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viernes, 21 de septiembre de 2012

THE POSTMAN



THE POSTMAN 
de Kevin Costner


Reparto: Kevin Costner, Will Patton, Larenz Tate, Olivia Williams, James Russo, Daniel von Bargen, Tom Petty, Scott Bairstow, Giovanni Ribisi, Roberta Maxwell, Joe Santos.
Año: 1997
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Aventura
Reconocimiento: Nominada a 3 Saturn Awards. Nominada a 6 Razzie Awards ganando en Peor Director, Peor Actor para Kevin Costner, Peor Guión, Peor Fotografía y Peor Música Original. 
Puntuación: «««««




En un tiempo en el que el Facebook, whatsapp, sms, msn. chats… y demás, han invadido los modos de comunicación humanas y han impedido la verbalización de los sentimientos y pensamientos entre unos y otros, parece mentira que en el año en el que se sitúa la película que comentamos hoy, 2013, la figura del cartero vuelva a cobrar especial importancia para ejercer de nuevo un elemento comunicativo entre las personas. En un mundo postapocaliptico vuelto al Sistema Feudal de señores y vasallos en los que unos ordenan y otros acatan, sin rechistar, las ordenes de los otros por el miedo, el cartero trae un mensaje de esperanza, de unión, de patria y país… para devolver las fuerzas a una sociedad empobrecida, subdesarrollada y que ha perdido todos los paradigmas logrados durante la era moderna (hasta el punto de volver a usar la palabra escrita para la comunicación). 

Esta suponia el regreso de Kevin Costner como director después de su éxito con Bailando con Lobos. No pudo alcanzar a su predecesora en ningún aspecto (ni pudo obtener nominaciónes a grandes galardones, ni recibir la estima de crítica y público, ni nada de nada...) y además puso en entredicho la capacidad directiva del actor que no solo se atreve a dirigir, sino también a coger las riendas de la película tomando el poder del rol protagonista y, además, también produce al mismo tiempo. Es muy bueno que, como artistas, pretendan ofrecer productos personales y, para ello, se muevan en diferentes campos del largometraje pero, esto también tiene su parte negativa al no contar con nadie que pueda aportar otro punto de vista y una opinión diferente. 

La película tiene una durada impresionante de 3 horas y cuenta con diferentes tramas y situaciones que se unen mediante el protagonista de la película. Sin duda es una durada desmesurada y, por otro lado, también supuso una inversión económica muy importante que no se recupero tras el estreno. Técnicamente no destaca en ningún aspecto, pese a contar con este desmesurado presupuesto y un guión que permite licencias técnicas. Pese a todo, el problema principal es una presentación de telefilme dominical que empobrece la calidad de la película denigrando un guión que se podría haber salvado con menos metraje y una mejor producción. 




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


martes, 18 de septiembre de 2012

DEAD CALM



DEAD CALM
CALMA TOTAL
de Phillip Noyce


Reparto: Nicole Kidman, Sam Neill, Billy Zane.
Año: 1989
País: Australia
Lengua: Inglés
Genero: Thriller
Reconocimiento: Nominada a 8 Australian Film Institute  ganando en Mejor Fotografía, Mejor Edición, Mejor Sonido y Mejor Música. Awards ganando en Nominada a 1 Saturn Award. 
Puntuación: «««««


Un matrimonio esta de escapada ideal en medio del mar y un loco psicópata que ha matado a la tripulación de su barco se las ingenia para suplantar al marido y hacerse con su mujer y con el control del barco de la pareja. Así es como se puede resumir esta película que supuso el primer éxito de los tres actores participantes de este thriller marítimo. Una jóven Nicole Kidman lleva el peso dramático de la película, aportando uno de los, quizás, mejores trabajos que jamás ha realizado a lo largo de su trayectoria como actriz. Acompañándola, encontramos a dos actores que realizan un trabajo de igual interes, en especial Billy Zane que interpreta a este loco y acomplejado que desea suplantar el rol del marido y quedarse con la chica.

Ya comentamos una película de Phillip Noyce en el pasado del blog: El coleccionista de huesos. Si revisamos y nos basamos en estas dos películas del director, que quizás sean los dos títulos más destacados de una larga carrera tanto en cine como en televisión, vemos como suele resolver bastante bien aquellos roles que tienen un peso importante en el guión y aquellos que se presentan con un perfil psicológico alterado e intenso. Es un buen director de actores y ha sabido presentar sus trabajos de manera positiva, a excepción de algunas veces en las que ha fallado. Sin duda, ha tenido una carrera prolífica, tanto en Australia como en su salto a Hollywood, y tanto en el terreno del cine como en el de la televisión pero sin embargo, no es reconocido mundialmente como uno de los grandes directores de nuestro tiempo. Aún le falta por encontrar ese proyecto que le eleve a la cima del éxito y que después le impida volver a repetir o igualar el éxito.

La película es un excelente thriller y una de las pocas oportunidades en las que Nicole Kidman se presento al natural delante de la cámara como una verdadera interprete y actriz. Luego salto a la pantalla americana, con una relación morbosa y polémica con Tom Cruise, que parece que, entre ambos, se potenciaron sus aspectos negativos como profesionales y acabaron por ser dos ineptos y la burla del panorama cinematográfico internacional. Además, los dos acabaron con un estiramiento de cara que tampoco les ha ayudado en su carrera interpretativa por la falta de expresión de sus jóvenes y quirúrgicos rostros. A parte de tener un excelente guión, dirección e interpretaciones, técnicamente está a la altura de una película sencilla en la que, lo realmente importante son los aspectos artísticos para hacerla creíble.





Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



sábado, 15 de septiembre de 2012

LA CHISPA DE LA VIDA



LA CHISPA DE LA VIDA
de Álex de la Iglesia


Reparto: José Mota, Salma Hayek, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Juan Luis Galiardo, Antonio Garrido, Antonio de la Torre, Juanjo Puigcorbé, Blanca Portillo, Carolina Bang, Eduardo Casanova, Nerea Camacho, Joaquín Climent, Santiago Segura.
Año: 2011
País: España, Francia y EEUU.
Lengua: Castellano
Genero: Drama
Reconocimiento: Nominada a 2 Goya. Nominada a 1 Premio en la Unión de Actores de España.  
Puntuación: «««««




Un hombre se cae y, desagraciadamente, se clava una barra de hierro en el cráneo en un museo de Cartagena que se esta construyendo. La noticia empieza a interesar a los medios de comunicación y se crea gran revuelo mediático alrededor de la figura de este padre de familia atrapado en el suelo del museo por el hierro insertado en su cabeza. Es la trama principal de una película sencilla que pretende encerrar una reflexión importante sobre las historias que cautivan a los espectadores y como la sociedad entera se centra en esta clase de morbos que se ofrecen en las televisiones que, sin ningún interés, se destripan en las televisiones diariamente. Además, el personaje principal que se presenta, es un publicista reconocido que se encuentra en paro impedido de regresar al mundo laboral por la situación de crisis en la que se encuentra el país y por pasar un limite de edad peligroso en el que es fácil conseguir esta recuperación de la vida laboral. Con esto, se consigue una nueva línea reflexiva que pretende acercarse a una realidad actual de la que más de uno nos sentimos identificados.

