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viernes, 31 de agosto de 2012

JAWS



JAWS
TIBURÓN
de Steven Spielberg


Reparto: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Jeffrey Kramer, Carl Gottlieb, Jonathan Filley, Robert Chambers. 
Año: 1975
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Thriller
Reconocimiento: Número 137 del Top 250 de IMDB. Nominada a 7 BAFTA ganando el Premio Anthony Asquith para la Banda Sonora. Nominada a 4 Oscars ganando en Mejor Montaje, Mejos Sonido y Mejor Banda Sonora. Nominada a 4 Golden Globes ganando en Mejor Banda Sonora. Ganadora del Grammy a la Mejor Banda Sonora. 
Puntuación: «««««


Siempre que hemos presentado una película de Steven Spielberg o George Lucas hemos dicho que han sido dos de los máximos exponentes de la revolución cinematográfica que hubo en la década de los 70 y los 80 dentro del mundo de la ciencia ficción. Aunque Lucas si ha tenido una carrera más centrada en el genero y también en la producción de películas del mismo, Spielberg ha logrado una carrera más ecléctica, consiguiendo el mayor reconocimiento fuera de él y con un especial interés en la Segunda Guerra Mundial. En esta ocasión, estrenó una película donde presentaba un atacante oculto que, a medida que avanza el metraje toma forma de tiburón que, aunque robotico y artificial, consiguió basar y servir de referente muchas de las demás películas basadas en criaturas destructoras. Esta técnica o estilo le llegó por casualidad pues, la criatura diseñada de metal no era ninguna maravilla y no funcionaba como debía. De esta manera, se consiguió ocultar lo máximo posible al enorme tiburón y, de rebote, hacerle mas misterioso y temible. Esta casualidad provocada por errores, ha sido uno de los máximos elogios de la película pues, se consigue un mayor clima de tensión y misterio alrededor del peligro. De echo, se transmite una sensación muy real de peligro pues, si el espectador fuera el que se esta enfrentando a la bestia, no vería al tiburón en ningún momento ya que se encuentra debajo del agua y, de la manera en la que se acabo presentando la ficción se consigue esta ilusión de realidad y empatía con el espectador que se siente, a la vez, amenazado por la bestia oculta.

De los demás aspectos de la película no hace falta incurrir demasiado. Los actores consiguen un buen resultado algo exagerado por gritos y primeros planos de caras asustadas. El trabajo técnico fue, a la vez, un fracaso y un acierto, pues la máquina tiburón no llegó a funcionar como debía pero se consiguió ese misterio que hemos dicho. Y el trabajo de guión vuelve a basarse en la moralidad y ética americana que castiga, en los primeros minutos del film, a una joven pareja que quiere tener sexo en la playa antes de casarse, de forma alocada e imperdonable para una sociedad que sigue castigando a estas parejas excitadas en las producciones de terror de hoy en día.

Es una muy buena película para recordar y hacer historia del cine. Seguramente, si se hubiera estrenado hoy, hubiera tenido una presentación visual espectacular pero se hubiera perdido todo este misterio alrededor del atacante, del que ya hemos hablado, y que consiguió los mayores elogios de la crítica y crear precedentes en el genero.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


miércoles, 29 de agosto de 2012

ROBIN HOOD



ROBIN HOOD
de Ridley Scott


Reparto: Russell Crowe, Cate Blanchett, Max Von Sydow, William Hurt, Mark Strong, Oscar Isaac, Kevin Durand, Mark Addy, Danny Huston, Matthew Macfadyen, Eileen Atkins.
Año: 2010
País: EEUU y Reino Unido
Lengua: Inglés y Francés
Genero: Aventura y Acción
Reconocimiento: Nominada a 2 Saturn Awards. 
Puntuación: «««««


Robin Hood es uno de los personajes más destacados de la literatura inglesa y una leyenda con base histórica en el país. De echo, también es una de las figuras que más veces se ha utilizada en el cine desde que, a principios del siglo XX aparecieran las primeras producciones mudas en torno a su figura. Debido a esto, se han realizado diferentes presentaciones del defensor de los pobres y, es esta de hoy, la que se aleja algo de la eterna presentación que se nos ha ido ofreciendo a lo largo del tiempo. Clásicamente, se ha presentado a Hood como alguien que robaba a los ricos para dárselo a los pobres y es esta faceta de él la que queda algo olvidada en la producción. Podemos decir que se presenta una figura más primaria de el vengador, justiciero o como se le quiera llamar y, de esta manera, se permite presentar a los demás personajes clásicos que le acompañan, como se empezó a forjar la leyenda y como empezaron sus aventuras en el condado de York, la ciudad de Nottingham y el bosque de Sherwood.

Ridley Scott es uno de esos direcotores que no ha tenido una orientación temática determiada y que se ha animado a lanzar tanto grandes títulos de la ciencia ficción como otros títulos dramaticos que, sorprendentemente, han sido los mayores aceptados. De hecho, se puede afirmar, echando la vista atrás en la trayectoria del director, que hay una montaña rusa en cuanto a éxitos y desastres que han echo algo irregular su filmografía. Entre ellos destacan algunos de los títulos más recordados de los últimos tiempos como Alien, Thelma y Louise, Gladiator, Hannibal o la recién estrenada Prometheus. Por otro lado, se encentran títulos que no fueron nada bien acogidos por la crítica ni por el público y, pese a ser un personaje reconocido en otros trabajos, no tuvieron piedad en destripar películas como Legend, Black Rain, Kingdom of Heaven, Body of lies... En esta ocasión, Scott, volvió a contar con uno de sus eternos protagonistas, Russell Crowe, para volver a encarnar el papel principal, después de haber alcanzado el éxito con Gladiator. La verdad es que en las producciones del director se nota un abuso de un reparto demasiado repetitivo y esto, como ya hemos comentado con otras ocasiones y directores, puede hacer que se pierda la credibilidad de las películas. En esta ocasión, se puede salvar esta credibilidad debido a la diversidad temática que ha ido presentando a lo largo de su trayectoria, credibilidad que, por ejemplo, no se puede salvar en el caso de Pedro Almódovar que sigue abusando y abusando de las mismas actrices con roles similares película tras película.

La película es una buena producción de acción que destaca en los apartados técnicos por encima de los artísticos, como suele pasar en este tipo de películas. La verdad es que, de vez en cuando, nos gustaría volver a encontrar una perfecta mezcla y equilibrio entre los diferentes apartados como sucedió en una de sus primeras películas, Alien, en la que tiene tanto peso la interpretación como la trama de lucha. No es una mala película y se puede ver de manera amena a pesar de las más de 2 horas a las que nos vemos obligados a estar sentados viéndola. Otro punto negativo es Crowe que sigue sin ser uno de nuestros actores predilectos por un abuso excesivo de la cara de pena y el susurro grave de su voz lineal.




