), la chica decide que el camino correcto está al lado del amor de su vida y no en este trabajo al que tanto esfuerzo le ha costado adaptarse.

En esta comedia un poco surrealista, aunque se afirma que esta basada en la realidad (será en un mundo real muy alejada de la realidad de las personas normales), intervienen dos actrices que han realizado proyectos en diferentes géneros. Meryl Streep ha sabido compaginar, en su carrera, el drama, la comedia, la comedia americana, el thriller, el musical... y siempre ha conseguido realizar una buena aportación en cada uno de ellos. Como discípula suya que dice ser, Hathaway empezo en la factoría Disney interpretando a una princesa en su mundo de fantasía y amor de color rosa. Después paso a papeles secundarios con un tono más profundo y luego saltó a uno de los papeles que más éxito le han dado, su interpretación en Rachel Getting Married. Recuerda un poco el papel que interpreto Sandra Bullock en 28 días, actriz que también realiza estos impasos entre genero y genero. Es fácil, de tanto en tanto, realizar algún traspiés con este juego tan arriesgado y las tres son prueba de ello. Esta vez, las dos protagonistas intervienen en una comedia, a veces un poco negra, en la que el final es super feliz y cada uno aprende una lección muy importante sobre su vida y sus decisiones. Otra gran lección del cine moralista americano que apuntaremos en el cuaderno que guardamos en la mesilla de noche, junto a la Biblia.  

No hay que resaltar mucho más sobre la película. Si no fuera por tener el cartel y el equipo técnico que tiene, ni si quiera hubiera sido nombrada en ninguna parte y hubiera sido relegada al genero de sábado tarde. La fotografía y la dirección artística ayudan algo para no quemarla en la hoguera y en cuanto a la banda sonora, no podía faltar el Vogue de Madona.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



miércoles, 18 de enero de 2012

MIDNIGHT IN THE GARDEN OF GOOD AND EVIL



MIDNIGHT IN THE GARDEN OF GOOD AND EVIL
de Clint Eastwood



Reparto: John Cusack, Kevin Spacey, Jack Thompson, Irma P Hall, Alison Eastwood, Paul Hipp, Lady Chablis, Jude Law y Kim Hunter. 
Año: 1997
País: EEUU
Lengua: Inglés y Francés
Genero: Comedia y Crimen.
Reconocimiento: Nada importante.
Puntuación: «««««


Después de haber comentado Changeling y Million Dollar Baby, se presenta una nueva película del polifacético Eastwood. Menos taquillera y reconocida por crítica y publico, se desarrolla una historia sobre un crimen pasional que no verá su solución hasta el final de la obra. Entre toda esta intriga hay momentos muy cómicos protagonizados por Lady Chablis, personaje en que se basó la novela de John Berendt y que fue llevado a la pantalla por la misma persona que se interpreta a si misma. Realismo total ya que la historia también esta basada en los hechos que ocurrieron en este pequeño pueblo sureño de Estados Unidos. 

Toda la ambientación y trabajo de caracterización de los personajes para reproducir el ambiente sureño del país es un trabajo muy bien realizado que realmente nos adentra a esta parte de la primera potencia mundial, donde el Vudú y las artes oscuras siguen teniendo un peso importante entre la sociedad. Irma P Hall interpreta a una mambo (sacerdotisa en esta religión con origen en los esclavos negros trasportados a América) muy bien caracterizada que recuerda a la que aparece en la película de Disney Tiana y el Sapo. Por otra parte cabe destacar, como hemos dicho, la actuación de la actriz que se interpreta a si mima después de haber sido transformada en personaje de novela: Lady Chablis. Recuerda al papel de La Agrado que Antonia San Juan interpreta en Todo sobre mi madre, pero aquí su peso es más importante y la carga cómica del guión entorno a su personaje es excepcional. Hacia tiempo que no aparecía un personaje de estas características en nuestras vidas. Por otro lado encontramos a un John Cusack y un Kevin Spacey, que sujetan toda la carga argumental de la película de manera poco satisfactoria. Realmente si no fuera por las aportaciones cómicas, la película no valdría la pena. 

Clint Eastwood introduce una película en la que esta vez solo contribuye como director y productor. Sin embargo tiene la posibilidad de trabajar con una de sus hijas que se apuntaba igual de polifacética que su padre, actuando y cantando en la misma película. Más tarde también ha dado el salto detrás de las cámaras sin demasiado éxito. Para el año que viene se espera su segundo largometraje y mientras tanto ha seguido trabajando como actriz, modelo, diseñadora y directora. 