La película de Álex de la Iglesia se presenta en formato de largometraje encerrando diferentes debates reflexivos pero, fácilmente, se podría haber presentado en forma de cortometraje por la falta de material que se ha acabado presentando. Aparecen personajes secundarios diferentes que no acaban de ser relevantes para la historia y que no terminan de contar su historia ni aportar nada a la trama argumental por la fugacidad en la que se presentan. Por esto, hubiera sido fácil haber prescindido de una trama secundaria sin importancia y haber comprimido el metraje en un formato que hubiera resulotado más impactante y menos pesado. Además, en la trama, hay diferentes errores que empobrecen la calidad del guión y de la historia en general: el programa que tenia y que se presentaba Concha García Campoy, era un programa matinal y no nocturno; una simple radiografía de cráneo no permite determinar la trayectoria de un hierro clavado en la cavidad craneal, en parte porque el hueso es una estructura radio-opaca que no permitiría ver la trayectoria de este (la prueba que se hubiera realizado hubiera sido un TAC); por supuesto, ningún personal médico se hubiera atrevido a arrancar a un hombre de la barra de hierro de la manera propuesta...

Ya hemos comentado que partimos de un guión flojo que no se vio nada ayudado por un reparto protagonizado por el cómico José Mota, que parece que quería empezar una nueva faceta de su carrera dentro del drama, y Salma Hayek, que parece que últimamente ha pasado bastante tiempo en nuestro país y ha querido, o no ha tenido más remedio, que alejarse algo del mundo de Hollywood. En general, el trabajo interpretativo es bastante malo, como ya ha pasado en las últimas producciones del director. Errores de casting y mala dirección de actores se han hecho frecuentes en las últimas producciones de de la Iglesia, en las que no ha faltado su flamante novia Carolina Bang que prácticamente no ha salido de las manos del director y amante. Nada más podemos decir que hay una falta de talento y trabajo por la mayor parte del reparto que acaba por hundir la poca credibilidad de un guión igualmente desastroso.

Últimamente ya hemos estado comentando los desastres que ha ido presentando el director y el desacuerdo con el rumbo que ha tomado su trayectoria des de hace ya algún tiempo. Es una de las personalidades más destacadas del cine español y, la verdad, es que no sabemos como se ha logrado este nombre. Experto en cine y una mente brillante, a lo mejor, le iría mejor en la producción y no en la dirección de trabajos. Lo verdaderamente destacado de la película son los debates reflexivos de ética y moralidad que se desprenden de manera inteligente donde cada uno se interesa por sus propios intereses: la directora del museo por sus piedras, el herido por el dinero que puede sacar de su accidente, el alcalde por la atracción turística que puede suscitar, los representantes y las cadenas televisivas por lo que pueden ganar con las entrevistas, las empresas donde el herido trabajaba por aprovechar el tirón comercial, los médicos por no quedar en evidencia, los reporteros por conseguir la exclusiva... una sociedad capitalizada y empobrecida que seguramente no reaccionará ante estas advertencias reflexivas que se presentan en el cine. 





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miércoles, 12 de septiembre de 2012

EL PALO



EL PALO
de Eva Lesmes


Reparto: Adriana Ozores, Malena Alterio, Carmen Maura, Maribel Verdú,  Juan Gea, Jaime Pujol, Joaquín Climent, Antònia Martínez, Alejandro Sigüenza.
Año: 2001
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia
Reconocimiento: Nominada a 1 Goya. 
Puntuación: «««««


El cine español nunca ha sido un cine que atraiga al público, ni tan siquiera a los españoles, de los que se supone que deberíamos tener una afinidad cultural con esta clase de películas. La verdad es que el público prefiere, y ha preferido, las grandes producciones americanas de estático argumento y espectáculo visual desmesurado, dejando de lado el cine español y el cine europeo que se han definido, a lo largo de la historia, como un tipo de cine más elaborado. La prueba de ello son todas aquellas excelentes películas de nuestro continente que han quedado olvidadas, como por ejemplo la película que hoy presentamos. Es una producción típicamente española: con un plan disparatado e imposible, marujas y chonis, ambición por el dinero, sexo y drogas... A medida que ha ido pasando el tiempo y los directores y productores españoles y europeos se han dado cuenta de esta preferencia del público (por fin) las películas también han evolucionado y han aparecido nuevos géneros que se tocaban por primera vez en el país, nuevas temáticas, grabaciones en otros idiomas sin que se pierda la identidad española... De esta manera el cine de nuestro país ha evolucionado, de la misma manera que también lo ha echo en otras etapas de su historia dejando atrás el genero del detape, las películas de niños cantores prodigio, el cine religioso... y se ha ido adaptando a las preferencias y deseos de un público mayoritario que desea producciones adolescentes estúpidas y producciones elaboradas visualmente (hasta el punto de estrenar la última película de Torrente en 3D). La evolución es natural y a merced del viento del espectador que paga de su bolsillo por aquellas películas que desea ver pero es una pena que se hayan perdido historias como la que hoy se presenta y trabajos de nivel, pasando a productos de inferior calidad con un trabajo nefasto.

Al frente del cartel 4 actrices, tres de ellas, Carmen Maura, Maribel Verdú y Adriana Ozores, ya consagradas y con un nombre importante dentro del panorama cinematógrafo español y, la cuarta, Malena Alterio, se presentó ante el público en esta película y empezó sus andaduras profesionales, de las que se han sucedido diferentes éxitos, con ella. Las cuatro son talentos excepcionales que se integraron perfectamente en los diferentes roles que el guión presentaba y, la verdad, es que se echan algo de menos en la nueva presentación del cine español moderno en el que, parece, que solo se cuenta con actores y actrices jóvenes y guapos que atraen al público simplemente por esto y no por sus trabajos que se pueden definir como vacíos y carentes de ningún sentido. Pese a esto, las nuevas apuestas por esta clase de interpretes y el dejar de lado a aquellos que realmente han aportado algo a nuestro cine en el terreno de la interpretación, ha echo que se vuelva a poner a las películas de nuestro país en órbita y que se consiga atraer de nuevo a los espectadores a las salas de cine, aunque solo sea por ver a Mario Casas sin camiseta y gritando a los cuatro vientos que "tiene ganas de ti", como si el "ti" fuera aquella adolescente de quince años sentada en la segunda fila de la sala.

Técnicamente la película puede no destacar en ningún aspecto y puede tener un presupuesto limitado que no se pueda comparar con otras superproducciones que llenan de efectos especiales el metraje entero para camuflar la falta de talento pero, en el guión y el trabajo de cada uno de los componentes que realizó la película se nota la autenticidad y el sentimiento de aportar a los espectadores una comedia fresca y entretenida con unas bases de talento bien formadas. Ahora nos tenemos que conformar con comedias españolas cono Fuga de Cerebros, que le vamos ha hacer... es lo que el público ha decidido y parece que tanto los que ponen el dinero para hacer películas como los que lo dan por verlas están contentos.