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lunes, 27 de agosto de 2012

CARMINA O REVIENTA



CARMINA O REVIENTA
de Paco León


Reparto: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Ana María García, Miguel Alcíbar, Mari Paz Sayago,  Guillermo Weickert. 
Año: 2012
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia
Reconocimiento: 3 premios en el Festival de Cine de Málaga. Esperemos que la modalidad del estreno de la película no afecte negativamente en posibles nominaciónes futuras. 
Puntuación: «««««


Entre una comedia y un documental, uno de los máximos exponentes del genero cómico en España como es Paco León, realiza su debut en el mundo del cine con una película corta que tiene a su propia familia como protagonistas. A modo de pequeñas viñetas, se van presentando una serie de personajes de una misma familia que tienen problemas económicos por diferentes robos que han tenido en el negocio familiar. La encargada de solucionar todo, como es habitual, es la madre de la familia: Carmina, que se las ingeniara para evadir sus problemas económicos y legales para recuperar parte de su bienestar.

Realmente, no sabemos en que punto acaba la ficción y empieza la realidad (o viceversa) pero si se puede afirmar que hay una enorme complicidad entre todos los miembros de la producción, y no faltaba menos, ya que también son familia en la realidad. El estreno de Paco León como director no es el único, pues Carmina Barrios, la protagonista de esta comedia inusual, también debuta como actriz de una manera muy amateur. De echo, toda la producción esta impregnada de este aire amateur presentándose desnuda ante el espectador, sin repeticiones, con tartamudeos y errores, espontaneidad... y esto hace que sea algo natural, pero a la vez, inusual y algo extraño de entender. Si que encontramos una intervención más curada y profesional de María León pero, en general, es uno de los pocos elementos que se pueden destacar en el plano profesional de la obra.

La película se estrenó, a la vez, en salas de cine, internet y DVD por lo que se volvió a levantar una vez más otro debate a cerca de la piratería, los precios de las entradas del cine, cuanto cuesta comprar un DVD original y cuanto cuesta comprarlo en el Top Manta o bajarlo de internet... Seguramente, a los miembros de la Academia del Cine Español (especialmente estrechos en este debate) no les gusta esta nada esta nueva moda moderna de estrenar películas en internet, aunque pueda ser pagando, y castigan a la producción en la próxima gala de los Goya. Pues vaya pena.



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sábado, 25 de agosto de 2012

GREASE



GREASE
de Randal Kleiser


Reparto: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Ward, Didi Conn, Jamie Donnelly, Dinah Manoff, Eve Arden, Frankie Avalon.
Año: 1978
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Musical y Romance
Reconocimiento: Nominada a 5 Golden Globes. Nominada a 1 Oscar. 
Puntuación: «««««


Hay musicales famosos que han pasado del escenario a la pantalla con la pretensión de llegar a un público más amplio que, actualmente, esta recibiendo bien al genero. Después hay otra opción, la opción inversa de llevar un clásico del cine musical a los escenarios para presentar algo que todos ya conocemos y que tiene un éxito asegurado en vez de apostar por nuevas producciones que cuesta promocionar e impulsar a un público que no esta dispuesto, tal y como están las cosas, a pagar un dinero importante para ir al teatro sin ninguna garantía de nada. Esta vez, el musical Grease tiene las dos vertientes en su trayectoria. Primero se estrenó a principios de los años 1970 en Broadway y luego se pasó a la gran pantalla. Años después se reestrenó en teatros de todo el mundo superando los estrenos que sucedieron antes de la película. De esta manera, el éxito de los diferentes formatos y estrenos han ido superándose cada vez hasta convertir la historia adolescente de Danny Zuko y Sandy Olsson en uno de los musicales más rentables.

Pese a ser, como hemos dicho, uno de los musicales más rentables de la historia y una de las películas que se sigue pasando en televisión repetidamente consiguiendo buenos datos, la mayoría de las personas que intervinieron en la producción han quedado olvidadas sin volver a tocar grandes producciones. Randal Kleiser, que fue el director, se estrenó en el largometraje con esta película musical y después ha seguido su carrera en el cine contando con algunas peliculas destacadas pero sin poder volver a oler las mieles del éxito que se desprendían de Grease. Después tenemos a los miembros del reparto de los cuales poco o nada hemos vuelto a saber. Los más destacados han sido los dos protagonistas pero, hay que decir que, tanto Travolta como Newton-John, han tenido una carrera bastante irregular a lo largo de los años y que, últimamente, ha quedado bastante olvidada. Los dos empezaron con el musical o tienen una primera etapa dentro de él y, además, Olivia, ha sido una cantante reconocida internacionalmente ganando importantes premios a lo largo de su trayectoria. Como interpretes nunca han sido nada a destacar, aunque han tenido diferentes momentos en los que si han estado en la cima de la montaña del éxito gracias a sus trabajos. Esos tiempos pasaron y, según parece, hoy por hoy nadie vuelve a apostar por ellos en un rol protagonista para ofrecerles, de nuevo, otra oportunidad de recuperar sus carreras (oportunidades que ya se les han ofrecido en diferentes ocasiónes y que, por una cosa o por otra, siempre han acabado por reducirse a un éxito que ha durado un corto periodo de tiempo y ha vuelto al olvido). De la resta del reparto si que ya es más difícil de hablar, pues poco sabemos ya que pasó con todos los amigos y amigas de los protagonistas que alimentaban y participaban en su relación adolescente de instituto.

Es una película que a muchos les encanta y les gusta ver para recordar algo que ha estado presente en la vida de todos des de la infancia. Tiene una de las bandas sonoras más destacadas de la historia del cine y es una de las películas más destacadas que se han lanzado al mercado pero, es de un mal gusto, de un hortera y de un endulzamiento que, cuando ya hemos crecido, nos damos cuenta de que, en realidad, es un horror de película que puede llevar a las cabezas más cuerdas a la locura y a los cuerpos más sanos al coma diabético. Hay momentos en los que la vergüenza ajena es tan profunda que el espectador maduro ha de apartar la vista de los actos que se ven en pantalla y dejar que pasen pretendiendo que no se han visto. Por último, y con esto se dice todo lo que puede faltar, hemos de decir que la traducción que se hizo al español del título de la película fue Vaselina, en América del Sur, y Brillantina, en España. Juzguen ustedes mismos hasta que punto la película ha quedado desfasada en un mundo antiguo, hortera, colegial y muy bochornoso.




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jueves, 23 de agosto de 2012

ALICE IN WONDERLAND



ALICE IN WONDERLAND
de Tim Burton


Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover, Matt Lucas, Michael Sheen, Stephen Fry, Alan Rickman, Christopher Lee, Paul Whitehouse.
Año: 2010
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Aventura, Fantasía y Comedia.
Reconocimiento: 5 nominaciónes a los BAFTA ganando en Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería. 5 nominaciónes a los Saturn Awards ganando en Mejor Película de Fantasía y Mejor Diseño de Vestuario. 3 nominaciónes a los Oscar ganando en Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Dirección Artística. Nominada a 3 Golden Globes. Mejor Actriz para Mia Wasikowska en el Australian Film Festival. Nominada a 1 Grammy. 
Puntuación: «««««


Tim Burton ha sido otro de los cineastas que se ha decidido ha adaptar otro cuento clásico de la cultura popular y, esta vez, con el propio sello personal del estrambótico director. Por esto mismo, el mundo de Alicia y su País de las Maravillas es la opción acertada y el universo que le ha permitido a Burton y a su séquito fiel desarrollar la historia acorde con la estética que les suele acompañar. Sin embargo, la obra literaria que revoluciono el mundo a finales del siglo XIX tenía otro propósito principal a parte de presentar personajes estrambóticos, raros y surrealistas: el de hacer una crítica a la sociedad de la época y a los modelos establecidos a través de estos personajes y situaciones. Al pasar de los años, las críticas que se pretendían han quedado anticuadas y, evidentemente, se han perdido en una adaptación casi 2 siglos después del original. Esto podría justificar la falta de contenido reflexivo de esta adaptación y el echo de que solo se presenten las excentricidades que a Burton y Deep tanto les gustan, pero se podría haber realizado un mejor trabajo de guión y, ya que se propusieron mezclar los dos libros publicados del universo Alicia para sacar ideas nuevas, centrarse también un poco en el contenido de critica y reflexión que se pretendía con la obra literaria.