La película es valida para hacer pasar un buen rato, aún y su larga durada (2h 35min) y su trama un poco pesada e inestable. 




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!




martes, 17 de enero de 2012

MURDER BY NUMBERS



MURDER BY NUMBERS
de Barbet Schroeder


Reparto: Sandra Bullock, Ben Chaplin, Ryan Gosling y Michael Pitt.
Año: 2002
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Crimen
Reconocimiento: Nada.
Puntuación: «««««


Murder by numbers o asesinato por números, traducción literal del castellano, es el título de una canción de The Police que describe como realizar un crimen perfecto. Realmente, en la trama de la película no intervienen los números en ningún momento y que nadie se disponga a verla intentando buscarles una relación porque se volverá más loco que sus protagonistas. Basada en los hechos reales de dos jóvenes que mataron por la simple curiosidad de saber si podían cometer el crimen perfecto, se desenvuelve un misterio que poco a poco se irá conociendo.

No es la primera vez que Michael Pitt se mete en la piel de un psicópata. El año siguiente a la estrena de esta película coprotagonizaba The Dreamers, dirigida por Bernadro Bertolucci, donde interpretaba un personaje que tampoco regaba muy bien de la cabeza y, su culminación entre personajes dementes, llegaba con el remake estadounidense de Funny Games, donde perdía completamente la cabeza con un personaje similar al de esta vez, pero más maduro y con un trabajo interno más visible. Por su aspecto físico ya encaja en el papel de joven desequilibrado con mirada de no haber matado un plato ni haber roto una mosca, pero al que mejor no acercase porque tiene algo que inquieta de verdad. En este caso, su compañero de locuras es Ryan Gosling del cual no tenemos tantos referentes o antecedentes psiquiátricos (dentro del mundo del cine) pero también encaja perfectamente en este papel, esta vez con una personalidad narcisista que desea realizar alguna cosa que lo haga salirse de la media establecida, como por ejemplo matar a alguien elegido al azar. Para completar el reparto aparece una Sandra Bullock que deja su faceta cómica que tan buenos resultados le ha dado y se mete en la piel de la detective de la trama. Es habitual que la actriz mezcle su lado más cómico con esta otra faceta con papeles más maduros y serios. Es un trabajo interesante que le permite trabajar en diferentes ámbitos y que pocas actrices son capaces de compaginar. Otro caso, por ejemplo, es el de Meryl Streep que también realiza esta compaginación de personajes, siempre sabiendo elegir los proyectos en los que participa sin caer en la comedia americana fácil.

Es una buena peli para ver un día que no se tenga nada más que hacer, que no requiere gran entusiasmo pero que cumple bien la función de entretener al espectador. Además, contar con Sandra Bullock en el reparto siempre es un punto más a tener en cuenta.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!




lunes, 16 de enero de 2012

X-MEN ORIGINS: WOLVERINE



X-MEN ORIGINS: WOLVERINE
de Gavin Hood


Reparto: Hugh Jackman, Liev Schreiber, Danny Huston, Will I Am, Lynn Collins, Kevin Durand, Dominic Monaghan, Taylor Kitsch, Daniel Henney y Ryan Reynolds.
Año: 2009
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Ciencia Ficción
Reconocimiento: 2 nominaciónes a los Saturn Awards. 1 nominación a los MTV Movie Awards.
Puntuación: «««««


Después de las tres partes de X-Men que se estrenaron en 2000, 2003 y 2006, aparecía un spin-off de uno de los personajes principales de la mítica colección de cómics, Lobezno. En total se han rodado las tres películas, este spin-off y una precuela estrenada este año pasado. Muchos rumores siguen apareciendo sobre nuevas películas de estos superhéroes que adquieren poderes a través de mutaciones genéticas, pero la verdad es que, de momento, nadie se ha pronunciado en relación a estas futuras posibles apariciones. Concretamente, en la historia de Lobezno, se cuenta como este se convirtió en la máquina metálica que es, después de transformar sus garras orgánicas por un componente metalizado extremadamente duro. Surge un debate interno en el personaje que intenta alejarse de su parte animal y acercarse a su lado humano. Así mismo, el odio interno del personaje por ser quien es, vuelve a ser un tema recurrido que ya se abarcó en las demás películas de la saga.