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domingo, 9 de septiembre de 2012

SPACE JAM



SPACE JAM
de Joe Pytka


Reparto: Michael Jordan, Wayne Knight, Billy West, Dee Bradley Baker, Bob Bergen, Bill Farmer, June Foray, Danny DeVito, Bill Murray.
Año: 1996
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Animación y Comedia
Reconocimiento: Nominada a 4 Annie ganando en Mejor Largometraje Técnico. Ganadora del Premio Grammy a la Mejor Canción para "I belive I can fly" de R Kelly. 
Puntuación: «««««


Los Looney Tunes son una serie animada de dibujos de la compañía Warner, creados para contraatacar y dar competencia a los dibujos que estaban saliendo de la compañía Disney. Poco a poco, la compañía supo abrir nuevos horizontes y se ha expandido sacando no solo algunos de los títulos más importantes del cine, sino también series animadas, música, canales de televisión, vídeo juegos... y parte de este éxito vino a partir de la serie de los Looney Tuns y de un reconocimiento mundial de la serie. Como no podía ser de otra manera después de un éxito tan importante, se estrenó un largometraje con estrellas destacadas invitadas que, esta vez, no eran estrellas de cine, sino personalidades destacadas del Baloncesto en una época en la que la selección Estadounidense tenia al Dream Team que ganó de manera asombrosa a todos sus oponentes en los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 y los demás torneos de la época. De esta manera, se consiguió juntar dos intereses en un solo largometraje: las estrellas de la serie de televisión Looney Tunes y las estrellas del baloncesto del Dream Team, consiguiendo, juntos, un éxito asombroso.

El contar con actores no profesionales provenientes de otros campos para participar en cine o televisión no es nada nuevo pero hay pocas producciones que se aguanten puramente en esta estrategia para sobrevivir. De echo, se aguantó debido a que Michael Jordan es una estrella carismática que estuvo a la altura de una película complicada en la que, además, tenía que interactuar con personajes irreales de dibujos animados. La estrategia habitual que se suele utilizar en esta clase de participaciones es limitarlas a gags o esqueches que permitan al espectador ver a estrellas de otras modalidades limitándose a pequeños minutos cómicos en pantalla. En esta ocasión no fue así y resultó bien el experimento, en parte, porque también se necesitaba a una estrella del baloncesto. 

Al frente de la producción se ponía un nombre proveniente del mundo del videoclip y de la publicidad que ya había trabajado con anterioridad con actores no profesionales, cantantes, deportistas, gente del mundo de la televisión... Joe Pytka es un hombre que ha basado su carrera fuera del mundo del largometraje y, de echo, esta es una de las pocas películas largas en las que ha participado. Su terreno es la publicidad, sobre todo es conocido por sus anuncios para Pepsi, McDonald's y Nike, además de dirigir diferentes vídeos musicales para Michael Jackson, The Beatles, Madonna... y además por estar al frente de diferentes intermedios de la Super Bowl. 

Es una buena película de animación con un toque diferente que se centra en uno de los deportes americanos por excelencia. No fue buen acogida por la crítica pero tubo una muy buena recepción popular. Por encima de Michael Jordan y de un guión alocado típicamente de los Looney Tuns, hay que destacar una banda sonora excepcional llena de Rap, R&B y Hip-Hop capitaneada por un tema mundialemnte reconocido como es el "I belive I can Fly" the R Kelly, entre los demás temas que componen una banda sonora excepcional muy acorde con el baloncesto negro de los suburbios de New York y la música callejera de los mismos. Es lo más recomendado de la película para todos aquellos amantes de esta clase de música.




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jueves, 6 de septiembre de 2012

VOLCANO



VOLCANO
de Mick Jackson


Reparto: Tommy Lee Jones, Anne Heche, Gaby Hoffmann, Don Cheadle, Jacqueline Kim, Keith David, John Corbett, Michael Rispoli, John Carroll Lynch, Harvey Levin.
Año: 1997
País: EEUU
Lengua: Inglés, Castellano y Alemán.
Genero: Desastre y Acción
Reconocimiento: Nominada a 1 Razzie. 
Puntuación: «««««


Si construimos casas sobre terreno sísmico, tendremos terremotos y volcanes al igual que si construimos casas al lado de un río sufriremos las concrescencias de las riadas y si construimos nuestro habitad en Benidorm tendremos como vecinos a grupos de Ingleses borrachos haciendo ruido. Esto es más o menos lo que se relata en una historia que sucede en Los Ángeles, ciudad construida en la Falla de San Andrés, un terreno con riesgo sísmico y volcánico elevado, y ciudad escenario de diferentes desastres a lo largo de la historia del cine. De echo, si fuera por el cine, ya no quedaría nada de ella al igual que New York y tantas otras ciudades Americanas. Argumentalmente no tiene más misterio que el de un volcán que surge en la ciudad amenazando la vida de los pobres ciudadanos que viven tranquilamente en la ciudad, ajenos al peligro que esta por venir. Evidentemente hay una historia de amor y lecciones de moralidad y ética en situaciones de conflicto. Escenas totalmente innecesarias de personas arriesgando sus vidas por los demás cuando, en la realidad, cada uno mira por si mismo y sale huyendo de los peligros tan rápido como se pueda y, si alguien se pone en el camino, se le aparta. El cine americano suele tener estos ingredientes en sus producciones para hacerlas llegar al público puritano de una manera más fácil.

Técnicamente, los efectos especiales están poco conseguidos en algunos momentos, teniendo en cuenta que es una película de finales del siglo XX y que contaba con un presupuesto de 90 millones de dólares. Lo único que se puede llegar a destacar es un guión con las bases típicas del cine de catástrofes pero que, esta vez, pone el suspense en primer plano y des del primer momento, no hay introducciones y se empieza des de el nudo de la historia. Esto hace que la historia se agilice y no se pierda tiempo con metraje inútil que no acaba teniendo ninguna importancia. Esto podría haber echo que la historia de amor no apareciera pero, evidentemente, el público americano no se podía quedar sin una historia romántica, aunque poco evidente esta vez, entre Tommy Lee Jones y Anne Heche, una pareja algo descompensada en edad pero que se tuvo que juntar por razones de casting y guión, que le vamos ha hacer...

La película es una buena producción de acción que acelera las pulsaciones del espectador en algún momento pero que podría haber tenido más momentos intensos y menos centrados en las relaciones interpersonales del protagonista con la guapa de la peli y con su hija pesada. 