Sobre el perfecto triangulo que han creado los tres elementos principales de la película ya hemos hablado en diferentes ocasiones. Es más, a parte de la figura triangular que han formado Burton, Deep y Bonham Carter, podemos decir que, en realidad, hay todo un sistema al rededor del director que ha sabido adaptarse bien en cada una de las producciones que se han ido presentando a modo de repetición. Quizás el argumento cambie de película en película pero la presentación siempre ha sido la misma a lo largo de una trayectoria que no ha variado ni un poco. Tan solo hace falta hechar un vistazo a sus películas y saber que des de 2005 sus protagonistas han sido los mismos y que ya des de prácticamente el inicio de su carrera contava con un estatico reparto del que ha abusado demasiado como para traspasar una imagen de credibilidad y realidad. Pero sin duda, la máxima colaboración ha sido con Danny Elfman, el compositor que ha compuesto prácticamente todas las bandas sonoras de las películas de Burton, consiguiendo el mayor éxito en este apartado.

Hoy volvemos a presentar otra adaptación de un cuento infantil, una temática frecuentemente recurrida en el cine que ha sabido ganarse el favor del público con versiones renovadas y más adultas que agradan tanto a pequeños como a adultos. Como hemos dicho, en este proceso de adaptación se ha perdido la esencia literaria que tenia el original. Esto junto a que ya hemos visto la misma presentación una y otra vez, hace que la película se haga repetitiva y nada original.




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martes, 21 de agosto de 2012

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS



MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS
de Pedro Almodóvar


Reparto: Carmen Maura, Antonio Banderas, Julieta Serrano, María Barranco, Rossy de Palma, Kiti Mánver, Guillermo Montesinos, Chus Lampreave, Loles León, Ángel de Andrés, Fernando Guillén. 
Año: 1988
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia
Reconocimiento: Nominada a 16 Goyas ganando en Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actriz para carmen Maura, Mejor Actriz de Reparto para María Barranco y Mejor Montaje. Nominada a 4 Fotogramas de Plata ganando en Mejor Actor para Antonio Banderas y Mejor Actriz para Carmen Maura. Nominada a 3 European Film Awards ganando en Mejor Película Joven y Mejor Actriz para Carmen Maura. Ganadora de 2 Premios Sant Jordi para la Mejor Película y la Mejor Actriz Española para María Barranco. Ganadora de 2 Premios en el Festival de Cine de Venecia al Mejor Guión y a la Mejor Actriz para Carmen Maura. Nominada a 1 Oscar. Nominada a 1 Golden Globe. Nominada a 1 BAFTA. Nominada a 1 David di Donatello.  
Puntuación: «««««


Mezclar mujeres, nervios, celos, histeria, amor, locura, surrealismo, gazpacho, tacones... es una de las especialidades de Almódovar que se ha perfilado como el director más destacado de nuestro país y como un genio en el momento de realizar estas mezclas explosivas que, no siempre han tenido un buen resultado o no siempre han tenido el resultado que él esperaba. Esta película fue el primer éxito internacional del director manchego, la primera película nominada en los certámenes de todo el mundo y la que propulso su carrera. Como hemos dicho en repetidas ocasiones, Almodóvar es un genio a la hora de construir películas, sobretodo en el apartado técnico pero, a menudo, los guiones son tan fieles a su estilo personal que pueden caer en la repetición y el monotrema. Sin embargo, el problema más destacado suele llegar con el reparto que abusa de interpretes sin talento interpretativo (por lo cual es un poco contradictorio llamarlos interpretes). En el inicio de su carrera aún se podía camuflar la obstinación temática en sus guiones y la calidad interpretativa no era tan pésima, pero, al pasar de los años y con la llegada de la nueva musa Penélope Cruz las cosas empezaron a caer por su propio peso y hace ya algún tiempo que no consigue alcanzar el éxito que tubo ya hace algunos años con películas originales y actrices de verdad como Cecilia Roth en vez de Penélope.

Dejando de lado las criticas al cine de Almodóvar, que ya hemos comentado en repetidas ocasiones, hay que decir que esta que hoy nos ocupa es una buena película, cómica, fresca, innovadora y surrealista que asentó las bases estílisticas que luego ha seguido utilizando y que le han definido como un perfecto director técnico. Los primeros planos de tacones y, en general, el uso del primer plano y el detalle es una de las premisas que mejor le definen y que se empezaron a forjar en esta primera etapa de su carrera. El apartado artístico siempre ha sido el más complicado de abordar en su filmografía pero, como hemos dicho, en esta primera etapa aún no habían aparecido determinados nombres que han viciado el reparto de sus películas cayendo en la mediocridad interpretativa. En general, todo el reparto, en esta ocasión, esta bastante correcto destacando a dos de las actrices recurrentes del director como son María Barranco, Loles León y Rossy de Palma que aportan los mayores momentos cómicos de la película.

Es una muy buena película de la primera etapa prolífica y exitosa del director que ayuda a entender la construcción y evolución de Almodóvar.



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domingo, 19 de agosto de 2012

BRAM STOKER'S DRACULA



BRAM STOKER'S DRACULA
de Francis Ford Coppola


Reparto: Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E Grant, Cary Elwes, Billy Campbell, Sadie Frost, Tom Waits, Monica Bellucci.
Año: 1992
País: EEUU
Lengua: Inglés, Rumano, Griego, Búlgaro y Latín. 
Genero: Drama, Terror y Romance. 
Reconocimiento: Nominada a 10 Saturn Awards ganando en Mejor Pelíucla de Terror, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor para Gary Oldman y Mejor Diseño de Vestuario. Nominada a 4 Oscars ganando en Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Edición de Sonido y Mejor Maquillaje. Nominada a 4 BAFTA. Nominada a 1 Fotograma de Plata. 
Puntuación: «««««


Coppola es uno de esos directores que emergieron en la década de los 1970 y que impulsaron el cine americano con un nuevo enfoque y proyectos de calidad empezando a construir la nueva era de los nuevos efectos visuales. Un ejemplo claro es esta producción que utilizó trucos antiguos y una construcción visual basada en las películas de cine mudo y en los títeres para formar todo un concepto visual reformado y adaptado a una nueva era. Rescatando estas técnicas y aplicándolas a una nueva producción vemos como los trucos, las sombras, las maquetas, los juegos con la cámara... tienen un peso importante en una historia de misterios que intenta rescatar la figura del Conde Drácula y que, no solo lo consiguió, sino que también se considera la más fiel adaptación del libro echa hasta la fecha.