Hugh Jackman vuelve a encarnar al mutante durante toda su evolución hasta que se convierte en Lobezno. Sus vivencias y su historia le convertirán en lo que se verá en la saga de las tres películas y en lo que se conoce de él en el mundo de los cómics. Un elemento a destacar en relación a diferencias entre los cómics y las adaptaciones cinematográficas es el vestuario que utilizan los personajes. Evidentemente, en una versión moderna de los mutantes, no podían aparecer vestidos con capas de terciopelo y mallas ajustadas de color chillón, por lo que se intentó buscar una apariencia más modernizada basada en la estética de los moteros actuales. Chaquetas y pantalones de cuero son los sustitutos de los antiguos trajes de los personajes del papel. Surgieron algunas críticas en relación a este tema, pero han seguido en la misma linea estética debido a que las películas van destinadas a un público joven que rechazaría la antigua estética de los 1960-1970. Según esto, las películas cumplen su cometido y presentan una imagen más modernizada de su referente literario. Este prozeso de labado de imagen también ha sido realizado en los demás superheroes que han ido apareciendo en pantalla, como por ejemplo Batman y sus villanos o Spiderman. Volviendo al actor, sabemos que lo hemos visto mejor en otras ocasiones, incluso interpretando al mismo personaje. Además, acompañándole, encontramos a Ryan Reynolds, que posteriormente le cogería el gusto a los superheroes y pasaría a interpretar a Green Lantern, al cantante y proiductor musical Will I Am, que mejor se queden en el mundo de la música y no salga de ahí nunca más (no sabemos que obsesión hay últimamente con pasar de la música a las grandes pantallas) y a diferentes nombres masculinos que complementan el equipo de mutantes.

La verdad que, en esta ocasión, el guión es bastante flojo y la historia es un poco carente de interés. Al principio parece interesante el origen del personaje y se hace algo larga a pesar de que no llega a las 2h de durada.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



domingo, 15 de enero de 2012

LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS



LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS
de Isabel Coixet


Reparto: Sarah Polley, Tim Robins, Javier Cámara, Severre Anker Ousdal, Steven Mackinsth, Eddie Marsan, Julie Christie, Daniel Mays y Leonor Watling.
Año: 2005
País: España
Lengua: Inglés y Danés
Genero: Drama y Romance
Reconocimiento: Nominada a 5 Goyas ganando en Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Dirección de Producción y Mejor Guión Original. Premio a la Mejor Película Española en los Fotogramas de Plata. Premio de la Audiencia y Premio Sant Jordi en los Premios Sant Jordi. Ganadora del Premio Ariel por la Mejor Película Iberoamericana. Nominada al Cóndor de Plata por la Mejor Película Iberoamericana. 1 nominación a los European Film Awards. 
Puntuación: «««««



En uno de los lugares más originales para elaborar la trama de una película (una plataforma petrolera), se desarrolla una historia totalmente sincera mostrada a través de las palabras de su protagonista. A través de una magnifica interpretación podemos sentir el dolor que esta mujer sufrió en la guerra de Yugoslavia. No se muestra tortura ni violencia, simplemente, a través del personaje se cuenta lo que paso y se evidencia las consecuencias de esto. Un gran guión, una magnifica dirección y excelentes interpretaciones hacen posible este proyecto. 

Realmente el guión se vale de unos interpretes soberbios que cuentan la historia escrita con una magistralidad impoluta. Con apenas dos planos, la secuencia del monólogo de Polley demuestra que no es necesario realizar un ejercicio de explicar al espectador la acción a través de las imágenes. Se puede utilizar la palabra y la interpretación para contar todo lo que el personaje cuenta y el porque actúa de esta manera, por que se refugia en su trabajo, por que tiene una obsesión con la limpieza...

La vida secreta de las palabras es la película más vista y más aclamada de una directora española que intenta abrirse al mundo con su trabajo. Al igual que Alejandro Amenábar, rueda sus películas con reparto internacional y en inglés para dar la posibilidad al cine español de abrirse un camino en el mercado internacional. Las críticas por realizar este tipo de apuestas han sido muchas, pero la verdad es que una buena película ha de contar con elementos indispensables para que sea reconocida: dinero, arte y dinero. Si señores, el dinero vuelve a ser lo más importante en un mundo donde no lo debería ser. De otra manera no se entiende como verdaderos bodrios son vistos por tan gran número de personas. La promoción y publicidad de las películas es lo que las convertirá en éxitos, estén rodadas en inglés o en chino-mandarín, por lo que no podemos increpar a nuestros directores y guionistas el pretender rodar en inglés para facilitar el asunto. Volviendo a la directora, podemos decir que siempre ha trabajado con temas muy arraigados a la cultura siendo esta y Mapa de los sonidos de Tokio, las más representativas. Su idea de contar historias parte de la sinceridad y utiliza habitualmente elementos muy poéticos para adornar el guión. Criticada por algunos y amada por otros, Coixet vuelve a posicionarse en medio de un cruce en el que se puede optar por su alabación o su demolición total. Esto es signo de su compromiso consigo misma y su fidelidad a un estilo propio que muchos directores (sobretodo americanos) pierden al leer críticas negativas de su trabajo. Des de aquí aplaudimos a todos aquellos que son fieles a su trabajo y que intentan aportar su visión personal del mundo a través de su obra. 