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martes, 4 de septiembre de 2012

BEAN. THE ULTIMATE DISASTER MOVIE



BEAN. THE ULTIMATE DISASTER MOVIE
de Mel Smith


Reparto: Rowan Atkinson, Peter MacNicol, Harris Yulin, Pamela Reed, Andrew Lawrence, Tricia Vessey, Richard E Gant, Burt Reynolds, Johnny Galecki, Sandra Oh, Larry Drake, Tom McGowan.
Año: 1997
País: Reino Unido y EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Comedia Familiar
Reconocimiento: Nada
Puntuación: «««««


Mr Bean es uno de los personajes más destacados de la televisión inglesa y, a parte, ha tenido diferentes incursiones en diferentes campos como resultado del éxito acontecido. Series animadas, libros, cómics, DVDs recopilatorios, películas, música... son algunos de los campos en los que el personaje ha participado con un enorme éxito a nivel nacional inglés e internacional. La última aparición del personaje hasta la fecha fue en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 donde se rescataban diferentes figuras representativas de la cultura inglesa para hacerlas recordar al mundo y, sin duda, fue uno de los momentos más aclamados de la gala.

Esta  que hoy nos ocupa es la primera de dos películas que protagonizó el personaje inglés y que gira entorno a él y a sus extravagantes situaciones que solo puede resolver esta clase de personaje y con un actor detrás que las pueda solventar con elegancia y estilo sin que caigan en el ridículo y el desastre. Rowan Atkinson es este actor que ha conseguido sacar adelante el personaje a lo largo de mucho tiempo y que, en su momento, decidió abandonar para que quedara un recuerdo eterno de él, joven y atemporal al que no le afectara el paso del tiempo. La verdad es que nos cuesta imaginar que el Señor Bean consiga madurar y cambiar sus excentricidades infantiles, pero esta fue la decisión del actor y, a lo mejor también, porque ya no tenía más oportunidades fuera de este rol. Cuando un personaje se ata tanto a un actor es difícil traspasar credibilidad con otras interpretaciones y, el espectador, tiende a relacionar al actor con su eterno personaje evitando esa transmisión de credibilidad. Ha pasado muchas veces en la historia del cine (los chicos Bond, Paco León y su Luisma de Aida, Mike Myers y Austin Powers, Julie Andrews y Mary Poppins, Daniel Radcliffe y Harry Potter, Sylvester Stallone y Rocky...) y sigue siendo esa asignatura pendiente para muchos conseguir desatarse del personaje. Muchas veces no se consigue y, más aún, cuando el siguiente personaje al que un actor se engancha es de características parecidas al anterior como le pasó a Atkinson tras pasar de Bean y convertirse en Johnny English.

La película es una perfecta comedia familiar y entretenida con momentos inmejorables como el de Bean en el avión. Sin duda es una película que encanta a los niños y al publico infantil y adolescente en general pero también hace disfrutar al resto de los espectadores. Como película, técnicamente no es ninguna explosión visual ni nada que pueda destacar pero si destaca en el apartado de la Banda Sonora que es excepcional pese a que no se encuentran este tipo de músicas en películas de esta clase. Más bien se reservan a dramas descomunales donde realmente hace falta un buen soporte musical para acentuar el dolor de la trama. En una comedia es poco usual pero, como se demuestra aquí, también puede funcionar y funciona.



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domingo, 2 de septiembre de 2012

BRINGING OUT THE DEAD



BRINGING OUT THE DEAD
AL LIMITE
de Martin Scorsese


Reparto: Nicolas Cage, Patricia Arquette, John Goodman, Ving Rhames, Tom Sizemore, Marc Anthony, Cliff Curtis, Mary Beth Hurt, Nestor Serrano, Aida Turturro, Phyllis Somerville, Queen Latifah. 
Año: 1999
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Thriller y Drama
Reconocimiento: Poca cosa. Buenas críticas. 
Puntuación: «««««


Scorsese se volvió a zambullir en la noche de New York de la mano de unos ambulancieros que recorren las calles de la gran ciudad, patrullando a la espera de algún aviso que les haga ponerse en marcha pero, en esta espera, se recorren las calles encontrándose los fantasmas del pasado, pacientes a los que no pudieron salvar, personas que vagan a la espera de ser salvadas, individuos con problemas en una sociedad predeterminada que huye de aquellos proscritos llamados marginales que no merecen la atención de un colectivo individualista que ha perdido el respeto por el bienestar conjunto.

El encargado de llevar el peso de una película de estas características, con una crítica de fondo bien forjada y unida al argumento principal y con unas expectativas reflexivas tan altas fue, nada más y nada menos, que Nicholas Cage y su cara de dolor y sufrimiento constante. Ya hemos hecho público el rechazo que tenemos hacia el actor y su trabajo pero, a diferencia de algunos a los que hemos rechazado públicamente (Penélope Cruz, Tom Cruise, Matthew McConaughey, Javier Bardem, Jennifer Aniston, Antonio Banderas, Kristen Stewart y los demás actores de Crepúsculo y de películas adolescentes...) este no tiene ningún talento ni ningún merito dentro de la industria cinematográfica (tal vez, alguno de los citados tampoco lo tiene). Si es verdad que algunos dirán que toco el éxito con su protagonismo en Living las Vegas pero, como en tantas otras ocasiones, hay que preguntarse si, los premios, se le concedieron al actor o al personaje y a la campaña publicitaria de la película en un momento determinado con un éxito elevado.

Sin duda, lo mejor de la película es un guión inmejorable, elaborado y reflexivo, y un trabajo directivo que, como es habitual, suele ser excepcional aunque, contando con un actor principal como Cage, se haga algo difícil reconocer el trabajo de Scorsese. Por último, y como es habitual en la trayectoria del director, hay que destacar una banda sonora excepcional que se integra perfectamente en la trama. Siempre ha habido una relación intima entre el director y la música, dirigiendo documentales musicales y teniendo especial interés y dedicación en sus composiciones para los largometrajes de ficción. De esta manera, siempre es un apartado que garantiza éxito.



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viernes, 31 de agosto de 2012

JAWS



JAWS
TIBURÓN
de Steven Spielberg


Reparto: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Jeffrey Kramer, Carl Gottlieb, Jonathan Filley, Robert Chambers. 
Año: 1975
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Thriller
Reconocimiento: Número 137 del Top 250 de IMDB. Nominada a 7 BAFTA ganando el Premio Anthony Asquith para la Banda Sonora. Nominada a 4 Oscars ganando en Mejor Montaje, Mejos Sonido y Mejor Banda Sonora. Nominada a 4 Golden Globes ganando en Mejor Banda Sonora. Ganadora del Grammy a la Mejor Banda Sonora. 
Puntuación: «««««


Siempre que hemos presentado una película de Steven Spielberg o George Lucas hemos dicho que han sido dos de los máximos exponentes de la revolución cinematográfica que hubo en la década de los 70 y los 80 dentro del mundo de la ciencia ficción. Aunque Lucas si ha tenido una carrera más centrada en el genero y también en la producción de películas del mismo, Spielberg ha logrado una carrera más ecléctica, consiguiendo el mayor reconocimiento fuera de él y con un especial interés en la Segunda Guerra Mundial. En esta ocasión, estrenó una película donde presentaba un atacante oculto que, a medida que avanza el metraje toma forma de tiburón que, aunque robotico y artificial, consiguió basar y servir de referente muchas de las demás películas basadas en criaturas destructoras. Esta técnica o estilo le llegó por casualidad pues, la criatura diseñada de metal no era ninguna maravilla y no funcionaba como debía. De esta manera, se consiguió ocultar lo máximo posible al enorme tiburón y, de rebote, hacerle mas misterioso y temible. Esta casualidad provocada por errores, ha sido uno de los máximos elogios de la película pues, se consigue un mayor clima de tensión y misterio alrededor del peligro. De echo, se transmite una sensación muy real de peligro pues, si el espectador fuera el que se esta enfrentando a la bestia, no vería al tiburón en ningún momento ya que se encuentra debajo del agua y, de la manera en la que se acabo presentando la ficción se consigue esta ilusión de realidad y empatía con el espectador que se siente, a la vez, amenazado por la bestia oculta.