El encargado de encarnar a uno de los personajes de ficción más famosos de la historia de la literatura y el cine, el Conde Drácula, fue Gary Oldman un actor inglés reconocido internacionalemente que recientemente rozó el máximo éxito que un actor puede conseguir gracias a la película El Topo. Al pasar de los años se construyo una solida carrera que empezo en el reino Unido, su país de origen, y que se traslado al imperio hollywoodiense de la mano de Coppola y de esta producción que hoy nos ocupa de principios de los 1990. Desde entonces, Oldman ha sido considerado como uno de los mejores actores de todos los tiempos y ha servido de referente a muchos otros actores que han reconocido, varias veces, su admiración por el actor en público. Brad Pitt, Daniel Radcliffe, Ryan Gosling, Christian Bale, Johnny Depp, Colin Firth, Jason Isaacs, Ben Foster, Morgan Freeman, Tim Roth, Anthony Hopkins, Denzel Washington... son algunos de los actores que se han querido reflejar en el trabajo de Oldman y que han comentado su admiración por el interprete y su trabajo. Acompañando al actor, en el reparto se encuentran diferentes nombres igualmente reconocidos que intentaron elevar el interés del público por la obra. Como siempre, Winona Ryder vuelve a relizar un trabajo histrionico y exagerado que carga la mente del espectador con tanto grito insoportable. Por otro lado, aparecen Keanu Reeves y Anthony Hopkins que trabajan con corrección pero, sin duda, han destacado más en otros trabajos en los que se han visto más desenvueltos.

El problema más grande de la película es un guión lento y, en ocasiones, aburrido que, aunque se basa en un clásico de la literatura e intenta ser fiel, se extiende a lo largo de un metraje demasiado extendido y lento. Además, visto con el tiempo y conociendo los avances que ha habido en cuanto a efectos visuales, se queda algo anticuado el recurso de las sombras aunque no hay que desmerecer este aspecto porque supuso un principio en este mundo. Es una película que se puede ver si se encuentra por casualidad por el interés técnico que pueda suscitar, nada más.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y poco más!




viernes, 17 de agosto de 2012

THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS




THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS
de Terry Gilliam


Reparto: Andrew Garfield, Christopher Plummer, Lily Cole, Tom Waits, Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell,  Verne Troyer.
Año: 2009
País: Reino Unido, Canadá y Francia. 
Lengua: Inglés, Ruso y Francés
Genero: Fantasía
Reconocimiento: Nominada a 2 Oscars. Nominada a 2 Saturn Awards. Nominada a 2 BAFTA. 
Puntuación: «««««


Entrar en el imaginario del Doctor Parnassus es como entrar en uno de los cuadros de Salvador Dalí. En este surealista terreno es donde el Demonio y el Doctor juegan sus partidas para que las personas tomen su decisión de qué camino elegir. La historia se basa en el clásico Fausto de Goethe donde Dios y el Diablo se retan para conducir la vida de Fausto. En esta versión revisada del clásico, los dos personajes principales caminan entre los humanos de modo que pueden presentarse ante ellos y jugar a su juego con ellos.

Heath Ledger era uno de los personajes principales hasta que, repentinamente, murió en New York en extrañas circunstancias. La producción se vio cancelada y se intentó seguir con ella tras un tiempo, utilizando la tecnología para poner al actor en las secuencias que hacia falta y que todavía no se habían gravado. Como no era suficiente, se contó con tres actores más que encarnaron el mismo personaje utilizando lo surrealista del guión. De esta mnera, un mismo personaje fue interpretado por cuatro actores diferentes que le dieron vida en diferentes mundos o subrealidades. Este es uno de los sellos de identidad del director y guionista Terry Gilliam que acostumbra a tratar temas mezclados entre la realidad y la fantasía y solo hace falta ver los carteles de sus películas para demostrar esto. Ha realizado algunos títulos importantes en la industria cinematográfica americana y goza de cierto reconocimiento entre la crítica que frecuentemente ha alabado su trabajo.

Antes de ver la película hay que liberar la mente y saber que uno se dispone a ver algo subrealisticamente diferente a las propuestas que habitualmente podemos ver. Sin embargo, es una buena película, entretenida y, como hemos dicho, diferente a las propuestas habituales. Esto puede ser su punto fuerte y, a la vez, su punto flojo, dependiendo de como lo valore el ojo del espectador.



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miércoles, 15 de agosto de 2012

LA COMUNIDAD



LA COMUNIDAD
de Álex de la Iglesia


Reparto: Carmen Maura, Eduardo Antuña, Jesús Bonilla, Sancho Gracia, Emilio Gutiérrez Caba, Kiti Manver, Terele Pávez, Eduardo Gómez, Paca Gabaldón, María Asquerino, Marta Fernández Muro, Ane Gabarain, Roberto Perdomo.
Año: 2000
País: España
Lengua: Castellano
Genero: Comedia, Crimen y Misterio
Reconocimiento: Nominada a 16 Premios Goya ganando en Mejor Actriz para Carmen Maura, Mejor Actor de Reparto para Emilio Gutiérrez Caba y Mejores Efectos Especiales. Nominada a 2 premios en el Festival de Cine de San Sebastián ganando la Concha de Plata a la Mejor Actriz para Carmen Maura. Ganadora de 3 premios en la Union de Actores de España para Carmen Maura, Terele Pávez y Emilio Gutiérrez Caba. Nominada a 2 European Film Awards. Ganadora de 2 Fotogramas de Plata a la Mejor Pelíucla y a la Mejor Actriz para Carmen Maura. 
Puntuación: «««««


Si hace un tiempo comentavamos que el cine de Álex de la Iglesia ha sido algo irregular en su carrera dentro del mundo de la dirección, el guión, la producción, la interpretación..., hoy presentamos una de las pocas películas que merece la pena rescatar de su filmografía. La Comunidad, representó uno de sus primeros éxitos en cuanto a ganancias, después de su primera producción junto a Pedro Almodóvar Acción Mutante, su primer éxito reconocido con El día de la bestia, su polémica película Perdita Durango y la desastrosa Muertos de Risa. En esta ocasión, podemos decir que estamos delante de una comedia fresca y entretenida que consiguió volver a poner a Carmen Maura en en genero de la comedia española después de su paso por el drama y de diferentes producciones europeas, sobretodo en Francia. 

Pese a la entredicha calidad de las películas de de la Iglesia, si hay que reconocer que se ha mantenido mas o menos fiel a una fórmula que le ha caracterizado como cineasta y que le ha convertido en uno de los máximos exponentes de nuestro cine. La verdad es que los resultados pocas veces le han sido favorables y normalmente ha sido debido a errores en el guión que se ha presentado repetido a producciones anteriores, poco original o carente de ritmo. Pese a esto, siempre se ha relacionado con un buen equipo, tanto técnico como artístico, que ha aportado calidad a los films, una calidad pocas veces merecida. En esta ocasión, como hemos dicho, todos los apartados de la película elevan su calidad y presentan un buen resultado final. Además, se consigue una mezcla perfecta, como se pretende en casi todas las películas del director, entre comedia y terror. 