Muy recomendada para todos aquellos adeptos al cine europeo o que deseen descubrir una parte de la historia del mundo. 





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sábado, 14 de enero de 2012

KILL BILL VOL I



KILL BILL VOL I
de Quentin Tarantino


Reparto: Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A Fox, Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen, Julie Dreyfus, Chiaki Kuriyama y Sonny Chiba.
Año: 2003
País: EEUU 
Lengua: Inglés, Japonés y Francés
Genero: Crimen
Reconocimiento: Número 140 en el Top 250 de IMDB. Nominada a 7 Saturn Awards ganando en Mejor Película de Acción, Aventuras o Thriller y Mejor Actriz para Uma Thurman. Nominada a 5 BAFTA ganando el Anthony Asquith Award para la musica de la película. 1 nominación a los European Film Awards. 1 nominación a los Golden Globes. 1 nominación a los Grammy Awards. Mejor Actriz para Uma Thurman, Mejor Pelea y Mejor Villana para Lucy Liu en los MTV Movie Awards. Mejor Película Extranjera en los Premios Sant Jordi. Premio de la Audiencia a la Mejor Película en el Festival de Cine de Sitges.       
Puntuación: «««««



Tarantino sorprendía tras casi 6 años de silencio como director, con esta mezcla de katanas, kimonos, zapatos japoneses y un estilo spaghetti western, en una historia de venganza y violencia con mucha sangre. Una novia se casa pero su antigua asociación del crimen, en la que trabajaba, decide acabar con la fiesta y aniquilar a todos los asistentes. En palabras de la propia novia: "su único error fue dejarla con vida", ya que volverá para acabar con cada uno de ellos hasta llegar a Bill, el jefe de la organización. Como la venganza era tan larga y la durada final de las secuencias rodadas era de 4 horas, los productores de la película tuvieron la delicadeza de evitarnos estar todo este tiempo frente a la pantalla y se le recomendó a Tarantino estrenar la película en dos entregas bajo la denominación de Volumen I y Volumen II. Recientemente se ha rumoreado la aparición de dos entregas más de la saga con las tramas abiertas que quedan.

La técnica de Tarantino siempre ha tenido un sello de identidad muy peculiar y ha sido fácilmente reconocida por su uso único de la cámara y de unos planos muy característicos. Un signo de identidad que nos aporta un nuevo enfoque y una nueva presentación de cine. De esta manera, podemos evidenciar en esta película como los cortos de Anime, las secuencias grabadas en plano picado, el uso de la contraluz... son fácilmente reconocibles y se forman como un nuevo elemento que destaca sobre el material que se aporta actualmente en las salas de cine. Además, como guionista, se caracteriza por el uso de la violencia (podríamos definirla como una violencia cómica), como hemos dicho, y por el uso de una técnica preactiva que involuciona para contar la historia de sus personajes.  Con todos estos elementos sale un tipo, un poco peculiar, al que le llueven las criticas al igual que los elogios. Vuelve a ser otro cineasta que es querido o amado en función de las preferencias de los sujetos que lo visionan. 

El cartel de la película lo protagoniza una recurrente Uma Thurman en el cine de Tarantino que aporta un perfil infinitamente mejor que el que últimamente está mostrando protagonizando comedias románticas muy fáciles. Con las dos partes que quedan por estrenar de la saga Kill Bill, volverá a ponerse en las manos del excéntrico director y a volver a sus orígenes como actriz. A su lado una serie de actores y, sobretodo, actrices, que se han convertido en chicas Tarantino y se han hecho con el nombre de el papel que interpretan pasando a formar parte de la historia del cine moderno. 

Ver las locuras que nos aporta este director siempre será un buen ejercicio, aun que no guste el estilo que envuelve a este elemento. Además, dentro de su filmografía, tiene películas buenas (como esta que hoy comentamos)  y otras que son un poco menos pasables como por ejemplo Death Proof o Inglourious Bastards.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



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