De los demás aspectos de la película no hace falta incurrir demasiado. Los actores consiguen un buen resultado algo exagerado por gritos y primeros planos de caras asustadas. El trabajo técnico fue, a la vez, un fracaso y un acierto, pues la máquina tiburón no llegó a funcionar como debía pero se consiguió ese misterio que hemos dicho. Y el trabajo de guión vuelve a basarse en la moralidad y ética americana que castiga, en los primeros minutos del film, a una joven pareja que quiere tener sexo en la playa antes de casarse, de forma alocada e imperdonable para una sociedad que sigue castigando a estas parejas excitadas en las producciones de terror de hoy en día.

Es una muy buena película para recordar y hacer historia del cine. Seguramente, si se hubiera estrenado hoy, hubiera tenido una presentación visual espectacular pero se hubiera perdido todo este misterio alrededor del atacante, del que ya hemos hablado, y que consiguió los mayores elogios de la crítica y crear precedentes en el genero.



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miércoles, 29 de agosto de 2012

ROBIN HOOD



ROBIN HOOD
de Ridley Scott


Reparto: Russell Crowe, Cate Blanchett, Max Von Sydow, William Hurt, Mark Strong, Oscar Isaac, Kevin Durand, Mark Addy, Danny Huston, Matthew Macfadyen, Eileen Atkins.
Año: 2010
País: EEUU y Reino Unido
Lengua: Inglés y Francés
Genero: Aventura y Acción
Reconocimiento: Nominada a 2 Saturn Awards. 
Puntuación: «««««


Robin Hood es uno de los personajes más destacados de la literatura inglesa y una leyenda con base histórica en el país. De echo, también es una de las figuras que más veces se ha utilizada en el cine desde que, a principios del siglo XX aparecieran las primeras producciones mudas en torno a su figura. Debido a esto, se han realizado diferentes presentaciones del defensor de los pobres y, es esta de hoy, la que se aleja algo de la eterna presentación que se nos ha ido ofreciendo a lo largo del tiempo. Clásicamente, se ha presentado a Hood como alguien que robaba a los ricos para dárselo a los pobres y es esta faceta de él la que queda algo olvidada en la producción. Podemos decir que se presenta una figura más primaria de el vengador, justiciero o como se le quiera llamar y, de esta manera, se permite presentar a los demás personajes clásicos que le acompañan, como se empezó a forjar la leyenda y como empezaron sus aventuras en el condado de York, la ciudad de Nottingham y el bosque de Sherwood.

Ridley Scott es uno de esos direcotores que no ha tenido una orientación temática determiada y que se ha animado a lanzar tanto grandes títulos de la ciencia ficción como otros títulos dramaticos que, sorprendentemente, han sido los mayores aceptados. De hecho, se puede afirmar, echando la vista atrás en la trayectoria del director, que hay una montaña rusa en cuanto a éxitos y desastres que han echo algo irregular su filmografía. Entre ellos destacan algunos de los títulos más recordados de los últimos tiempos como Alien, Thelma y Louise, Gladiator, Hannibal o la recién estrenada Prometheus. Por otro lado, se encentran títulos que no fueron nada bien acogidos por la crítica ni por el público y, pese a ser un personaje reconocido en otros trabajos, no tuvieron piedad en destripar películas como Legend, Black Rain, Kingdom of Heaven, Body of lies... En esta ocasión, Scott, volvió a contar con uno de sus eternos protagonistas, Russell Crowe, para volver a encarnar el papel principal, después de haber alcanzado el éxito con Gladiator. La verdad es que en las producciones del director se nota un abuso de un reparto demasiado repetitivo y esto, como ya hemos comentado con otras ocasiones y directores, puede hacer que se pierda la credibilidad de las películas. En esta ocasión, se puede salvar esta credibilidad debido a la diversidad temática que ha ido presentando a lo largo de su trayectoria, credibilidad que, por ejemplo, no se puede salvar en el caso de Pedro Almódovar que sigue abusando y abusando de las mismas actrices con roles similares película tras película.

La película es una buena producción de acción que destaca en los apartados técnicos por encima de los artísticos, como suele pasar en este tipo de películas. La verdad es que, de vez en cuando, nos gustaría volver a encontrar una perfecta mezcla y equilibrio entre los diferentes apartados como sucedió en una de sus primeras películas, Alien, en la que tiene tanto peso la interpretación como la trama de lucha. No es una mala película y se puede ver de manera amena a pesar de las más de 2 horas a las que nos vemos obligados a estar sentados viéndola. Otro punto negativo es Crowe que sigue sin ser uno de nuestros actores predilectos por un abuso excesivo de la cara de pena y el susurro grave de su voz lineal.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


lunes, 27 de agosto de 2012

CARMINA O REVIENTA



CARMINA O REVIENTA
de Paco León


Reparto: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Ana María García, Miguel Alcíbar, Mari Paz Sayago,  Guillermo Weickert. 
Año: 2012
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia
Reconocimiento: 3 premios en el Festival de Cine de Málaga. Esperemos que la modalidad del estreno de la película no afecte negativamente en posibles nominaciónes futuras. 
Puntuación: «««««


Entre una comedia y un documental, uno de los máximos exponentes del genero cómico en España como es Paco León, realiza su debut en el mundo del cine con una película corta que tiene a su propia familia como protagonistas. A modo de pequeñas viñetas, se van presentando una serie de personajes de una misma familia que tienen problemas económicos por diferentes robos que han tenido en el negocio familiar. La encargada de solucionar todo, como es habitual, es la madre de la familia: Carmina, que se las ingeniara para evadir sus problemas económicos y legales para recuperar parte de su bienestar.

Realmente, no sabemos en que punto acaba la ficción y empieza la realidad (o viceversa) pero si se puede afirmar que hay una enorme complicidad entre todos los miembros de la producción, y no faltaba menos, ya que también son familia en la realidad. El estreno de Paco León como director no es el único, pues Carmina Barrios, la protagonista de esta comedia inusual, también debuta como actriz de una manera muy amateur. De echo, toda la producción esta impregnada de este aire amateur presentándose desnuda ante el espectador, sin repeticiones, con tartamudeos y errores, espontaneidad... y esto hace que sea algo natural, pero a la vez, inusual y algo extraño de entender. Si que encontramos una intervención más curada y profesional de María León pero, en general, es uno de los pocos elementos que se pueden destacar en el plano profesional de la obra.