Es una muy buena película española, quizás la mejor de Álex de la Iglesia, y por esto la recomendamos a todos. Cuenta además con interpretaciones excelentes como la de Terele Pávez que parece que solo un recurso secundario sobretodo en el cine del director. Esperemos que algún día se le de una verdadera oportunidad como las que tenía hacia un tiempo porque la verdad es que es una excelente actriz que se desenvuelve excelentemente, sobretodo en el genero de comedia. 



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


lunes, 13 de agosto de 2012

MOULIN ROUGE



MOULIN ROUGE
de Baz Luhrmann


Reparto: Nicole Kidman, Ewan McGregor, John Leguizamo, Jim Broadbent, Richard Roxburgh, Garry McDonald, Jacek Koman, Caroline O'Connor, Kerry Walker, Matthew Whittet, David Wenham.
Año: 2001
País: EEUU y Australia
Lengua: Inglés y Francés
Genero: Musical y Comedia
Reconocimiento: Nominada a 12 BAFTA ganando en Mejor Actor de Reparto para Jim Broadbent, Mejor Música Original y Mejor Sonido. Nominada a 10 Australian Film Institute Awards ganando en Mejor Fotografía, Mejor Edición, Mejor Sonido, Mejor Diseño de Producción y Mejor Vestuario. Nominada a 8 Oscars ganando en Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario. Nominada a 6 Golden Globes ganando en Mejor Película de Coemdia o Musical, Mejor Actriz de Comedia o Musical para Nicole Kidman y Mejor Musica. Nominada a 2 Saturn Awards. 2 Premios en los European Film Awards. Nominada a 1 Premio en el Festival de Cine de Cannes. Nominada a 1 Grammy. Nominada como Mejor Película Extranjera en las Academias de Francia, México, Londres e Italia.
Puntuación: «««««


Tras una fotografía y un uso de la cámara oscuro, confuso y vertiginoso se esconde el musical que puso de nuevo en orbita el genero. Tubo una muy buena acogida por el público y la critica tampoco la recibió nada mal. La verdad es que no es un desastre de película pero técnicamente es un fallo bastante importante que, habitualmente, suele pasar en algunas producciones que pretenden ofrecer algo visualmente innovador pero que, al final, se acaba por quedar en una pretensión fallida que estropea un guión. El guión no es nada bueno ni original y, básicamente, presenta otra historia de amor eterno entre dos personas que no pueden lograrlo por alguna clase de impedimento. De hecho, se repite la misma formula de las demás películas del director, guionista y productor Baz Luhrmann (Romeo y Julieta o Australia) con esta eterna presentación de chico que se enamora de chica o viceversa.

El genero del musical es un terreno en el que hemos entrado bastante en el blog y en el que hemos destacado diferentes producciones originales en las que se ha hecho un gran trabajo musical acompañado de una buena presentación visual (sobretodo hemos destacado Dreamgirls y Rock of Ages). En esta ocasión, la música no es original y se optó por mezclar diferentes himnos de la cultura musical popular para construir esta historia de amor clásica que ya hemos comentado. A ritmo de Madonna, The Police, Elton John, Queen... el espectador tiene la oportunidad de ver una propuesta diferente con las voces de los actores y actrizes original, es decir, que no utilizan un doble para los momentos musicales como ya ha pasado anteriormente como en el caso de High School Musical, por ejemplo. Esto justifica la presencia de cada uno de los interpretes que aportan trabajos acorde con los requisitos del guión. No solamente están en la película como interpretes, sino que también merecen su puesto como cantantes y, esto, se agradece evitando pensar que simplemente se contrato a la persona por una apariencia que atraería a un publico determinado como en el caso de Zac Efron. Tanto Kidman como McGregor como la resta del reparto son agradables de ver a pesar de la empalagosidad azucarada del guión y los momentos bochornosos que les obligan a pasar.

Simplemente es una película entretenida visualmente desastrosa y con un guión demasiado acaramelado. Sorprende que lo mejor de la película sea una eternamente fría Kidman (que en esta ocasión salio de su país invernal interno), sus compañeros de reparto y una presentación inteligente de las canciones que todos conocemos adaptándolas a la obra y presentándolas de manera original al espectador. Aviso para futuros espectadores: no se puede ver un día de resaca pues las imágenes pueden llegar a acentuar el mareo habitual y las dosis altas de azúcar pueden hacer recordar que la noche anterior no salió todo como se esperaba.




Todo lo escrito  es fruto de la imaginación... y nada más!


sábado, 11 de agosto de 2012

HAIRSPRAY



HAIRSPRAY
de Adam Shankman 


Reparto: Nikki Blonsky, John Travolta, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, Zac Efron, Amanda Bynes, James Marsden, Queen Latifah, Brittany Snow, Elijah Kelley, Allison Janney, Taylor Parks.
Año: 2007
País: EEUU y Reino Unido
Lengua: Inglés
Genero: Musical y Comedia
Reconocimiento: Nominada a 3 Golden Globes. Nominada a 1 BAFTA. Nominada a 1 Grammy. 
Puntuación: «««««


A caballo entre Grease, The Help y Dreamgirls, se presenta una obra musical con connotaciones de lucha racial, música de los años 50 y 60 y personajes que parecen haber sido creados para Los Teleñecos en vez de para un musical serio. Lo que pretendía ser una comedia musical acaba siendo algo un poco bochornoso sobretodo por el abuso de maquillaje, pelucas, trajes horteras y, en definitiva, malas elecciones para caracterizar a los personajes que en vez de parecer personas normales de una época pasada, se presentan travestidos disfrazados de manera bastante hortera. Algunos dirán que en esto se encuentra la gracia de la película y del musical de éxito en Brodway pues, el título de la producción es Hairspray (que traducido al español es ""Laca para el Pelo"), pero ha habido muchas personas que han utilizado este recurso en escena y no han acabado en lo hortera, las Supremes sin ir más lejos.

Hace bien poco comentamos la última película musical de uno de los nombres más destacados en el terreno: Adam Shankman y Rock of Ages. Dijimos que es uno de los mejores musicales que hemos visto en mucho tiempo. Esto mismo no se puede aplicar en esta película en la que ya hemos comentado algunos desaciertos técnicos y en la que también aparecen diferentes colaboraciones artísticas innecesarias como las de el travestido John Travolta, Zac Efron, Christopher Walken y, en general, todo el reparto que fuerza las interpretaciones enfundados en un disfraz igualmente forzado. Recientemente, en el musical de Rock, se hizo un ejercicio totalmente contrario al que se hizo en esta ocasión, lleno de clase, buenos números musicales, buenas coreografías... hoy solo podemos lamentar el desastre que se nos presenta.