La película se estrenó, a la vez, en salas de cine, internet y DVD por lo que se volvió a levantar una vez más otro debate a cerca de la piratería, los precios de las entradas del cine, cuanto cuesta comprar un DVD original y cuanto cuesta comprarlo en el Top Manta o bajarlo de internet... Seguramente, a los miembros de la Academia del Cine Español (especialmente estrechos en este debate) no les gusta esta nada esta nueva moda moderna de estrenar películas en internet, aunque pueda ser pagando, y castigan a la producción en la próxima gala de los Goya. Pues vaya pena.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



sábado, 25 de agosto de 2012

GREASE



GREASE
de Randal Kleiser


Reparto: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Ward, Didi Conn, Jamie Donnelly, Dinah Manoff, Eve Arden, Frankie Avalon.
Año: 1978
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Musical y Romance
Reconocimiento: Nominada a 5 Golden Globes. Nominada a 1 Oscar. 
Puntuación: «««««


Hay musicales famosos que han pasado del escenario a la pantalla con la pretensión de llegar a un público más amplio que, actualmente, esta recibiendo bien al genero. Después hay otra opción, la opción inversa de llevar un clásico del cine musical a los escenarios para presentar algo que todos ya conocemos y que tiene un éxito asegurado en vez de apostar por nuevas producciones que cuesta promocionar e impulsar a un público que no esta dispuesto, tal y como están las cosas, a pagar un dinero importante para ir al teatro sin ninguna garantía de nada. Esta vez, el musical Grease tiene las dos vertientes en su trayectoria. Primero se estrenó a principios de los años 1970 en Broadway y luego se pasó a la gran pantalla. Años después se reestrenó en teatros de todo el mundo superando los estrenos que sucedieron antes de la película. De esta manera, el éxito de los diferentes formatos y estrenos han ido superándose cada vez hasta convertir la historia adolescente de Danny Zuko y Sandy Olsson en uno de los musicales más rentables.

Pese a ser, como hemos dicho, uno de los musicales más rentables de la historia y una de las películas que se sigue pasando en televisión repetidamente consiguiendo buenos datos, la mayoría de las personas que intervinieron en la producción han quedado olvidadas sin volver a tocar grandes producciones. Randal Kleiser, que fue el director, se estrenó en el largometraje con esta película musical y después ha seguido su carrera en el cine contando con algunas peliculas destacadas pero sin poder volver a oler las mieles del éxito que se desprendían de Grease. Después tenemos a los miembros del reparto de los cuales poco o nada hemos vuelto a saber. Los más destacados han sido los dos protagonistas pero, hay que decir que, tanto Travolta como Newton-John, han tenido una carrera bastante irregular a lo largo de los años y que, últimamente, ha quedado bastante olvidada. Los dos empezaron con el musical o tienen una primera etapa dentro de él y, además, Olivia, ha sido una cantante reconocida internacionalmente ganando importantes premios a lo largo de su trayectoria. Como interpretes nunca han sido nada a destacar, aunque han tenido diferentes momentos en los que si han estado en la cima de la montaña del éxito gracias a sus trabajos. Esos tiempos pasaron y, según parece, hoy por hoy nadie vuelve a apostar por ellos en un rol protagonista para ofrecerles, de nuevo, otra oportunidad de recuperar sus carreras (oportunidades que ya se les han ofrecido en diferentes ocasiónes y que, por una cosa o por otra, siempre han acabado por reducirse a un éxito que ha durado un corto periodo de tiempo y ha vuelto al olvido). De la resta del reparto si que ya es más difícil de hablar, pues poco sabemos ya que pasó con todos los amigos y amigas de los protagonistas que alimentaban y participaban en su relación adolescente de instituto.

Es una película que a muchos les encanta y les gusta ver para recordar algo que ha estado presente en la vida de todos des de la infancia. Tiene una de las bandas sonoras más destacadas de la historia del cine y es una de las películas más destacadas que se han lanzado al mercado pero, es de un mal gusto, de un hortera y de un endulzamiento que, cuando ya hemos crecido, nos damos cuenta de que, en realidad, es un horror de película que puede llevar a las cabezas más cuerdas a la locura y a los cuerpos más sanos al coma diabético. Hay momentos en los que la vergüenza ajena es tan profunda que el espectador maduro ha de apartar la vista de los actos que se ven en pantalla y dejar que pasen pretendiendo que no se han visto. Por último, y con esto se dice todo lo que puede faltar, hemos de decir que la traducción que se hizo al español del título de la película fue Vaselina, en América del Sur, y Brillantina, en España. Juzguen ustedes mismos hasta que punto la película ha quedado desfasada en un mundo antiguo, hortera, colegial y muy bochornoso.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



jueves, 23 de agosto de 2012

ALICE IN WONDERLAND



ALICE IN WONDERLAND
de Tim Burton


Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover, Matt Lucas, Michael Sheen, Stephen Fry, Alan Rickman, Christopher Lee, Paul Whitehouse.
Año: 2010
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Aventura, Fantasía y Comedia.
Reconocimiento: 5 nominaciónes a los BAFTA ganando en Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería. 5 nominaciónes a los Saturn Awards ganando en Mejor Película de Fantasía y Mejor Diseño de Vestuario. 3 nominaciónes a los Oscar ganando en Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Dirección Artística. Nominada a 3 Golden Globes. Mejor Actriz para Mia Wasikowska en el Australian Film Festival. Nominada a 1 Grammy. 
Puntuación: «««««


Tim Burton ha sido otro de los cineastas que se ha decidido ha adaptar otro cuento clásico de la cultura popular y, esta vez, con el propio sello personal del estrambótico director. Por esto mismo, el mundo de Alicia y su País de las Maravillas es la opción acertada y el universo que le ha permitido a Burton y a su séquito fiel desarrollar la historia acorde con la estética que les suele acompañar. Sin embargo, la obra literaria que revoluciono el mundo a finales del siglo XIX tenía otro propósito principal a parte de presentar personajes estrambóticos, raros y surrealistas: el de hacer una crítica a la sociedad de la época y a los modelos establecidos a través de estos personajes y situaciones. Al pasar de los años, las críticas que se pretendían han quedado anticuadas y, evidentemente, se han perdido en una adaptación casi 2 siglos después del original. Esto podría justificar la falta de contenido reflexivo de esta adaptación y el echo de que solo se presenten las excentricidades que a Burton y Deep tanto les gustan, pero se podría haber realizado un mejor trabajo de guión y, ya que se propusieron mezclar los dos libros publicados del universo Alicia para sacar ideas nuevas, centrarse también un poco en el contenido de critica y reflexión que se pretendía con la obra literaria.