Como ya imaginan, no pensamos que sea una buena película ni un buen musical pero, en algunos pequeños momentos consigue entretener al espectador y hacer olvidar que tratamos con algo que se ha exagerado tanto hasta llegar al estreno del ridículo.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


jueves, 9 de agosto de 2012

EVER AFTER



EVER AFTER
POR SIEMPRE JAMÁS
de Andy Tennant


Reparto: Drew Barrymore, Anjelica Huston, Dougray Scott, Patrick Godfrey, Megan Dodds, Melanie Lynskey, Timothy West, Judy Parfitt, Jeroen Krabbé, Lee Ingleby, Kate Lansbury, Matyelok Gibbs, Walter Sparrow.
Año: 1998
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Drama
Reconocimiento: 4 nominaciónes a los Saturn Awards ganando en Mejor Actirz para Drew Barrymore y Mejor Diseño de Vestuario. 
Puntuación: «««««


Si hace un tiempo decíamos que se ha puesto de moda adaptar los clásicos infantiles al cine dándoles un aire modernizado, revisado y más adulto, también hemos visto que no se trata de una nueva moda. Hace ya un tiempo salió la adaptación de Peter Pan con Hook, después vino la adaptación que hoy nos ocupa de la Cenicienta y, ya mas tarde, aparecieron las adaptaciones de Caperucita Roja, las dos de Blancanieves (Blancanieves y la leyenda del cazador y Mirror Mirror), la adaptación de Alicia en el país de las maravillas... Del mismo modo se han producido o se están produciendo diferentes series con la temática de los cuentos infantiles a nivel nacional e internacional y, parece, que esta afición por renovar los clásicos infantiles no va a cesar pues ya para este año se espera otra versión de Blancanieves, española esta vez, con Maribel Verdú como madrastra. Son películas que han contado con nombres reconocidos en sus producciones y su atracción principal es la de ver que propuesta se nos va a presentar de algo que ya todos conocemos.

La que fuera la niña prodigio de América y después la niña rebelde del país, Drew Barrymore, se convirtió en la Cenicienta de la historia en un segundo intento por triunfar en la industria del cine de Hollywood. En su primera etapa de niña saltó a la fama gracias a ET el Extraterrestre y a diferentes papeles de niñas y en programas televisivos como Saturday Night Live (fue la presentadora más joven de la historia del programa). A la edad de 9 años empezó su historia de autodestrucción con drogas e intento de suicidio incluido. A los 13 entró en rehabilitación y, más o menos a los 20 años retomó su carrera como actriz empezando con películas de pequeño presupuesto y, más tarde, aumentando sus expectativas hasta llegar a fundar su propia productora y a sentarse en la silla de dirección. Su carrera se ha construido en una base de comedia romántica con títulos bien acogidos por el público. También ha sido una actriz que ha intentado salir de este terreno y adentrarse en otros papeles que le han aportado algo de variedad, aunque básicamente han sido pocas las ocasiones en las que esto ha sucedido. La madrastra es Anjelica Huston quién, por su fisonomía es una de esas actrices que es capaz de infundir terror con tan solo un primer plano corto. El papel le queda perfecto aunque en algunos momentos, la pretensión de su personaje de tramar los diferentes planes, se le escapan. Sea como sea, es una actriz muy buena que nos gustaría volver a disfrutar en algún papel protagonista.

Andy Tennant es el director del filme y también uno de los escritores del guión basado en el cuento de los hermanos Grimm. La película recuerda algo a los telefilms que habitualmente vemos los sábados por la tarde y se aleja bastante de las demás películas que hemos comentado al principio. Sin embargo, en los apartados de maquillaje, vestuario y peluquería destaca excelentemente.

La película es una buena propuesta revisada del cuento clásico que todos ya conocemos. Hay apartados en los que se podría haber trabajado más y, sin duda, si hoy día se hiciera un remake de estos a los que estamos acostumbrados, se haría una propuesta mejorada.




Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!



martes, 7 de agosto de 2012

FUGA DE CEREBROS



FUGA DE CEREBROS
de Fernando González Molina


Reparto: Mario Casas, Amaia Salamanca, Alberto Amarilla, Gorka Lasaosa, Pablo Penedo, Canco Rodríguez, Blanca Suárez, Loles León, Joan Dalmau, Asunción Balaguer, Álex Angulo, David Fernández Ortiz, José Luis Gil, Mariano Peña, Fernando Guillén, Antonio Resines. 
Año: 2009
País: España
Lengua: Castellano, Inglés
Genero: Comedia 
Reconocimiento: Nada. Una de las películas más taquilleras de la historia del cine español. 
Puntuación: «««««


El termino "fuga de cerebros" se define como la emigración de talentos nacionales a otros destinos con más oportunidad. Más o menos, es lo que los jóvenes preparados de hoy en día tenemos que hacer en España: buscar un destino que nos permita encontrar un puesto de trabajo acorde con nuestros estudios. Sin embargo, en esta película, se define el termino como a la emigración de unos personajes zafios a otro destino (en este caso Oxford), con el fin de conquistar a una chica.

Personajes encasillados y estereotipados encarnados por los nombres más conocidos de la televisión, un guión fácil y poco trabajado, una dirección novel en el cine que se inicio en el mismo terreno televisivo que el de sus actores y, en general, algo que pretendía ser una comedia fresca y juvenil acaba siendo un largometraje bochornoso con caras guapas y vacías de talento. Tanto Mario Casas como Amaia Salamanca han sido nombres que han sonado fuertemente des de sus debut televisivos en series reconocidas. Ha habido muchas épocas de estas a lo largo de la historia del cine en la que los actores jovenes se aporvechan de su fama de instituto a partir de series seguidas por adolescentes para hacer un salto al mundo del cine. Hay muchos ejemplos como Al salir de clase, Nada es para siempre, Compañeros, Física o Quimica... la verdad es que pocos nombres han perdurado de estas series y ha logrado una carrera fuera de su rol televisado. Es verdad que muchos productores se han valido de ellos al contar con un público fiel que pagaría el dinero de una entrada de cine para verlos en pantalla pero, al pasar de los años y al aparecer nuevos nombres o otras series, han caído en el olvido tanto del público como de las productoras. Habitualmente esto es lo que pasa con malos trabajos que se sustentan en algo tan efímero como la belleza. Al final, todos envejecemos y solo quedan aquellos con un talento verdadero basado en algo más que en una cara bonita y un club de fans adolescentes.

La película, como hemos dicho, no destaca ni artisticamente ni tecnicamente, ni puede ser valorada por nada más que por el pasmoso resultado que consiguió en taquillas. En poco tiempo se situó como una de las películas más vistas de la historia de nuestro país pero, como decimos, es un recurso muy fácil coger a un montón de actores y actrices semidesnudos que garantizarán el éxito. A lo mejor, si esta clase de personajillos de nuestro país emigraran, nos quedaríamos más tranquilos, sin esta clase de películas. Por la "fuga de cerebros".



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


domingo, 5 de agosto de 2012

LA NIÑA DE TUS OJOS



LA NIÑA DE TUS OJOS
de Fernando Trueba


Reparto: Penélope Cruz, Antonio Resines, Jorge Sanz, Rosa Maria Sardà, Santiago Segura, Loles León, Jesús Bonilla, Neus Asensi, Miroslav Táborský, Johannes Silberschneider, Karel Dobrý, Götz Otto, María Barranco, Juan Luis Galiardo, Hanna Schygulla. 
Año: 1998
País: España
Lengua: Castellano, Alemán y Ruso
Genero: Comedia y Drama
Reconocimiento: 18 nominaciónes a los Goya ganando en Mejor Película, Mejor Actriz para Penélope Cruz, Mejor Actor Revelación para Miroslav Táborský, Mejor Dirección Artística, Mejor Dirección de Producción, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería. 3 nominaciónes a los Fotogramas de Plata ganando en Mejor Actor para Antonio Resines y Mejor Actriz para Penélope Cruz. 2 nominaciónes a la Unión de Actores de España ganando en Mejor Actriz para Penélope Cruz. 1 nominación en el Festival de Cine Internacional de Berlin. 1 nominación en los European Film Awards. 
Puntuación: «««««


En una España dividida por la Guerra Civil, todos los estudios de cine se encontraban en la zona Republicana, por lo que el acomplejado Franco y su movimiento no podían producir ninguna película. Afortunadamente, el amigo Hitler, hecho un cable a la necesidad de producir películas franquistas en plena guerra y ofreció los estudios alemanes para la causa. La niña de tus ojos ofreció esta visión de los hechos acontecidos revisando aquellos personajes políticamente incorrectos y presentando algo con una visión más humana de lo que en verdad pasó. Lo que sucedió en realidad es que el alzamiento mando a una serie de artistas simpatizantes, como Imperio Argentina o Estrellita Castro, para poder ofrecer producciones dramatico-musicales típicamente españolas. Con esta clase de películas se pretendía impulsar el folclore nacional y repetir una y otra vez las mismas temáticas estáticas para mantener al rebaño social embobado y adiestrado sin permitirle pensar en ninguna otra cosa diferente.

Fernando Trueba es uno de los directores más destacados de nuestro panorama, contando con diferentes premios de reconocimiento entre los que se encuentran diferentes Goya y un Oscar. Sus películas han tenido reconocimiento y es uno de los que ha puesto el cine español en órbita internacional pero sus incursiones en el cine documental y algunas malas películas como Tow Much han hecho que su nombre haya perdido fuerza estropeando los éxitos conseguidos. Es una realidad que el cine documental no atrae la atención de los espectadores y una película con Antonio Banderas y Melanie Griffith como protagonistas, aún menos. Sin embargo, en esta ocasión, podemos decir que realizó una de las mejores películas de nuestro cine. Se realizó un estupendo trabajo de dirección, un buen trabajo de guión (aunque adaptado para suavizar las figuras franquistas y los personajes de ultraderecha) y se consiguió un casting excelente que, aunque algunos son nombres suenan a decepción, sorprenden gratamente olvidando antiguos y futuros trabajos tremendamente malos. Ejemplos de esto son los inseparables Antonio Resines y Jesús Bonilla, la estrella Penélope Cruz y los oscilantes Neus Asensi y Jorge Sanz. Todos ellos, por imposible que parezca, consiguen un buen resultado en cada uno de sus roles. Sin duda, el trabajo de dirección de actores es excelente. Por otro lado, hay que también destacar la parte técnica de la película que consiguió diferentes reconocimientos en los apartados de Producción, Dirección Artística, Maquillaje, Vestuario y Peluquería... y que consigue una ambientación histórica y un contexto excelentes.

La película es una de las destacadas de nuestro cine y algo que todos deberíamos prestar atención. Para aquellos a los que les horroriza el cine español y las películas ambientadas en la Guerra Civil Española, deberían echarle un ojo. También estaría bien para aquellos que no comprenden el éxito de Penélope y ver que, en momentos muy puntuales y escasos, consiguió hacer algo cercano a la credibilidad que aporta un rayo de esperanza en su carrera.




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sábado, 4 de agosto de 2012

SCREAM




SCREAM
de Wes Craven


Reparto: Neve Campbell, David Arquette, Courteney Cox, Rose McGowan, Skeet Ulrich, Matthew Lillard, Jamie Kennedy, Drew Barrymore, Liev Schreiber, Henry Winkler, W Earl Brown.
Año: 1996
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Crimen y Terror
Reconocimiento:  6 nominaciónes a los Satrurn Awards ganando en Mejor Película de Terror, Mejor Guión y  Mejor Actriz para Neve Campbell.
Puntuación: «««««


Si hace unos días presentamos The Fly, uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción de uno de los directores que integran el grupo de "las 3 C" del cine de terror y ciencia ficción, hoy nos ocupa la primera parte de Scream de otro de los directores que forman parte de este grupo. Wes Craven ha sido otro referente en el cine de este genero desde que se estreno la primera parte de Pesadilla en Erlm Street, de la que después se ha desentendido e incluso ha criticado las diferentes séquelas que se han estrenado. Anteriormente estaba relacionado con un cine muy explicito e incluso pornográfico con escenas que escandalizaron a la sociedad americana en los años 1970. Después de su primer éxito de la mano de su personaje estrella, Freddy Krueger, sus éxitos más destacados llegaron con la saga que empieza esta primera película de Scream donde se narran los asesinatos en serie que aterroriza a los jóvenes de un instituto. ¿Quién es el asesino?¿Cuál es su objetivo?¿Se sigue el mismo patrón que las demás películas de terror? Hay que ver la película para saberlo pero hay que decir que intenta salir de los estereotipos del genero haciendo burla de él y normalizando las secuencias para hacer parecer que es una película real basada en las experiencias que cualquiera pudiera tener en una situación parecida. Hay momentos en los que los personajes narran lo que pasa haciendo símiles con las películas de terror.

El reparto ha sido un referente a lo largo de las cuatro películas que se han ido sacando des de 1996. Además, algunos de los actores y actrizes no han realizado nada más de relevancia fuera de la franquicia de Carven. Los personajes, también han sido ya un referente y también han sido objeto de diferentes gags en otras películas y han entrado en la cultura popular, como demuestra el boom que surgió con la figura de Ghostface (el asesino de la mascara de fantasma). De hecho, la saga entera ha servido para crear diferentes comedias extraídas de ellas como ya dijimos en Scary Movie que se basa puramente, en el guión de la película de hoy.

Con el tiempo, algunas de las películas de terror parecen algo infantiles y la sensación de terror se pierde, pues el ojo del espectador ha ido madurando y se ha ido acostumbrado al genero. Cada vez queremos más y mejor y algunas películas quedan algo desmejoradas con el paso de los años. Esto es exactamente lo que pasa en esta ocasión donde el asesino de la mascara ha quedado totalmente inofensivo a los ojos de un público que ya ha visto de todo. Esto también ha influido en las posteriores películas de la saga que se han ido estrenando y cada vez se ha pretendido ofrecer lo que la gente necesitaba ver, pero, revisando las primeras propuestas, hay que reconocer que han perdido tensión, aunque siguen siendo buenas películas y clásicos referentes.