Sobre el perfecto triangulo que han creado los tres elementos principales de la película ya hemos hablado en diferentes ocasiones. Es más, a parte de la figura triangular que han formado Burton, Deep y Bonham Carter, podemos decir que, en realidad, hay todo un sistema al rededor del director que ha sabido adaptarse bien en cada una de las producciones que se han ido presentando a modo de repetición. Quizás el argumento cambie de película en película pero la presentación siempre ha sido la misma a lo largo de una trayectoria que no ha variado ni un poco. Tan solo hace falta hechar un vistazo a sus películas y saber que des de 2005 sus protagonistas han sido los mismos y que ya des de prácticamente el inicio de su carrera contava con un estatico reparto del que ha abusado demasiado como para traspasar una imagen de credibilidad y realidad. Pero sin duda, la máxima colaboración ha sido con Danny Elfman, el compositor que ha compuesto prácticamente todas las bandas sonoras de las películas de Burton, consiguiendo el mayor éxito en este apartado.

Hoy volvemos a presentar otra adaptación de un cuento infantil, una temática frecuentemente recurrida en el cine que ha sabido ganarse el favor del público con versiones renovadas y más adultas que agradan tanto a pequeños como a adultos. Como hemos dicho, en este proceso de adaptación se ha perdido la esencia literaria que tenia el original. Esto junto a que ya hemos visto la misma presentación una y otra vez, hace que la película se haga repetitiva y nada original.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



martes, 21 de agosto de 2012

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS



MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
de Pedro Almodóvar


Reparto: Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano, María Barranco, Rossy de Palma, Kiti Mánver, Guillermo Montesinos, Chus Lampreave, Loles León, Ángel de Andrés, Fernando Guillén. 
Año: 1988
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia
Reconocimiento: Nominada a 16 Goyas ganando en Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actriz para carmen Maura, Mejor Actriz de Reparto para María Barranco y Mejor Montaje. Nominada a 4 Fotogramas de Plata ganando en Mejor Actor para Antonio Banderas y Mejor Actriz para Carmen Maura. Nominada a 3 European Film Awards ganando en Mejor Película Joven y Mejor Actriz para Carmen Maura. Ganadora de 2 Premios Sant Jordi para la Mejor Película y la Mejor Actriz Española para María Barranco. Ganadora de 2 Premios en el Festival de Cine de Venecia al Mejor Guión y a la Mejor Actriz para Carmen Maura. Nominada a 1 Oscar. Nominada a 1 Golden Globe. Nominada a 1 BAFTA. Nominada a 1 David di Donatello.  
Puntuación: «««««


Mezclar mujeres, nervios, celos, histeria, amor, locura, surrealismo, gazpacho, tacones... es una de las especialidades de Almódovar que se ha perfilado como el director más destacado de nuestro país y como un genio en el momento de realizar estas mezclas explosivas que, no siempre han tenido un buen resultado o no siempre han tenido el resultado que él esperaba. Esta película fue el primer éxito internacional del director manchego, la primera película nominada en los certámenes de todo el mundo y la que propulso su carrera. Como hemos dicho en repetidas ocasiones, Almodóvar es un genio a la hora de construir películas, sobretodo en el apartado técnico pero, a menudo, los guiones son tan fieles a su estilo personal que pueden caer en la repetición y el monotrema. Sin embargo, el problema más destacado suele llegar con el reparto que abusa de interpretes sin talento interpretativo (por lo cual es un poco contradictorio llamarlos interpretes). En el inicio de su carrera aún se podía camuflar la obstinación temática en sus guiones y la calidad interpretativa no era tan pésima, pero, al pasar de los años y con la llegada de la nueva musa Penélope Cruz las cosas empezaron a caer por su propio peso y hace ya algún tiempo que no consigue alcanzar el éxito que tubo ya hace algunos años con películas originales y actrices de verdad como Cecilia Roth en vez de Penélope.

Dejando de lado las criticas al cine de Almodóvar, que ya hemos comentado en repetidas ocasiones, hay que decir que esta que hoy nos ocupa es una buena película, cómica, fresca, innovadora y surrealista que asentó las bases estílisticas que luego ha seguido utilizando y que le han definido como un perfecto director técnico. Los primeros planos de tacones y, en general, el uso del primer plano y el detalle es una de las premisas que mejor le definen y que se empezaron a forjar en esta primera etapa de su carrera. El apartado artístico siempre ha sido el más complicado de abordar en su filmografía pero, como hemos dicho, en esta primera etapa aún no habían aparecido determinados nombres que han viciado el reparto de sus películas cayendo en la mediocridad interpretativa. En general, todo el reparto, en esta ocasión, esta bastante correcto destacando a dos de las actrices recurrentes del director como son María Barranco, Loles León y Rossy de Palma que aportan los mayores momentos cómicos de la película.

Es una muy buena película de la primera etapa prolífica y exitosa del director que ayuda a entender la construcción y evolución de Almodóvar.



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domingo, 19 de agosto de 2012

BRAM STOKER'S DRACULA



BRAM STOKER'S DRACULA
de Francis Ford Coppola


Reparto: Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E Grant, Cary Elwes, Billy Campbell, Sadie Frost, Tom Waits, Monica Bellucci.
Año: 1992
País: EEUU
Lengua: Inglés, Rumano, Griego, Búlgaro y Latín. 
Genero: Drama, Terror y Romance. 
Reconocimiento: Nominada a 10 Saturn Awards ganando en Mejor Pelíucla de Terror, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor para Gary Oldman y Mejor Diseño de Vestuario. Nominada a 4 Oscars ganando en Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Edición de Sonido y Mejor Maquillaje. Nominada a 4 BAFTA. Nominada a 1 Fotograma de Plata. 
Puntuación: «««««


Coppola es uno de esos directores que emergieron en la década de los 1970 y que impulsaron el cine americano con un nuevo enfoque y proyectos de calidad empezando a construir la nueva era de los nuevos efectos visuales. Un ejemplo claro es esta producción que utilizó trucos antiguos y una construcción visual basada en las películas de cine mudo y en los títeres para formar todo un concepto visual reformado y adaptado a una nueva era. Rescatando estas técnicas y aplicándolas a una nueva producción vemos como los trucos, las sombras, las maquetas, los juegos con la cámara... tienen un peso importante en una historia de misterios que intenta rescatar la figura del Conde Drácula y que, no solo lo consiguió, sino que también se considera la más fiel adaptación del libro echa hasta la fecha.

El encargado de encarnar a uno de los personajes de ficción más famosos de la historia de la literatura y el cine, el Conde Drácula, fue Gary Oldman un actor inglés reconocido internacionalemente que recientemente rozó el máximo éxito que un actor puede conseguir gracias a la película El Topo. Al pasar de los años se construyo una solida carrera que empezo en el reino Unido, su país de origen, y que se traslado al imperio hollywoodiense de la mano de Coppola y de esta producción que hoy nos ocupa de principios de los 1990. Desde entonces, Oldman ha sido considerado como uno de los mejores actores de todos los tiempos y ha servido de referente a muchos otros actores que han reconocido, varias veces, su admiración por el actor en público. Brad Pitt, Daniel Radcliffe, Ryan Gosling, Christian Bale, Johnny Depp, Colin Firth, Jason Isaacs, Ben Foster, Morgan Freeman, Tim Roth, Anthony Hopkins, Denzel Washington... son algunos de los actores que se han querido reflejar en el trabajo de Oldman y que han comentado su admiración por el interprete y su trabajo. Acompañando al actor, en el reparto se encuentran diferentes nombres igualmente reconocidos que intentaron elevar el interés del público por la obra. Como siempre, Winona Ryder vuelve a relizar un trabajo histrionico y exagerado que carga la mente del espectador con tanto grito insoportable. Por otro lado, aparecen Keanu Reeves y Anthony Hopkins que trabajan con corrección pero, sin duda, han destacado más en otros trabajos en los que se han visto más desenvueltos.

El problema más grande de la película es un guión lento y, en ocasiones, aburrido que, aunque se basa en un clásico de la literatura e intenta ser fiel, se extiende a lo largo de un metraje demasiado extendido y lento. Además, visto con el tiempo y conociendo los avances que ha habido en cuanto a efectos visuales, se queda algo anticuado el recurso de las sombras aunque no hay que desmerecer este aspecto porque supuso un principio en este mundo. Es una película que se puede ver si se encuentra por casualidad por el interés técnico que pueda suscitar, nada más.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!




viernes, 17 de agosto de 2012

THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS




THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS
de Terry Gilliam


Reparto: Andrew Garfield, Christopher Plummer, Lily Cole, Tom Waits, Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell,  Verne Troyer.
Año: 2009
País: Reino Unido, Canadá y Francia. 
Lengua: Inglés, Ruso y Francés
Genero: Fantasía
Reconocimiento: Nominada a 2 Oscars. Nominada a 2 Saturn Awards. Nominada a 2 BAFTA. 
Puntuación: «««««


Entrar en el imaginario del Doctor Parnassus es como entrar en uno de los cuadros de Salvador Dalí. En este surealista terreno es donde el Demonio y el Doctor juegan sus partidas para que las personas tomen su decisión de qué camino elegir. La historia se basa en el clásico Fausto de Goethe donde Dios y el Diablo se retan para conducir la vida de Fausto. En esta versión revisada del clásico, los dos personajes principales caminan entre los humanos de modo que pueden presentarse ante ellos y jugar a su juego con ellos.

Heath Ledger era uno de los personajes principales hasta que, repentinamente, murió en New York en extrañas circunstancias. La producción se vio cancelada y se intentó seguir con ella tras un tiempo, utilizando la tecnología para poner al actor en las secuencias que hacia falta y que todavía no se habían gravado. Como no era suficiente, se contó con tres actores más que encarnaron el mismo personaje utilizando lo surrealista del guión. De esta mnera, un mismo personaje fue interpretado por cuatro actores diferentes que le dieron vida en diferentes mundos o subrealidades. Este es uno de los sellos de identidad del director y guionista Terry Gilliam que acostumbra a tratar temas mezclados entre la realidad y la fantasía y solo hace falta ver los carteles de sus películas para demostrar esto. Ha realizado algunos títulos importantes en la industria cinematográfica americana y goza de cierto reconocimiento entre la crítica que frecuentemente ha alabado su trabajo.

Antes de ver la película hay que liberar la mente y saber que uno se dispone a ver algo subrealisticamente diferente a las propuestas que habitualmente podemos ver. Sin embargo, es una buena película, entretenida y, como hemos dicho, diferente a las propuestas habituales. Esto puede ser su punto fuerte y, a la vez, su punto flojo, dependiendo de como lo valore el ojo del espectador.



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miércoles, 15 de agosto de 2012

LA COMUNIDAD



LA COMUNIDAD
de Álex de la Iglesia


Reparto: Carmen Maura, Eduardo Antuña, Jesús Bonilla, Sancho Gracia, Emilio Gutiérrez Caba, Kiti Manver, Terele Pávez, Eduardo Gómez, Paca Gabaldón, María Asquerino, Marta Fernández Muro, Ane Gabarain, Roberto Perdomo.
Año: 2000
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia, Crimen y Misterio
Reconocimiento: Nominada a 16 Premios Goya ganando en Mejor Actriz para Carmen Maura, Mejor Actor de Reparto para Emilio Gutiérrez Caba y Mejores Efectos Especiales. Nominada a 2 premios en el Festival de Cine de San Sebastián ganando la Concha de Plata a la Mejor Actriz para Carmen Maura. Ganadora de 3 premios en la Union de Actores de España para Carmen Maura, Terele Pávez y Emilio Gutiérrez Caba. Nominada a 2 European Film Awards. Ganadora de 2 Fotogramas de Plata a la Mejor Pelíucla y a la Mejor Actriz para Carmen Maura. 
Puntuación: «««««


Si hace un tiempo comentavamos que el cine de Álex de la Iglesia ha sido algo irregular en su carrera dentro del mundo de la dirección, el guión, la producción, la interpretación..., hoy presentamos una de las pocas películas que merece la pena rescatar de su filmografía. La Comunidad, representó uno de sus primeros éxitos en cuanto a ganancias, después de su primera producción junto a Pedro Almodóvar Acción Mutante, su primer éxito reconocido con El día de la bestia, su polémica película Perdita Durango y la desastrosa Muertos de Risa. En esta ocasión, podemos decir que estamos delante de una comedia fresca y entretenida que consiguió volver a poner a Carmen Maura en en genero de la comedia española después de su paso por el drama y de diferentes producciones europeas, sobretodo en Francia. 

Pese a la entredicha calidad de las películas de de la Iglesia, si hay que reconocer que se ha mantenido mas o menos fiel a una fórmula que le ha caracterizado como cineasta y que le ha convertido en uno de los máximos exponentes de nuestro cine. La verdad es que los resultados pocas veces le han sido favorables y normalmente ha sido debido a errores en el guión que se ha presentado repetido a producciones anteriores, poco original o carente de ritmo. Pese a esto, siempre se ha relacionado con un buen equipo, tanto técnico como artístico, que ha aportado calidad a los films, una calidad pocas veces merecida. En esta ocasión, como hemos dicho, todos los apartados de la película elevan su calidad y presentan un buen resultado final. Además, se consigue una mezcla perfecta, como se pretende en casi todas las películas del director, entre comedia y terror. 

Es una muy buena película española, quizás la mejor de Álex de la Iglesia, y por esto la recomendamos a todos. Cuenta además con interpretaciones excelentes como la de Terele Pávez que parece que solo un recurso secundario sobretodo en el cine del director. Esperemos que algún día se le de una verdadera oportunidad como las que tenía hacia un tiempo porque la verdad es que es una excelente actriz que se desenvuelve excelentemente, sobretodo en el genero de comedia. 



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


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