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viernes, 3 de agosto de 2012

AUSTIN POWERS. INTERNATIONAL MAN OF MISTERY




AUSTIN POWERS. INTERNATIONAL MAN OF MISTERY
AUSTIN POWERS. MISTERIOSO AGENTE INTERNACIONAL
de Jay Roach


Reparto: Mike Myers, Elizabeth Hurley, Mimi Rogers, Robert Wagner, Fabiana Udenio, Seth Green, Mindy Sterling, Michael York.
Año: 1997
País: EEUU y Alemania
Lengua: Inglés
Genero: Comedia y Crimen
Reconocimiento: Nominada a 2 Saturn Awards ganando en Mejor Película de Fantasía. 
Puntuación: «««««


A finales de los 1990 se estrenó una película de comedia con reminiscencias de los 1960 y 1970 que se extendió en forma de trilogía teniendo como protagonista a Austin Powers, un superagente al estilo James Bond 007 pero totalmente al contrario. Mientras Bond es un hombre que representa el espionaje profesional con clase, glamour, lujo y presencia, Powers es un personajillo hortera, sucio, desagradable, oliente, maleducado, machista y extremadamente desagradable hasta el punto de perder todo aspecto cómico y pasar a ser algo repulsivo que no merece la pena seguir en una trilogía. De hecho todos los chistes que se intentan realizar acaban siendo algo repetitivo en esa aborigen de sucios adjetivos casposos que acaban por desquiciar la mente del espectador y haciendo que uno mismo se pregunte que mal se hizo con esas personas que han conseguido crear esta monstruosidad de película.

El responsable de encarnar al superagente Powers, y a diferentes personajes de la comedia, es Mike Myers un reconocido comediante canadiense muy involucrado en producciones americanas e inglesas. Él mismo creo las ideas alrededor de los personajes y el guión. Este hombre empezó su popularidad en el reconocido programa cómico americano Saturday Night Live y ha sido igualmente reconocido como la voz de Shrek, al igual que por la creación que hoy traemos aquí. Por poco más ha sido reconocido en nuestro país y, más bien, es un nombre que pasa bastante desapercibido, pero la verdad es que goza de gran popularidad en el mercado de habla inglesa. Un segundo nombre a destacar es el que se puso al frente de la dirección del proyecto. Jay Roach vuelve a ser otro nombre reconocido en la comedia americana por títulos como la trilogia de Powers o la saga de Los padres de ella/él. Los dos son los máximos responsables de estas películas que han sido clasificadas como comedias pero que han resultado algo totalmente que se hace innecesario por completo. Es esa clase de humos tan burdo y tan innecesario que ni tan siquiera esta elaborado como tal. Simplemente hay un seguido de escenas fáciles y superficiales pegadas una al lado de la otra con la pretensión de lograr una carcajada que nunca llega.

Con esta calidad citada, fue algo impensable que la critica no se rebelara, que el público concediera una acogida importante, que no obtuviera ningún galardón negativo como por ejemplo un montón de Razzies y... más aún, que consiguiera un premio a la Mejor Película de Fantasía. Hay ocasiones en las que no se entiende como todo esto puede pasar tratando con lo que nos hemos enfrentando. Simplemente es una de las peores comedias jamás hechas.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


jueves, 2 de agosto de 2012

THE FLY



THE FLY
LA MOSCA
de David Cronenberg


Reparto: Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel.
Año: 1986
País: EEUU
Lengua: Inglés
Genero: Ciencia Ficción y Terror
Reconocimiento: Ganadora del Oscar al Mejor Maquillaje. Nominada a 7 Saturn Awards ganando en Mejor Película de Terror, Mejor Actor para Jeff Goldblum y Mejor Maquillaje. Nominada 2 BAFTA. 
Puntuación: «««««


El cine de ciencia ficción tubo su origen y uno de sus momentos más álgidos en los años 1950. Después de esta primera etapa dorada, el genero pasó a caracterizarse por producciones de serie B hasta que, entre los años 1970 y 1980 aparecieron nombres como los de Steven Spielberg y George Lucas que han sido los mayores referentes del cine, en el apartado más comercial del genero. Por otro lado, en esta misma época en la que estos dos nombres publicaban grandes títulos referentes del genero y del cine moderno, aparecía lo que se llamo el grupo de "las 3 C" del cine de terror y ciencia ficción. Estaba compuesto por tres directores que, aunque no consiguieron una repercusión igual a la de Spielberg o Lucas, si son tres personajes claves para los fieles de esta clase de películas y consiguieron lanzar verdaderas joyas de culto como The Thing, Pesadilla en Elm Street, eXistenZ, Scream... Una vez pasado este tiempo y entrados ya en los años 1990 y en el nuevo milenio, las producciónes de terror y ciencia ficción se han basado en remakes de anteriores producciones, séquelas, películas sobre superheroes... Este es el punto en el que nos encontramos actualmente, en el que se hecha algo de menos aquellas películas en las que se mezclaba lo real y lo irreal, lo psicológico y lo físico, con bastante acción, sangre, monstruos y aliens... como es el caso de la película que hoy nos ocupa. Una verdadera obra maestra en la que no nada más cuenta la historia de un científico que construye unas cabinas transportadoras y que, por error, empieza a mutar en un otro ser, además se construye todo un universo psicológico que acompaña a este cambio físico y a los personajes que intervienen en él.

Cronenberg hace mucho tiempo que ha dejado el mundo del terror y la ciencia ficción dejando huérfanos a los seguidores de esta clase de cine. Aportó algunos títulos destacados y referentes y ahora se ha centrado en dramas insoportables que siguen conservando la dualidad entre la parte física y psicológica de las personas que le caracteriza. El último trabajo que conocemos de él es la última de las decepciones que tuvimos el placer de experimentar en el cine: Cosmopolis. y otro de los títulos decepcionantes de los últimos tiempos fue Un método peligroso sobre parte de la vida de Freud. Su trabajo directivo no es nada malo, en general, y si se acompaña de un buen guión y un buen equipo técnico y artístico el resultado es una obra completa como la que hoy presentamos y que se olvida cuando uno se sienta en una sala de cine y ve los últimos desastres que este ha presentado.

En esta ocasión, en la que se han hecho tantas parodias y gags acerca de la película, las interpretaciones protagonistas fueron de gran importancia, junto con el guión.  Jeff Goldblum y Geena Davis (que fueron pareja en la vida real) tienen uno de los trabajos más importantes de sus carreras y, actualmente, han acabado por recluirse en papeles secundarios en el cine o en series de la televisión americana (Davis incluso participó en las olimpiadas en la categoría de tiro con arco). Tuvieron su momento de gloria y esos días pasaron y, aunque no fueron malos en sus trabajos y participaron en algunos títulos importantes de la filmografia americana como Jurassic Park o Thelma&Louise, sus días se han esfumado al igual que su juventud y belleza y la oportunidad de conseguir papeles protagonistas en un mundo en el que aquello que han perdido es lo más valorado a la hora de empezar una producción.

La película es una verdadera obra de culto que ha sido referente para muchos y ha inspirado en muchos trabajos en diferentes terrenos (incluso en Los Simpson hay un especial de terror dedicado a la película en el que Bart es el objeto de la transformación). En ocasiones como estas, en las que comentamos un gran clásico del cine, es difícil poder expresar todo lo que significó y lo que sigue aportando actualmente. Lo mejor es que se vea la película y cada uno pueda valorarla.



Todo lo escrito es fruto de la imaginación... y nada más!


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